El Campus VITRA, Oldburg y Coosje van Bruggen, 3a parte (MB)
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Balancing Tools. 1984
En el Campus Vitra, en Weil am Rhein (Alemania), frente al Vitra Design Museum diseñado por Frank Gehry, tres herramientas gigantes parecen apoyarse unas sobre otras, un martillo, una escuadra y una sierra. Forman una especie de pórtico inclinado que da la impresión de estar a punto de colapsar. Una escenografía casi coreográfica.
La obra es Balancing Tools (1984), de Claes Oldenburg (Estocolmo, 1929 – 2022 Nueva York) y Coosje van Bruggen (Groninga, 1942 -2009 Los Ángeles).
Oldenburg, escultor nacido en Suecia y nacionalizado estadounidense, fue una de las figuras centrales del Pop Art. Desde comienzos de la década de 1960 desarrolló una obra basada en la transformación de objetos cotidianos —herramientas, alimentos, utensilios domésticos— mediante el cambio de escala, el desplazamiento de contexto y una fuerte carga irónica. Su idea central consistía en trasladar lo banal al espacio público, ampliándolo hasta dimensiones urbanas y convirtiéndolo en escultura monumental.
A partir de finales de los años setenta trabajó estrechamente con la historiadora del arte y escultora Coosje van Bruggen, con quien realizó la mayor parte de sus esculturas públicas monumentales. Se casaron en 1977 y trabajaron entre el estudio de van Bruggen en el bajo Manhattan y París. Ambos concibieron sus obras como intervenciones urbanas que alteran la percepción del espacio mediante la exageración de escala y la asociación inesperada de objetos.
Fabricada en acero pintado y con una altura aproximada de 9 metros, Balancing Tools transforma herramientas comunes en una composición escultórica basada en tres operaciones características de Oldenburg y van Bruggen: el cambio de escala, un equilibrio inestable que genera tensión visual y la recontextualización de instrumentos asociados al trabajo manual que pasan a formar parte del espacio público.
Crean con el humor y la sorpresa un juego visual, parte esencial de la experiencia del espectador. La escultura fue encargada por Rolf Fehlbaum, director y posteriormente presidente de Vitra, como regalo sorpresa para su padre Willi Fehlbaum, fundador de la empresa, con motivo de su setenta cumpleaños. Como recordaron los artistas, “Balancing Tools “fue nuestra primera comisión privada, aunque el lugar terminó siendo muy público”.
El encargo buscaba un tema “funcional”, adecuado para un “hombre práctico”. Willi Fehlbaum, era un gran admirador del trabajo de Charles y Ray Eames, diseñadores decisivos en la historia de la empresa, que desde la década de 1950 produce y distribuye en Europa el mobiliario que desarrollaron para Herman Miller.
Sobre los Eames ver https://onlybook.es/blog/charles-y-ray-eames-el-programa-case-study-houses-1a-parte/
Oldenburg y Coosje van Bruggen aceptaron el proyecto con la idea de que la escultura evocara, de manera lúdica, el mundo del diseño y de los objetos funcionales asociado a la cultura material de los Eames.
“Es una especie de puerta formada por tres herramientas: el martillo arriba, sostenido precariamente por una escuadra y una sierra, todo en un equilibrio al borde del colapso. Inclinada y girando en el límite del control, la relación dinámica entre los tres elementos recuerda un acto acrobático, algo que nos hizo pensar en el amor de Charles Eames por el circo.
La agrupación también puede leerse como una danza. Pensamos en el ritual anual de primavera de Basilea, cuando las figuras simbólicas de los gremios -el Hombre Salvaje, el Grifo y el León- bailan juntas sobre un puente del Rin.”
Existió inicialmente la idea de instalar la obra al fondo del recinto, cerca de la fábrica. Tras un intercambio de cartas entre Rolf Fehlbaum y los artistas Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen, se decidió trasladar Balancing Tools a un emplazamiento más visible dentro del Vitra Campus. Finalmente se instaló entre los nuevos edificios, cerca de la carretera y en relación directa con el Vitra Design Museum de Frank Gehry.
Balancing Tools (1984) fue en realidad la primera pieza que empezó a convertir Vitra en un “campus de arquitectura”, antes incluso de que llegaran Gehry (1989),Zaha Hadid (1993) o Tadao Ando (1993).
Shuttlecocks (1994). Cuatro enormes volantes de bádminton se distribuyen sobre el césped del Donald J. Hall Sculpture Park, Nelson-Atkins Museum of Art, en la ciudad de Kansas.
Cada uno mide cerca de 5,5 metros de altura, construidos en aluminio y fibra de vidrio pintado. Dispuestos alrededor del edificio neoclásico del museo como si un partido gigantesco (e invisible) se hubiera detenido en el paisaje, los volantes parecen haber caído accidentalmente sobre el jardín.
La posición de los cuatro volantes no es arbitraria. Oldenburg y van Bruggen los dispusieron pensando en cómo se recorre el museo y su parque. El Museo está situado sobre una colina y el gran edificio neoclásico domina un eje central de césped. Los volantes se colocaron alrededor del museo, no sólo delante de él, de modo que el visitante los descubre progresivamente mientras camina por el parque.
Coosje van Bruggen explicó que buscaban que “la obra pareciera haber ocurrido accidentalmente, como si los volantes hubieran caído allí por azar. Esa apariencia de casualidad está en realidad cuidadosamente calculada para que la escultura se descubra caminando.”
Spoonbridge and Cherry (1988)
Una cuchara gigantesca sostiene una cereza que funciona como fuente, de su tallo brota un chorro de agua y cae sobre la superficie del estanque. La escultura se encuentra sobre un estanque artificial en el Minneapolis Sculpture Garden, junto al Walker Art Center. Construida en acero inoxidable y aluminio pintado, la obra mide aproximadamente 16 metros de longitud y se ha convertido en uno de los ejemplos más conocidos de su escultura pública lúdica.
Produce efectos de reflejo, ya que el agua duplica la imagen de la escultura, la cuchara pasa a ser una pieza de infraestructura del jardín.
Oldenburg y van Bruggen decían que les interesaba que la pieza pareciera “naturalmente caída en el paisaje, como si una cucharita hubiera quedado olvidada en un enorme plato”. La obra es uno de los iconos del museo y de la ciudad de Minneapolis.
Las obras de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen forman parte de importantes colecciones públicas y privadas en todo el mundo, entre ellas el Museum of Modern Art, el Centre Pompidou, la Tate Gallery, el San Francisco Museum of Modern Art, el Walker Art Center, el Art Institute of Chicago y el Stedelijk Museum, Museo de Israel, Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Museo Solomon R. Guggenheim, Museo Whitney de Arte Estadounidense.
La escultura Inverted Collar and Tie (1994)
Se encuentra frente al centro de exposiciones “Schirn Kunsthalle”, en Frankfurt am Main. Esta cerca de la pequeña plaza peatonal de Bertha-von-Pappenheim-Platz, entre la catedral de San Bartolomé y el área del Römerberg. El área que he mencionado, Römerberg, es la plaza histórica más importante de Frankfurt, durante siglos ha sido el centro político, comercial y ceremonial de la ciudad.
Ya que estoy recorriendo mentalmente la ciudad, deseo mencionar tambien al Museum für Moderne Kunst (MMK) de Frankfurt diseñado por el arquitecto austríaco Hans Hollein (Viena 1934 – 2014 Ibid) (1) e inaugurado en 1991. El edificio ocupa un solar irregular en el centro histórico y adopta una planta triangular muy aguda, lo que le valió el apodo de Tortenstück (“trozo de tarta”). El triángulo se forma con el encuentro de las las calles Domstraße y Braubachstraße formando el vértice más agudo, su fachada sur da a Berliner Straße, que es la avenida más amplia.
Hollein aprovechó esa geometría para crear una secuencia de salas de exposición de diferentes formas y alturas. Situado cerca del Römerberg, el MMK se convirtió en uno de los museos de arte contemporáneo más importantes de Alemania. Desde hace más de 4 décadas, cada vez que concurro a la feria del libro (Messe), es casi una peregrinación obligada visitarlo, independientemente de las exposiciones que tenga en ese momento.
Una anécdota, cuando se inauguró, el director Jean-Christophe Ammann buscaba llamar la atención sobre el nuevo museo y su colección de arte contemporáneo, y puso sobre una de sus paredes un pene erecto de bronce, con sus correspondientes testículos (en algún lugar debo tener esa foto). Al poco tiempo lo retiraron, y la pared, perdió ese atributo. Estaba sobre la pequeña calle Domstraße 10, una de las 2 que nacen de la proa del museo triangular.
Su autor fue Franz West, y la obra Die Große Illusion (La granilusión), no era parte permanente de la arquitectura del museo, sino una obra artística temporal asociada a exposiciones del entorno del MMK. En esa época el museo se hizo famoso por mostrar arte contemporáneo bastante provocador, con artistas de la escena europea y del Pop Art.
A unos 800 metros del Römer, cruzando el río Main por el puente peatonal Eiserner Steg, uno se encuentra con el Deutsches Architekturmuseum (1979–1984), una de las instituciones clave en Europa dedicadas a pensar y exhibir la arquitectura como disciplina cultural.
Ubicado en una villa histórica sobre el Main, el edificio fue transformado por Oswald Mathias Ungers (Kaisersesch 1926 – 2007 Colonia) (2)
Está basado en su célebre idea de la “casa dentro de la casa”, que resume su pensamiento: geometría pura, abstracción y arquitectura como sistema autónomo.
Los principios teóricos de Oswald Mathias Ungers se basan en la autonomía de la arquitectura como disciplina, regida por leyes internas más que por condicionantes externos. La geometría —el cuadrado, la retícula, el cubo— actúa como estructura conceptual, permitiendo construir un lenguaje claro, racional y casi matemático.
A ello se suma su interés por la tipología y la analogía, entendiendo la arquitectura como reinterpretación de formas arquetípicas y no como invención desde cero. Su pensamiento elimina lo subjetivo y lo emocional inmediato, proponiendo una arquitectura que se comprende intelectualmente, como un sistema coherente de ideas construidas.
Esta intervención convierte al museo en una obra teórica en sí misma, donde la forma arquitectónica es objeto de reflexión.
Es otro de mis visitas anuales obligadas en Frankfurt, esta pared de por medio con el Museo del Cine. (3) diseñado por el arquitecto vienés Gustav Peichl (1928 – 2019).
Su intervención es más narrativa y escenográfica, acorde con el mundo del cine, mientras que el Deutsches Architekturmuseum de Ungers es practicamente un manifiesto teórico construido.
El DAM alberga una extensa colección de dibujos, maquetas y archivos que recorren la historia de la arquitectura desde sus orígenes hasta la contemporaneidad.
La muestra que inauguró el museo fue:
–Revisión del Modernismo (1984), una lectura crítica del legado moderno en plena emergencia posmoderna.
Tiene una exposición permanente en el tercer piso expuesta alrededor de la gran estructura.
–De la cabaña primitiva al rascacielos, donde condensa la historia de la arquitectura en modelos, con maquetas y dibujos.
–Arquitectura para refugiados (c. 2015) desplazan el foco hacia la urgencia social.
-Entre 2017 y 2018, Frau Architekt, incorpora la producción de mujeres arquitectas.
-Entre 2025 y 2026, Architectural Construction Kits 1890–1990, asume una dimensión didáctica, subrayando que la arquitectura se construye como conocimiento.
Todos estos datos, son para significar que el lugar es muy especial y concurrido.
La escultura Inverted Collar and Tie representa un cuello de camisa y una corbata invertidos, ampliados a escala monumental y apoyados en el suelo como si hubieran sido abandonados. Realizada en acero y fibra de vidrio pintados, la pieza mide aproximadamente 11 metros de altura. La obra transforma un símbolo cotidiano del mundo corporativo -la camisa y la corbata asociadas al traje de negocios- en un objeto escultórico irónico situado en el corazón del distrito financiero de la ciudad.
Esta en el camino a la feria de Frankfurt, y un camino habitual para admirarla.
La inversión del cuello y la corbata no es solo un gesto formal, sino una operación característica del trabajo de los artistas. El cuello de camisa, que rodea el cuello humano y sostiene la corbata, aparece aquí volcado hacia afuera, como si hubiera sido dado vuelta o desprendido del cuerpo. La corbata roja y el cuello aparecen desordenados y abandonados, al mismo tiempo, el cuello invertido genera una especie de anillo o estructura casi arquitectónica dentro de la cual la corbata roja se pliega y cae.
Otras obras
Binoculars Building – Chiat/Day
He admirado otras de sus obras, como los famosos binoculares gigantes que marcan la entrada del edificio de la agencia de publicidad Chiat/Day en la zona de Venice, en Los Ángeles. El edificio, conocido como Binoculars Building – Chiat/Day (1991), debe su nombre a la escultura monumental de unos, instalada en su fachada. La obra funciona literalmente como entrada del edificio y del estacionamiento, de modo que coches y peatones pasan entre los dos tubos de los binoculares. El edificio fue diseñado por Frank Gehry en 1991 y la escultura forma parte integral del proyecto.
Los binoculares miden aproximadamente 13,5 metros de ancho y 5 metros de altura, y originalmente Gehry había imaginado un árbol o un elemento escultórico en ese punto, los artistas propusieron los prismáticos, que terminaron convirtiéndose en el icono del edificio.
Dropped Cone (2001)
Dropped Cone (2001), se encuentra en Colonia (Köln), Alemania, sobre la fachada de un edificio sobre la calle peatonal Neumarkt 18a La escultura representa un enorme cucurucho de helado aparentemente aplastado contra el muro, como si hubiera caído desde lo alto y quedado pegado a la fachada. Realizada en aluminio y poliuretano pintado, la pieza mide aproximadamente 12 metros de altura. La obra utiliza el humor y el cambio de escala transformando el helado en un acontecimiento urbano inesperado.
Pinza de tender ropa (1976)
Situada en Center Square, Filadelfia, esta pinza de tender ropa (1976) de 13,7 metros de altura fue realizada en acero corten. Encargada por el promotor inmobiliario Jack Wolgin para la plaza del edificio Centre Square, fue una de las primeras esculturas monumentales de Oldenburg. La pieza se eleva sobre una pequeña base de granito y se sitúa en el centro de la plaza, donde actúa casi como un hito vertical dentro del tejido denso del distrito financiero. Los artistas señalaron que la forma abierta de la pinza podía leerse también como el número 76, en alusión al Bicentenario de Estados Unidos, inspirada en la tradición escultórica moderna, especialmente en las figuras alargadas de Brancusi.
Premios y reconocimientos
En 1989 recibieron el Wolf Prize in Arts concedido por la Fundación Wolf de Jerusalén, y en 1995 el Rolf Schock Prize in Visual Arts, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales. A estos reconocimientos se suman la National Medal of Arts (1996) y el Praemium Imperiale (2013).
Notas
1
El arquitecto austríaco Hans Hollein (1934 – 2014 ) fue una figura importante de la arquitectura del siglo XX y uno de los representantes del posmodernismo, además de diseñador, teórico y profesor.
En 1985 recibió el Premio Pritzker, un reconocimiento por una obra que combinaba arquitectura, diseño y reflexión teórica bajo su conocida idea de que “todo es arquitectura”.
Entre sus obras podemos mencionar:
-Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt (1991)
-Museum Abteiberg, Mönchengladbach (1982), Considerado uno de los museos más influyentes de la arquitectura europea de los años 80. El edificio se adapta a la topografía mediante una serie de volúmenes escalonados, terrazas y rampas. Plantea un recorrido espacial complejo.
-Haas Haus, Viena (1990), Edificio comercial y de oficinas situado frente a la catedral de San Esteban en Viena. Su fachada curva de vidrio refleja la catedral gótica. Fue muy polémico por el contraste de su arquitectura contemporánea en el centro histórico.
-Retti Candle Shop, Viena (1965), una pequeña tienda de velas en Viena que se convirtió en una obra clave del diseño arquitectónico de los años 60, con su fachada de aluminio y un interior minimalista.
2
Oswald Mathias Ungers (1926 – 2007) fue una figura clave de la arquitectura alemana del siglo XX, especialmente reconocido por su enfoque teórico y su lenguaje formal riguroso, basado en la geometría y la autonomía de la arquitectura.
Entre sus obras destacan
-Museo Wallraf-Richartz, Colonia (1996–2001), un edificio de fuerte presencia urbana, donde su lenguaje geométrico abstracto organiza sus volúmenes y fachadas.
-Torhaus Messe, Frankfurt (1982–1984). Un ícono del skyline de Frankfurt: dos torres unidas por un gran arco, formas elementales y arquetípicas.
-Biblioteca de la Universidad de Karlsruhe (1984–1991), un proyecto donde la retícula y la repetición definen tanto la planta como la fachada. Un sistema racional, casi matemático.
-Casa Ungers, Colonia (1959–1960), es una casa-manifiesto que anticipa sus obras, volúmenes cúbicos, proporciones estrictas y un lenguaje reducido a lo esencial.
3
El museo del cine de Frankfurt, hoy llamado DFF – Deutsches Filminstitut & Filmmuseum, diseño del arquitecto vienés Gustav Peichl (Viena 1928 – 2019 Ibid) quien en la década de 1980 transformó una villa histórica del Museumsufer, utilizando un lenguaje contemporáneo que no desentona con el contexto.
Además de arquitecto, fue conocido como caricaturista bajo el seudónimo “Ironimus”, su mirada crítica y cultural también se refleja en su arquitectura.
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