Las obras de Frank Lloyd Wright. Exposiciones, libros, difusión, parte 3. (MB)
Frank Lloyd Wright, exposiciones
Mis edificios no solo son luz o perspectiva, alimentan el espíritu.
Intentan encontrar formas adecuadas para integrar y armonizar
los nuevos materiales y técnicas con el ideal de vida democrática de mis tiempos”. F. Ll. Wright
Frank Lloyd Wright desarrollo un enorme trabajo de una calidad difícilmente superable.
Realizó 1.191 proyectos, incluyendo casas, oficinas, iglesias, escuelas, bibliotecas, puentes y museos, la magnitud de su producción incluye tambien hoteles, edificios administrativos, estaciones de servicio, conjuntos residenciales, edificios industriales, universidades y planes urbanos. De ellos, 460 llegaron a construirse, actualmente se conservan 384 edificios, muchos de los cuales están protegidos y han sido restaurados.
Dentro de su labor de arquitecto diseñó muebles, telas, arte en vidrio, lámparas, vajillas, ropa de cama y artes gráficas, esa actividad tiene un nombre “Obra de arte total” (Gesamtkunstwerk), ya que Wright concebía el edificio y todos sus elementos como una unidad inseparable.
Libros
Fue autor de 20 libros, destacan An Autobiography (1932), relato de su vida y obra; se publicó por primera vez en 1932 (editorial Longmans, Green and Co., Nueva York.) y fue revisada y ampliada en varias ocasiones por el propio arquitecto, hasta alcanzar su versión definitiva en 1943 (editorial Duell, Sloan and Pearce).
Al leerla (Editorial El Croquis 1998) se tiene la impresion que la autobiografia debia quedar a la altura del autor, es decir la que el autor consideraba merecer, como tantas veces lo manifestó.
Frank Lloyd Wright solía afirmar, con una mezcla de convicción y provocación, «que no era el mejor arquitecto de Estados Unidos, sino el mejor arquitecto del mundo». La frase fue repetida en diversas entrevistas y conversaciones durante los últimos años de su vida, reflejando la enorme confianza que tenía en la trascendencia de su obra y su contribución a la arquitectura moderna.
La anécdota suele asociarse a las dos entrevistas que Wright concedió a Mike Wallace para el programa televisivo «The Mike Wallace Interview», emitido por ABC el 1 de septiembre de 1957. Wright tenía entonces 90 años y se encontraba trabajando en el Solomon R. Guggenheim Museum.
Cuando su esposa, Olgivanna, le reprochó semejante afirmación, respondió con humor: “Me preguntaron y tenía que decir la verdad”.
Wright tuvo otra entrevista televisiva muy conocida con Hugh Downs para NBC en 1953, donde pronunció una de sus frases más célebres “Temprano en la vida tuve que elegir entre una arrogancia honesta y una humildad hipócrita» (Early in life I had to choose between honest arrogance and hypocritical humility).
Considerada una de las autobiografías más influyentes escritas por un arquitecto, ha sido traducida a mas de diez idiomas y reeditada durante más de noventa años.
En 1908 recopiló una serie de artículos publicados en el Architectural Record cuyo titulo fue In the Cause of Architecture«de 1908. Fue ampliando los textos, muchos historiadores lo consideran su manifiesto más importante.
Broadacre City
Otros libros que podemos mencionar son The Disappearing City (1932), donde expuso su visión de Broadacre City (editado por William Farquhar Payson, Nueva York), una propuesta de descentralización territorial de la América Urbana basada en el automóvil, las comunicaciones y la baja densidad por el acceso individual a la tierra, que sigue siendo objeto de estudio y discusión.
Uno de los documentos más extraordinarios de su legado es la maqueta de Broadacre City, realizada entre 1934 y 1935 por los aprendices de Taliesin. Con unas dimensiones de 3,66 × 3,66 metros, representa una comunidad ideal de 10 km² concebida para 1.400 familias. Conservada actualmente en el MoMA de Nueva York, constituye la representación física más completa de la visión urbana desarrollada por Wright para una América descentralizada.
Tuve la oportunidad de verla en 2025, donde sigue impresionando por la minuciosidad de sus detalles y por la ambición de la propuesta urbana que representa; An Organic Architecture: The Architecture of Democracy (1943) editado por The Sir George Watson Lecture Foundation; The Future of Architecture (1953), síntesis de su pensamiento sobre la arquitectura orgánica (editorial Horizon Press, Nueva York) y A Testament (1958) considerado su legado intelectual y The Living City (Horizon Press, Nueva York).
Pocos arquitectos han utilizado la prensa con tanta eficacia como Wright. A través de libros, periódicos, revistas, radio, TV, documentales artículos, conferencias en los EEUU y Europa, exposiciones y entrevistas difundió sus ideas mucho más allá del ámbito profesional, convirtiéndose en una de las voces más influyentes de la arquitectura moderna.
Además de sus libros, Frank Lloyd Wright publicó centenares de artículos, ensayos, conferencias y textos breves a lo largo de más de medio siglo. Sus escritos aparecieron tanto en revistas profesionales como Architectural Record, Architectural Forum y Architectural Review, como en publicaciones de gran difusión, entre ellas Ladies’ Home Journal; House Beautifull; Liberty y Magazine of Art.
El poder de la difusión
A través de estos medios difundió sus ideas sobre la arquitectura orgánica, la vivienda moderna, la ciudad del futuro y el papel de la tecnología en la sociedad, convirtiéndose en uno de los arquitectos más influyentes, participando activamente en los debates culturales y urbanos de su tiempo y que despertaban su interés.
Consciente del poder de la prensa, Wright publicó entre 1901 y 1907 varios proyectos de viviendas económicas en la revista Ladies’ Home Journal. El más célebre fue A Fireproof House for $5000 (1907), «Una casa resistente al fuego por 5.000 dólares», una casa de hormigón armado diseñada para una familia de ingresos medios, eran viviendas modernas accesibles al gran público.
La propuesta era tan racional que las cuatro fachadas derivaban de un mismo molde, reduciendo costos de construcción y mantenimiento
La propuesta tuvo una enorme difusión y sirvió de base para varias viviendas que construyó posteriormente, entre ellas las casas Stockman, Brigham y Zeigler. Wright entendió antes que muchos de sus contemporáneos que una revista podía ser tan eficaz como un edificio para difundir nuevas ideas sobre la vivienda moderna.
Décadas antes de las casas usonianas, intentaba combinar arquitectura de calidad mediante la prefabricación, y la producción masiva.
Usonian Automatic
Las casas Zimmerman (1950) y Kalil (1955) pertenecen a la serie de viviendas usonianas de Wright. Aunque no eran prefabricadas en sentido estricto, utilizaban una rigurosa modulación y numerosos componentes estandarizados, una busqueda que habia iniciado con las American System-Built Houses de 1915-1917, uno de los primeros intentos de industrialización de la vivienda en Estados Unidos.
La Kalil House es una de las pocas viviendas construidas con el sistema Usonian Automatic, basado en bloques prefabricados de hormigón que podían ensamblarse casi como piezas de un mecano.
Actualmente, tanto las Casas Zimmerman como la Kalil, pertenecen al Currier Museum of Art de Manchester, New Hampshire. La primera fue donada al museo por sus propietarios en 1988 y la segunda fue adquirida en 2019. Gracias a ello, el Currier se ha convertido en el único museo estadounidense que conserva y exhibe al público dos viviendas diseñadas por Frank Lloyd Wright.
Sobre las casas Zimmerman y Kalil ver https://onlybook.es/blog/impresiones-de-un-relator-desde-el-middlebury-college-en-eeuu-12/
Exposiciones
Entre las numerosas exposiciones dedicadas a Frank Lloyd Wright, una de las más singulares fue “The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture”, inaugurada en 1953 cuando el arquitecto tenía 84 años. La muestra se realizó en un pabellón temporal construido en la Quinta Avenida de Nueva York, en el mismo solar donde pocos años después se levantaría el Solomon R. Guggenheim Museum (el edificio aún estaba en proyecto). Wright diseñó para la ocasión una casa usoniana a escala real, completamente amueblada, que permitió a miles de visitantes recorrer y experimentar directamente su propuesta de vivienda moderna, económica y accesible para la familia estadounidense. La exposición recibió más de 100.000 visitantes y constituyó una eficaz herramienta de difusión de sus ideas sobre la vivienda y la ciudad del futuro.
En otra oportunidad, mientras investigaba el origen del diseño de una silla de Wright, me encontré con Tom Monaghan, fundador de Domino’s Pizza y creador del complejo Domino’s Farms, en Ann Arbor Township, Michigan.
Apasionado admirador de Wright, Monaghan invirtió millones de dólares en reunir una de las colecciones privadas más importantes dedicadas al arquitecto. Entre las piezas que adquirió se encontraba el célebre Portfolio Wasmuth de 1910, la publicación que dio a conocer la obra de Wright en Europa e influyó decisivamente en arquitectos como Mies van der Rohe y Walter Gropius.
Pero no adelantemos acontecimientos. Conviene detenerse primero en la historia de aquel extraordinario portfolio y en el momento en que Wright decidió presentar su obra al mundo.
Sobre Tom Monagham, el Porfolio Wasmuth y los asesinatos en Taliesin ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/
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The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture.
La casa Usoniana: sesenta años de arquitectura viva.
Esta sencilla silla de contrachapado fue producida para la exposición celebrada en el museo Guggenheim de Nueva York entre mayo y octubre de 1953.
La casa construida fue desmontada al finalizar la muestra. Miles de visitantes pudieron recorrerla como si fuera una vivienda real, con muebles, y objetos textiles diseñados por Wright.
La exposición, titulada The Usonian House: Sixty Years of Living Architecture (La casa usoniana: sesenta años de arquitectura viva), reflejaba una de las preocupaciones constantes de Wright: diseñar viviendas asequibles sin sacrificar la calidad arquitectónica. A los 84 años, el arquitecto seguía convencido de que era posible conciliar economía, funcionalidad y belleza dentro de los principios de la arquitectura orgánica.
El catálogo de la exposición incluía una declaración de Frank Lloyd Wright: «Creo que una casa es más que un hogar; es una obra de arte». En ese mismo texto sostenía que «su arquitectura estaba profundamente vinculada a los ideales de la democracia estadounidense, al considerar que el buen diseño debía estar al servicio de la vida cotidiana y no reservado a una minoría».
No fue un proyecto destinado a un cliente concreto, por lo que pudo desarrollar sus ideas sin restricciones. La Usonian Exhibition House construida para la exposición de 1953 representaba una síntesis de décadas de investigación sobre la vivienda estadounidense: una casa compacta, económica, funcional y estrechamente vinculada al jardín y al paisaje.
La vivienda estaba completamente amueblada con diseños del propio Wright e incorporaba muchos de los elementos característicos de las casas usonianas: planta abierta, calefacción por suelo radiante, cochera abierta en lugar de garaje, amplios paños acristalados y una fuerte integración entre arquitectura, mobiliario y naturaleza.
Como hemos comentado la exposición recibió más de 100.000 visitantes y tuvo una amplia difusión en periódicos y revistas de todo el país. Su edificio no tuvo la vocación de ser construido en New York, y para muchos estadounidenses fue la primera oportunidad de recorrer una casa diseñada por Wright y conocer directamente sus propuestas para la vivienda moderna. La casa fue desmontada al finalizar la muestra, pero su influencia se extendió mucho más allá de los meses que permaneció abierta al público.
En la silla de comedor diseñada para la Usonian Exhibition House, se nota dónde encajan las diferentes piezas de madera contrachapada, los recortes decorativos del respaldo forman parte del lenguaje arquitectónico de la vivienda, son de un carácter simple y geométrico.
La silla refleja uno de los objetivos constantes de Wright: integrar arquitectura, mobiliario y modo de vida en un conjunto coherente. Al igual que las casas usonianas, fue concebida para ser funcional, económica y accesible, demostrando que el buen diseño podía incorporarse a la vida cotidiana de una amplia parte de la población.
Tanto la exposición Frank Lloyd Wright: Buildings for the Prairie como la silla de la Usonian Exhibition House permiten comprender distintos momentos de su trayectoria. La primera se centra en los años formativos de su carrera y en el desarrollo de las Prairie Houses, mientras que la segunda muestra la evolución de aquellas ideas hacia las viviendas usonianas de las décadas finales de su vida.
El hecho que la silla de la Usonian Exhibition House fue diseñada cuando Wright tenía 84 años, demuestra su enorme y permnente interés en experimentar materiales, sistemas constructivos y mobiliario.
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En la Bradley Family Galleries se presentó la exposición Frank Lloyd Wright: Buildings for the Prairie, dedicada a los primeros años de la carrera del arquitecto y a las Prairie Houses desarrolladas entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX.
La segunda parte se exhibió en el MAM (Museo de Arte de Milwaukee), ubicado al 700 N. Arte Museum Drive, a orillas del lago Michigan en Wisconsin. Bajo el título The Potential of Plywood (El potencial del contrachapado), la muestra examinó el uso innovador que Wright hizo de este material en el diseño de mobiliario y en varios de sus proyectos residenciales.
Entre las piezas expuestas destacaba la silla diseñada para la Usonian Exhibition House de 1953. La muestra permitía comprender cómo Wright utilizó la madera contrachapada para producir muebles ligeros, económicos y fáciles de fabricar, en consonancia con sus investigaciones sobre la vivienda accesible y la estandarización de componentes.
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Anteriormente el MAM (el Museo de Arte de Milwaukee) en colaboración con la Fundación Frank Lloyd Wright de Scottsdale, organizó entre febrero y mayo del 2011 la exposición vanguardista “Frank Lloyd Wright: arquitectura orgánica para el siglo XXI”, ( Frank Lloyd Wright: Organic Architecture for the 21st Century).
La muestra reunió más de 150 piezas, entre ellas dibujos originales, maquetas, fotografías, películas familiares, mobiliario, objetos decorativos y documentos que recorrieron más de siete décadas de actividad profesional. También se exhibieron proyectos no construidos y materiales procedentes de los archivos de Taliesin.
La exposición conmemoraba el centenario de Taliesin, la casa, estudio y escuela fundada por Wright en 1911 en Spring Green, Wisconsin. Su objetivo era mostrar la vigencia de los principios de la arquitectura orgánica y su influencia en la arquitectura contemporánea.
Hannah Pivo fue la curadora de la muestra, con amplia experiencia en adquisiciones, rotación de galerías y organización de exposiciones dedicadas a la cerámica, el vidrio, los textiles, las artes gráficas y el diseño industrial de los siglos XX y XXI.
La etapa tardía de Frank Lloyd Wright estuvo representada por la adquisición de una Usonian Exhibition House Dining Chair, una silla diseñada para la Casa de Exposición Usoniana. Se trata de uno de los dos únicos ejemplares conocidos que han sobrevivido, incorporado a la colección permanente del MAM.
La exposición coincidió asimismo con el décimo aniversario del Pabellón Quadracci, obra del arquitecto Santiago Calatrava (1951) inaugurado en 2001 como ampliación emblemática del Museo de Arte de Milwaukee (MAM). Su gran cubierta móvil, inspirada en las alas de un ave en vuelo, se ha convertido en uno de los símbolos arquitectónicos más reconocibles de la ciudad.
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Con motivo del 75.º aniversario de Taliesin West, la residencia de invierno, estudio y campus de arquitectura de Frank Lloyd Wright en Scottsdale, se organizó una importante exposición dedicada a revisar la vigencia de su legado.
El Phoenix Art Museum presentó, entre el 18 de diciembre de 2011 y el 29 de abril de 2012, la muestra “Frank Lloyd Wright: Organic Architecture for the 21st Century”, que ofrecía una nueva mirada sobre las siete décadas de su trayectoria profesional y exploraba la actualidad de los principios de su arquitectura orgánica.
Vista desde la perspectiva del siglo XXI, la obra de Wright puede relacionarse con muchos de los temas centrales de una arquitectura sostenible: el aprovechamiento de la energía natural, el uso inteligente de los materiales, la eficiencia del espacio, la prefabricación y la fabricación industrial de componentes, el transporte, la planificación urbana y, sobre todo, el respeto por las características del lugar y las condiciones climáticas.
La exposición reunió dibujos, maquetas, fotografías, mobiliario y documentos que permitían comprender la evolución de estas ideas a lo largo de toda su carrera. Entre los proyectos emblemáticos representados figuraban el Templo Unitario de Oak Park (1905), la Casa de la Cascada (Fallingwater) en Mill Run (1936), el edificio administrativo de la Johnson Wax en Racine (1936), Taliesin East en Spring Green (1911-1959) y Taliesin West, situado a unos 10 kilómetros de Scottsdale (1937-1959).
Para conmemorar el centenario de la incorporación de Arizona como estado de los Estados Unidos, la exposición incluyó una gran maqueta y una serie de dibujos del ambicioso proyecto para el Capitolio del Estado de Arizona propuesto por Wright en 1957. Concebido como un monumental complejo cívico para Phoenix, el proyecto nunca llegó a construirse, pero constituye uno de los ejemplos más visionarios de la etapa final de su carrera. Sus formas geométricas, inspiradas en el paisaje desértico y en la silueta de las montañas circundantes, expresaban la aspiración de Wright de crear una arquitectura profundamente vinculada al lugar y representativa de la identidad del estado.
Museo de Arte de Milwauke. MAM
El Museo de Arte de Milwaukee (MAM), fundado en 1888, es una de las instituciones culturales más importantes de los Estados Unidos. En la actualidad ocupa una superficie de aproximadamente 31.700 m² y alberga una colección de más de 30.000 obras. Cada año recibe más de 400.000 visitantes.
El complejo museístico está integrado por cuatro edificios construidos en distintas épocas, reflejando la evolución de la arquitectura del museo a lo largo de más de un siglo. Entre ellos destacan el War Memorial Center diseñado por Eero Saarinen, la ampliación de David Kahler y el Pabellón Quadracci de Santiago Calatrava, inaugurado en 2001 frente al lago Michigan, cuya estructura móvil se ha convertido en el símbolo más reconocible de Milwaukee y del museo.
Los cuatro edificios principales
El actual complejo del Museo de Arte de Milwaukee (MAM) es el resultado de más de un siglo de ampliaciones y transformaciones arquitectónicas. Sus cuatro edificios principales reflejan distintas etapas de la arquitectura estadounidense de los siglos XX y XXI.
El núcleo histórico del conjunto es el War Memorial Center, inaugurado en 1957 y diseñado por el arquitecto Eero Saarinen. Concebido como monumento a los caídos en la Segunda Guerra Mundial, combina la solemnidad con la elegancia estructural característica de Saarinen y constituye uno de los ejemplos más destacados del modernismo norteamericano.
En 1975 el museo incorporó una importante ampliación diseñada por el arquitecto David Kahler. Este edificio aportó nuevas galerías de exposición, áreas educativas y espacios de servicios, respondiendo al crecimiento constante de las colecciones.
Una segunda expansión, también proyectada por Kahler, fue inaugurada en 2001. Ese mismo año abrió sus puertas el Pabellón Quadracci, diseñado por Santiago Calatrava. Situado frente al lago Michigan, el edificio se distingue por su gran brise-soleil móvil, cuyas alas se despliegan y repliegan diariamente. Su silueta dinámica evoca tanto el vuelo de un ave como las velas de una embarcación, convirtiéndose en el nuevo emblema visual de Milwaukee.
El conjunto constituye, en sí mismo, una exposición sobre la evolución de la arquitectura contemporánea.
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El War Memorial Center, monumento dedicado a los veteranos de guerra, fue diseñado en 1957 por el arquitecto finlandés-estadounidense Eero Saarinen (1910–1961), una de las figuras más destacadas de la arquitectura moderna norteamericana. Entre sus obras más célebres se encuentra la terminal TWA del Aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York, considerada una de las grandes joyas arquitectónicas del siglo XX. (1)
El encargo había sido ofrecido originalmente a su padre, el arquitecto Eliel Saarinen (1873–1950), pero tras su fallecimiento fue Eero quien asumió la responsabilidad del proyecto y le dio su forma definitiva.La construcción comenzó en 1955 bajo la supervisión del estudio local Maynard W. Meyer & Associates. El edificio incorpora varios de los principios formulados por Le Corbusier para la arquitectura moderna: la elevación del volumen principal sobre pilares, la liberación de la planta de los condicionantes estructurales tradicionales y el desarrollo de amplias superficies acristaladas que permiten una estrecha relación visual con el lago Michigan. Las terrazas y cubiertas accesibles refuerzan esta integración entre arquitectura, paisaje y espacio público.
Con su estructura ligera y horizontal, suspendida frente al agua, el War Memorial Center se convirtió en uno de los edificios más emblemáticos de Milwaukee y en una de las obras maestras de la última etapa de Eero Saarinen.
Sobre las obrasa de Eero Saarinen ver https://onlybook.es/blog/obras-de-eero-saarinen/
y en https://onlybook.es/blog/obras-de-eero-saarinen-parte-2-mb/
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El Kahler Building fue diseñado en 1975 por el arquitecto David Kahler, del estudio Kahler, Fitzhugh & Scott. La ampliación añadió una estructura de hormigón que se proyecta hacia la orilla del lago Michigan, creando un amplio zócalo que prolonga el eje compositivo del edificio de Eero Saarinen. Con esta intervención, el museo ganó nuevas salas de exposición y espacios de servicio.
El origen de la actual colección de arte moderno del museo se remonta a la extraordinaria donación realizada en 1960 por la señora Harry (Peg) Lynde Bradley. Su aporte incluyó más de 600 obras de arte moderno, acompañado por una contribución económica de un millón de dólares —equivalente a aproximadamente 9,2 millones de dólares actuales—, lo que permitió sentar las bases de una de las colecciones más importantes de la región. La colección y varias dependencias del museo llevan el nombre de su familia.
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El Quadracci Pavilion, financiado por los mecenas Betty y Harry Quadracci, fue diseñado e inaugurado en 2001 por el arquitecto español Santiago Calatrava (1951). La obra constituyó su primer proyecto construido en los Estados Unidos y transformó la imagen del Museo de Arte de Milwaukee, convirtiéndose rápidamente en uno de los iconos arquitectónicos más reconocibles del país.
Con una superficie aproximada de 13.200 m², el edificio de una estructura blanca alberga un amplio vestíbulo de recepción, un auditorio, espacios para exposiciones temporales, una tienda, cafeterías y áreas de estacionamiento.
El elemento más espectacular del conjunto es el Burke Brise Soleil, un gran protector solar móvil con una envergadura de 66 metros formado por 72 aletas de acero. Las alas se abren y cierran diariamente, otorgando al edificio una apariencia cambiante. Un sistema informatizado controla su funcionamiento: cuando los sensores detectan vientos sostenidos superiores a 37 km/h durante más de tres segundos, las alas se repliegan automáticamente en aproximadamente tres minutos y medio para proteger la estructura. El movimiento de sus alas ha convertido al museo en una auténtica escultura cinética a escala urbana, visible desde gran parte del frente costero de Milwaukee.
Jardines Cudahy
Los jardines del museo llevan el nombre del filántropo Michael Cudahy. Coincidiendo con la construcción del Pabellón Quadracci, se emprendió una completa remodelación de los espacios exteriores. El proyecto fue encargado al arquitecto paisajista Dan Kiley, quien diseñó una secuencia de jardines, plazas y fuentes a lo largo de un rectángulo de aproximadamente 183 metros de longitud por 30 metros de ancho. Kiley fue uno de los grandes paisajistas estadounidenses del siglo XX.
Mediante una rigurosa composición de formas geométricas y ejes visuales, logró establecer una transición armónica entre la arquitectura racional y contenida del War Memorial Center de Eero Saarinen y las formas más dinámicas del Pabellón Quadracci de Santiago Calatrava.
Una serie de setos de 3 m de altura y una fuente con una cortina de agua de 1,22 m de alto dividen el jardín en diez parterres inclinados de céspedes. En los extremos del conjunto, dos plazas monumentales incorporan fuentes cuyas columnas de agua alcanzan los diez metros de altura. Es una pieza fundamental del conjunto arquitectónico.
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La ampliación más reciente del museo fue inaugurada en 2015.
El proyecto fue concebido por el arquitecto de Milwaukee James W. Shields (3), FAIA (Fellow of the American Institute of Architects) (4), director de diseño del estudio HGA Architects y profesor asociado de arquitectura en la Universidad de Wisconsin–Milwaukee.
Durante el desarrollo de la obra surgieron discrepancias entre el arquitecto y la dirección del museo, por lo que Shields no continuó vinculado al proyecto, que fue terminado por otros profesionales del estudio. El nuevo edificio incorpora un acceso orientado hacia el lago Michigan y se caracteriza por sus amplios voladizos, que proyectan el piso superior sobre una planta baja completamente acristalada, sostenida por columnas de hormigón.
Distribuidas en cuatro niveles, las galerías albergan una parte significativa de las colecciones permanentes del museo, con obras del arte europeo de los siglos XV al XX y arte estadounidense de los siglos XVII al XX.
Entre los artistas representados se encuentran Nardo di Cione, Francisco de Zurbarán, Jean-Honoré Fragonard, Winslow Homer, Auguste Rodin, Edgar Degas, Claude Monet, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Joan Miro, Mark Rothko, Robert Gober y Andy Warhol.
Entre los fondos más valiosos del museo destaca una de las mayores colecciones dedicadas a Georgia O’Keeffe (1887–1986). La artista nació en Wisconsin, pero gran parte de su carrera la desarrolló en Nuevo México.
Sobre Georgia o´Keeffe ver https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-1era-parte/
y en https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-2nda-parte-y-final/
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La exposición itinerante “Sixty Years of Living Architecture: The Work of Frank Lloyd Wright” constituyó uno de los mayores esfuerzos de difusión internacional de su obra.
La integraban maquetas, fotografías, dibujos originales y material documental, permitía recorrer seis décadas de producción arquitectónica, desde las primeras Prairie Houses hasta los proyectos más innovadores de sus últimos años.
Tras una presentación preliminar en enero de 1951 en la Galería Gimbel Brothers de Filadelfia, comenzó su gira mundial.
Se presentó oficialmente en junio de 1951 en el Palazzo Strozzi de Florencia. Durante 1952 la exposición recorrió varias ciudades europeas, en “Sixty Years de New York” se anunciaba que luego de Florencia la exposición se presentaría en Paris en abril de 1952, en Zúrich a finales de mayo, luego seguirían Munich y Roterdam.
La exposición recibió una extraordinaria acogida por parte del público y de la crítica especializada.
A lo largo de casi dos años de recorrido europeo, miles de visitantes pudieron conocer de primera mano la evolución de la arquitectura orgánica de Wright.
Concluida su etapa europea, la muestra continuó su itinerario en Ciudad de México y Nueva York durante 1953, para llegar posteriormente a Los Ángeles en 1954. La exposición contribuyó decisivamente a consolidar el prestigio internacional de Frank Lloyd Wright y a difundir los principios de su arquitectura orgánica en ambos lados del Atlántico en las nuevas generaciones de arquitectos y estudiantes.
Aunque Frank Lloyd Wright manifestó en 1955 su intención de llevar la exposición a Oriente, los testimonios posteriores sugieren que aquella etapa nunca llegó a concretarse. En Frank Lloyd Wright: His Life, His Work, His Words, su esposa Olgivanna señala en las pp 219/220 que, tras la presentación de Los Ángeles, Wright regresó a Taliesin, sin mencionar nuevas sedes internacionales.
La presentación de Nueva York en 1953 tuvo un interés especial, ya que se realizó en el terreno que pocos años después ocuparía el Museo Guggenheim. Para la ocasión se construyó un complejo expositivo formado por dos estructuras: la Casa de Exposición Usoniana, una vivienda de aproximadamente 158 m² completamente amueblada, y un Pabellón de Exposiciones destinado a albergar maquetas, dibujos y documentación de sus proyectos.
Ambos edificios aparecían representados en la portada del catálogo oficial. La muestra fue inaugurada el 9 de octubre de 1953 y permaneció abierta al público hasta el 29 de noviembre del mismo año.
Entre los elementos más destacados de la Casa Usoniana se encontraba el mobiliario diseñado por Wright. La silla de comedor creada para esta vivienda no fue un diseño aislado, sino que pasó a formar parte de otros proyectos residenciales posteriores. Uno de los ejemplos más conocidos es la casa Paul J. Trier, en Johnston, Iowa, una casa usoniana proyectada en 1956 cuya arquitectura derivaba directamente de la Casa de Exposición Usoniana presentada en Nueva York.
Reacciones
Los historiadores de la arquitectura han destacado que la muestra no fue una simple exhibición de proyectos, sino una auténtica obra de diseño concebida por el propio Wright, al controlar cuidadosamente la presentación de los materiales, la disposición de los paneles, la relación entre maquetas y fotografías. Los visitantes pudieron comprender su arquitectura en un entorno que combinaba edificios, mobiliario, paisaje y diseño gráfico.
Su innovación incluía un pabellón de exposiciones y una casa usoniana completamente amueblada, se mostraban maquetas y dibujos, y el recorrido físico de una casa según los principios de la arquitectura orgánica, y la idea wrightiana de «la obra total».
La historiadora de la arquitectura Kathryn Smith, especialista en la obra de Frank Lloyd Wright y autora del estudio Wright on Exhibit: Frank Lloyd Wright’s Architectural Exhibitions (2017), ha investigado en profundidad el papel que las exposiciones desempeñaron en la difusión internacional de sus ideas, señala que la organización de Sixty Years of Living Architecture fue una empresa de extraordinaria complejidad.
La exposición no consistía únicamente en trasladar dibujos y fotografías de un lugar a otro: implicó el transporte internacional de maquetas de gran tamaño, centenares de paneles expositivos y abundante documentación gráfica, además de la coordinación entre museos, instituciones culturales, patrocinadores y autoridades de varios países.
Comenta Smith, que el proyecto fue preparado durante varios años y exigió superar dificultades económicas, administrativas y logísticas en una Europa que aún se encontraba en proceso de reconstrucción tras la Segunda Guerra Mundial. Cada nueva sede requería adaptar los espacios expositivos, reorganizar el montaje y garantizar el traslado seguro de materiales únicos e irremplazables.
Wright estaba convencido que la manera de mostrar la arquitectura era tan importante como la arquitectura misma. Por ello Sixty Years of Living Architecturese se convirtió en una de las exposiciones de arquitectura más ambiciosas e influyentes del siglo XX y contribuyó a consolidar el prestigio internacional de Wright en los últimos años de su vida.
Finalizada la exposición, la Casa de Exposición Usoniana fue subastada. El comprador David Henken, fue colaborador y discípulo de Wright, quien tenía la intención de reconstruirla, sin embargo, poco después contrajo poliomielitis por lo que el proyecto nunca llegó a concretarse. Como consecuencia, la vivienda fue desmontada y almacenada durante casi treinta años.
En 1984 la casa volvió a salir a subasta. El ganador fue Tom Monaghan (1937–2025), fundador de Domino’s Pizza y uno de los mayores coleccionistas de obras y objetos relacionados con Wright. Monaghan adquirió la estructura por 117.000 dólares, equivalentes a unos 342.000 dólares actuales. Su intención era reconstruirla como parte de un conjunto dedicado a preservar y difundir el legado del arquitecto. Al comienzo de este artículo, ya lo he mencionado.
Sobre Tom Monagham, el Porfolio Wasmuth y los asesinatos en Taliesin ver https://onlybook.es/blog/las-obras-de-frank-lloyd-wright-parte-5/
Sin embargo, tras tres décadas de almacenamiento, muchas piezas habían sufrido deterioros, pérdidas o alteraciones que dificultaban una reconstrucción fiel. El proyecto tampoco llegó a realizarse y, finalmente, diversos componentes de la vivienda fueron nuevamente subastados en 1992. Luego de un recorrido azaroso, sobrevivió gracias al interés de coleccionistas y admiradores de Wright, convirtiéndose con el tiempo en una pieza casi legendaria dentro de la historia de la arquitectura estadounidense.
Proyecto de ciudad “Broadacre”
La gran maqueta de Broadacre City ocupó un lugar destacado en la exposición internacional de 1951. Antes de iniciar su recorrido mundial, la muestra tuvo una presentación preliminar en enero de ese año en la Galería Gimbel Brothers de Filadelfia, y formó parte de las exposición “Sixty Years of Living Architecture: The Work of Frank Lloyd Wright”.
En ese contexto, Broadacre City fue presentada como «una concepción de la comunidad moderna descentralizada ideal», una alternativa a la creciente congestión de las grandes ciudades industriales.
La propuesta se organizaba en unas 2.200 parcelas de aproximadamente 4.047 m² (un acre) cada una, distribuidas en un vasto territorio donde la vivienda, el trabajo, la agricultura y los servicios convivían en estrecha relación con el paisaje. Wright consideraba que la concentración excesiva de población era incompatible con una vida humana digna, su plan se basaba en una sociedad descentralizada, apoyada en el automóvil, las autopistas y las nuevas tecnologías de comunicación, donde cada familia pudiera disponer de espacio suficiente para vivir en contacto directo con la naturaleza. Nunca llegó a construirse, pero su visión urbanística sigue influyendo en los debates.
La imagen fue tomada con motivo de la inauguración de la exposición “Sixty Years of Living Architecture: The Work of Frank Lloyd Wright” en el Palazzo Strozzi de Florencia, un acontecimiento que reunió a destacadas figuras de la arquitectura, la crítica de arte y la cultura italiana de la posguerra.
En la fotografía, de izquierda a derecha, aparecen Olgivanna Lloyd Wright, Frank Lloyd Wright, el arquitecto, historiador y crítico de arquitectura Bruno Zevi (1918–2000) —visible parcialmente—, Kathryn Lewis, Iovanna Lloyd Wright (1925–2015), hija de Frank y Olgivanna, el historiador, crítico de arte, filósofo y político italiano Carlo Ludovico Ragghianti (1910–1987), el diplomático y político antifascista Conde Carlo Sforza (1872–1952), quien ejerció como ministro de Asuntos Exteriores de Italia, el arquitecto y escultor racionalista Oscar Gregory Stonorov (1905–1970) y la historiadora del arte y escritora Licia Collobi Ragghianti (1914–1989).
Su construcción
La maqueta de Broadacre City, pieza importante de la arquitectura y el urbanismo del siglo XX, fue construida entre 1934 y 1935 por más de veinte aprendices de la Taliesin Fellowship bajo la dirección personal de Wright. El trabajo se realizó durante la primera estancia invernal de la comunidad de Taliesin en Arizona y fue financiado por Edgar J. Kaufmann, uno de sus principales mecenas.
La maqueta, de aproximadamente 3,7 × 3,7 metros (12 × 12 pies), representaba una comunidad ideal de cuatro millas cuadradas (10,4 km²) donde viviendas, granjas, escuelas, fábricas y equipamientos públicos se articulaban en una red descentralizada, eliminando la separación tradicional entre ciudad y campo.
No era una ciudad concreta, sino una propuesta para reorganizar todo el territorio americano. Wright continuó modificando la maqueta durante mas de dos décadas, la utilizó como una herramienta para explicar sus ideas sobre la ciudad del futuro.
Luego de recorrer numerosas exposiciones en los EEUU y Europa, la maqueta pasó a formar parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde se conserva como una de las piezas fundamentales de su departamento de Arquitectura y Diseño.
Un manifiesto tridimensional del maesto Wright.
Sobre Frank Lloyd Wright, etapas de su vida. Taliesin Fellowship, una comunidad de aprendices ver https://onlybook.es/blog/22237-2/
Notas
1
La terminal de la Trans World Airlines (TWA), diseñada por Eero Saarinen e inaugurada en 1962, un año después de la muerte del arquitecto, es considerada una de las obras maestras de la arquitectura del siglo XX. Tras funcionar como terminal aérea hasta 2001, cuando la TWA fue absorbida por American Airlines y el edificio quedó cerrado durante casi dos décadas. Luego de una compleja restauración y adaptación, reabrió el 15 de mayo de 2019 con el nombre de TWA Hotel, conservando la histórica terminal como lobby principal del hotel. El proyecto fue promovido por MCR Hotels, la restauración estuvo a cargo de estudios especializados en patrimonio, entre ellos Beyer Blinder Belle. Se añadieron además dos nuevas alas hoteleras con 512 habitaciones.
2
Datos tomados de Wikiarquitectura.
3
James Shields fue nombrado miembro del Instituto Americano de Arquitectos (AIA) en 2010. Realizó sus estudios en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee y en la École Spéciale d’Architecture de París.
Con una destacada trayectoria en el diseño de edificios públicos, ha recibido más de una docena de premios del AIA Wisconsin por obras como el Discovery World Museum, situado en la ribera del lago Michigan en Milwaukee; el Museo de Arte DeVos; el Departamento de Arte y Diseño de la Universidad del Norte de Michigan; y el Butterfly Vivarium del Museo Público de Milwaukee.
Ha sido reconocido por sus proyectos de arquitectura religiosa, entre ellos la iglesia de St. Boniface en Mequon, la capilla del St. Norbert College y la Catedral Católica de Milwaukee.
Es autor de los libros The Cities of James Duane Doty y Architectural Representation, obras que reflejan su interés tanto por la historia urbana como por los métodos de representación arquitectónica.
4
FAIA es la abreviatura de Fellow of the American Institute of Architects, título honorífico que concede el American Institute of Architects (AIA) a arquitectos eminentes que han sido electos al College of Fellows del Instituto.
James Shields fue distinguido en 2010 como miembro del College of Fellows del Instituto Americano de Arquitectos (AIA), uno de los más altos reconocimientos que puede recibir un arquitecto en los Estados Unidos. Esta distinción honorífica se concede a profesionales que han realizado aportaciones significativas a la arquitectura en ámbitos como la excelencia en el diseño, la enseñanza e investigación académica o el servicio público. Menos del 2 % de los aproximadamente 72.000 arquitectos estadounidenses forman parte de este selecto grupo.
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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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