17 junio 2026

 

Baños publicos en Tokio. The Tokyo Toilet parte 2. (MB)

The Tokyo Toilet


Viene de la parte 1 https://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

Y continua en https://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-3-y-final-por-ahora/

En la primera parte hemos visto los proyectos de los arquitectos y diseñadores Tadao Ando (premio Pritzker 1995), Kengo Kuma, Nao Tamura, Shigeru Ban (premio Pritzker 2013), Takenosuke Sakakura, Fumihiko Maki (premio Pritzker 1993) https://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1/

Ahora veremos los trabajos que han construido Masamichi Katayama / Wonderwall, Marc Newson, Kazoo Sato, Fujimoto Sōsuke, Miles Pennington / Laboratorio de diseño DLX,

Consideraciones
Además de un buen diseño, se buscó que los baños fueran cómodos y funcionales. La selección y la disposición del equipamiento estuvo a cargo de la empresa de retretes TOTO, mientras que, el diseño y la construcción, fueron realizados por Daiwa House. Satō Kashiwa, director de arte, se encargó del diseño de las placas de informativas y los pictogramas de los baños.
Sasakawa Junpei, director de la Fundación Nippon, señaló que la construcción de los baños representa únicamente el 50 % del éxito del proyecto, la otra mitad depende de que estos sean utilizados. Por esta razón, NIGO , pseudónimo de Tamoaki Nagao, un popular diseñador de moda, creó los uniformes para el personal de limpieza.

La imagen del film corresponde al baño de Ebisu Park diseñado por Masamichi Katayama

El mantenimiento de los baños esta a cargo de TOTO, en colaboración con la Asociación de Turismo de Shibuya y el ayuntamiento del distrito. El proyecto busca fomentar el hábito de dejar los baños limpios para los siguientes usuarios y, al mismo tiempo, despertar el interés por visitar determinados parques gracias a la originalidad de sus baños.Los uniformes son elásticos y permiten una gran libertad de movimiento. Como detalle muy japonés, el proyecto señala que «se espera que el personal de limpieza pueda sentirse orgulloso de su trabajo».

Masamichi Katayama / Wonderwall (8)
Se encuentra en Ebisu Nishi 1-19-1, en el parque Ebisu, en Shibuya. Fue inaugurado el18 de agosto de 2020. La fotografías es de Satoshi Nagare.
Una instalación que se aleja de los conceptos y elementos arquitectónicos habituales, es un objeto que parece haber sido colocado de manera natural en el parque, como cualquier otro elemento de su entorno.

La vegetación emerge por encima de los muros

En Japón, el origen de los baños se remonta al kawaya. Este término designaba unas pequeñas construcciones levantadas sobre los ríos (kawa significa «río»), cuyos orígenes se remontan a los tiempos neolíticos, del período Jōmon temprano, entre el 10.000 y el 6.000 a. C. (9)
Aquellas cabañas eran muy simples y de carácter rudimentario. Solían construirse con tierra apisonada o con piezas de madera ensambladas, y aprovechaban la corriente del agua para evacuar los desechos. Con el tiempo, estas estructuras primitivas fueron evolucionando haciendose mas sofisticadas.
El baño diseñado por Wonderwall, dirigido por Masamichi Katayama, fue la quinta intervención del proyecto en el distrito de Shibuya.

Tratando de evocar la apariencia y la atmósfera de los primitivos kawaya, Masamichi Katayama concibió un «espacio ambiguo» que es, al mismo tiempo, objeto y aseo. La propuesta está compuesta por 15 muros de hormigón dispuestos aparentemente al azar.
Los espacios entre los muros conducen a tres áreas diferenciadas para hombres, mujeres y personas con movilidad reducida. «El recorrido invita a los usuarios a interactuar con la instalación de forma lúdica, como si se tratara de un singular elemento de juego dentro del parque».
Según Katayama: «Buscamos una instalación que se alejara de los conceptos y elementos arquitectónicos convencionales; un objeto presente en el parque del mismo modo que lo están los juegos infantiles, los bancos o los árboles».

«El diseño establece una relación singular entre la instalación y sus usuarios, invitándolos a recorrerla e interactuar con ella como si fuera una pieza de juego integrada en el parque».

Tour a los baños

Visita guiada al baño “Amayadori” en Jingu-Dori Park de Tadao Ando

En la foto se ve el proycto de Tadao Ando, un pabellón circular con un amplio alero, un perímetro de lamas metálicas que permiten el paso de la luz y la ventilación natural.
Sobre este proyecto de Tadao Ando ver https://onlybook.es/blog/banos-publicos-en-tokio-the-tokyo-toilet-parte-1-mb/

En noviembre de 2022, la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya organizó un recorrido en autobús para visitar los baños del proyecto. Los participantes pudieron conocer las distintas instalaciones, observar las tareas de mantenimiento y participar en encuentros e intercambios con los responsables del programa. La iniciativa recibió tan buena acogida que la repiten regularmente. Mi hermano Guillermo, realizó uno de estos tours, quedó muy contento, ya que lo llevaban de uno a otro, cosa dificil de hacer, sin conocer la ciudad.
Los participantes pagan 4.950 yenes (unos 28 euros) por un recorrido de dos horas que permite visitar nueve baños distintos. Entre los baños más conocidos del proyecto destacan el diseñado por Shigeru Ban, con paredes transparentes que se vuelven opacas cuando el aseo está ocupado, y el creado por Kazoo Satō, que incorpora un sistema de control por voz para abrir la puerta, accionar la descarga y activar sonidos ambientales.
«Los visitantes pueden descubrir zonas menos transitadas de Shibuya y disfrutar del distrito mientras conocen estos baños», explica Yumiko Nishi, responsable de la Asociación de Turismo del Distrito de Shibuya.

Niños en el taller de limpieza del baño público del parque de Ebisu, foto tomada en octubre de 2022

Mark Newson (10)
Baño público de Urasandō, ubicado en Sendagaya 4-28-1. Fue inaugurado el 20 de enero de 2023. Fotografía de Architecturephoto.

Mark Newson

Bajo la autopista metropolitana, cerca de la intersección de las avenidas Meiji-dōri y Kitasandō, se alza un baño público de gran sobriedad formal. Construido en hormigón, cubierta de cobre y muros de piedra, que evocan los de templos y santuarios, su diseño remite a la arquitectura tradicional japonesa. Lejos de cualquier gesto llamativo, la propuesta de Marc Newson destaca por la simplicidad de sus volúmenes y una cuidada elección de los materiales, que se integran con naturalidad en el entorno urbano.

El diseño estuvo a cargo de Marc Newson, uno de los diseñadores de productos más influyentes de las últimas décadas. A lo largo de su carrera ha colaborado con Louis Vuitton participó en el diseño del Apple Watch. Crea objetos que combinan funcionalidad, innovación y un gran refinamiento formal.

El interior es monocromático, en un suave tono verde azulado,reforzando la sensación de limpieza y pulcritud.
El mismo color recubre paredes, señalizaciónes y equipamiento, facilitando la orientación y haciendo que todos los elementos resulten claramente visibles.
El techo de cobre, irá adquiriendo con el tiempo una pátina verdosa que transformará gradualmente su apariencia. Esa evolución natural del material armonizará con el color del interior, convirtiendo al edificio en una obra cambiante, será interesante visitarla para observar esa transformación.
Los robustos muros de piedra contrastan con la delicada curva del techo de cobre, que está inspirada en las cubiertas tradicionales japonesas del estilo minoko, que se caracteriza por cubiertas de suave curvatura y amplios aleros, es común verlo en templos, santuarios y casas rurales japonesas.
Aunque el baño se encuentra en un entorno urbano denso y contemporáneo, la referencia a la arquitectura tradicional crea una atmósfera de familiaridad.
En palabras de Marc Newson: «Espero que este baño resulte tan atractivo y conveniente como las demás joyas ocultas de Shibuya». Y añade: «Aunque está situado en un lugar concurrido y ultramoderno, quise que esta forma de techo, frecuente en santuarios, templos, salones de té y entornos rurales, transmitiera de manera inconsciente una sensación de comodidad y tranquilidad. Con el tiempo, la pátina del techo de cobre permitirá que el edificio se integre en la ciudad y pase a formar parte del tejido de Tokio».

Kazoo Sato y Disruption Lab Team
Un baño público “Contactless” activado por la voz.

Kazoo Sato posa frente a los baños del parque Nanagō-dōri

Fueron galardonados con el iF Design Award 2023, uno de los premios de diseño más prestigiosos del mundo.
Sato y el equipo de Disruption Lab diseñaron el Hi Toilet, un baño público situado en el Nanago Dori Park (Nana-gō-dōri Park) 2-53-5 Hatagaya, Shibuya-ku que funciona mediante comandos de voz. El sistema permite abrir y cerrar la puerta, accionar la descarga, abrir y cerrar el grifo e incluso activar música ambiental sin necesidad de contacto físico, mejorando así la accesibilidad y la higiene. Fue inaugurado el 12 de agosto de 2021, se trata de la duodécima intervención realizada dentro del proyecto The Tokyo Toilet..

El concepto de Hi Toilet consiste en ofrecer una experiencia más higiénica y sencilla, eliminando la necesidad de tocar superficies y guiando al usuario mediante instrucciones de voz. Aunque la idea fue concebida antes de la pandemia de Covid-19, la crisis sanitaria aceleró su desarrollo, reforzando el interés por crear un sistema que redujera al mínimo el contacto físico.
La inspiración de Kazoo Sato para crear un baño completamente activado por voz surgió tras investigar el comportamiento de los usuarios en numerosos aseos públicos de Europa y Estados Unidos. Observó que muchas personas intentaban evitar el contacto con las superficies: accionaban la descarga con el pie o el codo y abrían o cerraban las puertas utilizando papel higiénico como barrera. Estas conductas llevaron a desarrollar un sistema que eliminara la necesidad de tocar cualquier elemento del baño.

Sōsuke Fujimoto (11)
Fujimoto fue el responsable del Baño Público de Nishisandō, la última de las 17 intervenciones que integran el proyecto The Tokyo Toilet. Alcanzó una gran notoriedad internacional por diseñar el «Ringu» (anillo) la gran estructura circular que se convirtió en el símbolo de la Expo 2025 Osaka. Llama la atención que muchos de los 17 baños del proyecto sean de color blanco. Según Fujimoto «este color resulta fácilmente reconocible y, al mismo tiempo, transmite una sensación de limpieza y pulcritud».
«Se convierten en puntos luminosos dentro de una metrópolis gris».
El blanco tiene la desventaja de ensuciarse con facilidad, por lo que rara vez se emplea en baños públicos, sin embargo, en este proyecto el mantenimiento forma parte esencial de la propuesta. Gracias a ello, los diseñadores no tuvieron que someterse a las restricciones habituales y pudieron desarrollar sus ideas con total libertad.
Los baños del proyecto The Tokyo Toilet se limpian tres veces al día, cada mes son inspeccionados y sometidos a una limpieza profesional en profundidad, y anualmente se realiza el mantenimiento de fachadas, iluminación y otros elementos de las instalaciones. Este riguroso programa de conservación hizo posible incorporar materiales y soluciones que normalmente resultarían problemáticos en un baño público, como paredes y pavimentos blancos, cerramientos de vidrio o abundantes superficies de madera natural.
Los diseñadores pudieron trabajar con mayor libertad sin comprometer la calidad, la limpieza ni la comodidad de los espacios.

Fujimoto considera que «los baños públicos son un recurso comunitario y desarrolló su propuesta a partir de las ideas de «recipiente» y «manantial, con la intención de crear «un pequeño oasis dentro de la metrópoli». El baño se encuentra en Nishisandō, Yoyogi 3-27-1, y fue inaugurado el 24 de marzo de 2023.
En la fachada principal, los lavabos se integran en una estructura curva accesible tanto desde el corredor interior como desde la acera. Los seis grifos están situados a distintas alturas para facilitar su uso por personas de diferentes edades y capacidades. El agua discurre suavemente por la superficie inclinada hasta un desagüe central, reforzando la idea de una fuente pública en el espacio urbano.

Visto desde la distancia, el edificio se presenta como un sólido recipiente blanco de formas suaves y depuradas. La presencia de un árbol hainoki, una especie nativa japonesa de flores blancas elegido como símbolo del proyecto, aporta una nota de calidez al conjunto.
Es un diseño concebido para todos, desde los niños a las personas mayores, usuarios de los baños, llama la atención incluso a los peatones que simplemente atraviesan el lugar. La instalación busca integrarse en la vida cotidiana del barrio y ofrecer un espacio acogedor para la comunidad.
En uno de sus laterales se encuentra un baño multiusos equipado con todas las prestaciones necesarias de accesibilidad y uso.

Miles Pennington / DLX Design Lab
Un baño concebido como espacio comunitario.
Miles Pennington y el DLX Design Lab fueron los responsables del baño público de Hatagaya, situado en Hatagaya 3-37-8, inaugurado el 22 de febrero de 2023.
El equipo dirigido por el profesor Miles Pennington del Instituto de Ciencia Industrial de la Universidad de Tokio, parte de una idea tan sencilla como poco habitual, diseñó además además de un baño, un espacio comunitario. Bajo el concepto “With Toilet”, crearon un espacio que se puede aprovechar como sala de espera, área de exposiciones o usarse para tiendas temporales.
Un espacio comunitario capaz de integrarse en la vida cotidiana del barrio.

El exterior, completamente blanco, fue concebido como una superficie disponible para actividades comunitarias. En sus muros pueden exhibirse obras de arte o proyectarse imágenes, transformando el edificio en un soporte cultural para el barrio.
Además, los bolardos que rodean la instalación pueden retirarse y, al colocar sobre ellos piezas de madera, se convierten en bancos. La disposición variable de sus 31 bolardos permite configurar distintos espacios de encuentro, desde una pequeña sala para conferencias hasta un círculo de asientos para reuniones y otras actividades.
El baño está equipado con cambiador de pañales y cambio de ropa, sus instalaciones están adaptadas para personas ostomizadas, (aquellas que, tras una intervención quirúrgica, utilizan dispositivos externos conectados al aparato digestivo o urinario).

Perfect Day. El cuidado
“…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Recupero pasajes del film Perfect Day.
Cuando el protagonista Hirayama (Yakusho Kōji) cede su espacio más íntimo, sobre todo su cama, su habitación, su refugio cotidiano, a su sobrina Niko (Arisa Nakano), tras escaparse de su casa, es un gesto que va mas alla de la hospitalidad, demuestra que la vida puede construirse también fuera de la lógica de la posesión.
Hirayama habita una ciudad densa, pero encuentra en ella una red de espacios compartidos que amplían su mundo: los baños públicos que limpia con esmero, la lavandería, los pequeños restaurantes de barrio, los parques, los senderos arbolados y el bosque donde fotografía las sombras de los árboles. Son lugares comunes que pertenecen a todos. espacios mantenidos por el cuidado colectivo y por el respeto de quienes los utilizan.
En la mirada de Wim Wenders, la verdadera riqueza urbana no reside en la propiedad privada sino en la calidad de esos lugares compartidos que hacen posible la convivencia. Hirayama los limpia cada día porque entiende que el bien común no es una abstracción: existe únicamente mientras alguien se responsabilice de él, la expresion de una cultura del cuidado.

Cruzando el puente en bicicleta, dicen:
“…El mundo está hecho de muchos mundos, algunos están conectados y otros no”.
“Hay un mundo en el que las cosas no se cuidan y sólo se usan; hay otro en el que el mantenimiento es la clave para sostener y reparar el mundo. El cuidado es el puente. E implica, por necesidad, un esfuerzo colectivo…los bienes comunes no existen sin una comunidad que los utilice y los cuide…”

Otros diálogos son con su compañero Takashi (Tokio Emoto), cuando éste último pregunta, “¿de verdad te gusta este trabajo?”, para más adelante, sentenciar: “¿qué pasa con este mundo de mierda?”

Son las dos posiciones planteadas en el film y en la sociedad, Takashi no quiere limpiar la caca, es el reflejo del desgaste de la vida moderna y no se siente responsable de limpiar lo que ensucian los demás, Hirayama por el contrario, acepta su función, asume su rol de cuidar haciéndolo con dignidad.

¿Quién cuida a quien nos cuida?
Cuidar al mundo es mucho más que limpiar baños. Las prácticas de cuidado de Hirayama incluyen: cepillar los pisos, los lavabos y los baños, sí, pero también cuidar a un niño perdido mientras busca a su mamá; explicarle a una desconocida cómo funciona un baño público; compartir sus joyas musicales con las generaciones futuras; cuidar al borracho que se quedó dormido; jugar gato con una persona anónima; esperar afuera mientras alguien pasa por un mal momento; hacerse amigo de quienes no tienen más amigos; saludar y respetar al sin hogar que hace campamento al lado de un baño; celebrar a los niños que juegan inocentes en el parque; recuperar una planta del parque para cuidarla en su propia casa.
Todo lo que hace el personaje es cuidar: sin el cuidado y el mantenimiento ningún espacio tiene valor en sí mismo. (12)

Notas
8
José Juan Barba de Metalocus.
9
Las expresiones “de la era común” (e. c.)​ y “antes de la era común” (a. e. c.)​ son designaciones alternativas al empleo de “después de Cristo” (d. C.) y “antes de Cristo».
10
Nació en Sídney, Australia en 1963, Marc Newson ha vivido y trabajado en Sídney, Tokio, París y actualmente reside en el Reino Unido, donde su empresa tiene su sede desde 1997. Sus clientes incluyen empresas como Louis Vuitton, Montblanc, Hermès, Nike, Dom Pérignon, Jaeger-LeCoultre y Ferrari entre otros.
Además de supervisar su propia empresa, ha ocupado altos cargos en las empresas de los clientes, habiendo sido director creativo de Qantas Airways de 2005 a 2015 y diseñador de proyectos especiales en Apple desde su primera participación en el diseño del ‘Apple Watch’. En 2019, Marc y Sir Jonathan Ive fundaron el colectivo creativo LoveFrom.
Ha sido incluido en la lista de las 100 personas más influyentes de la revista TIME y ha recibido numerosos premios y distinciones. Doctor honorario del Royal College of Art y la Universidad de Sydney, ha ocupado cátedras adjuntas en la Universidad de Sydney y la Universidad Politécnica de Hong Kong, y ha sido designado RDI (Royal Designer for Industry) por la Royal Society of Arts. En 2012, Su Majestad la Reina Isabel II le otorgó CBE (comandante de la Excelentísima Orden del Imperio Británico).
11
Nippon.com una ventana a Japón. 14/04/2023.
12
Francisco Paillie Pérez de Arquine. 16 de abril de 2024.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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Salvemos al Parador Ariston de su ruina

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Diario Clarin https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-

15 junio 2026

 

Georgia O´Keeffe. 1era parte. (MB)

Continua la 2nda parte en https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-2nda-parte-y-final/

Georgia O’Keeffe en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Exposición temporal a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza. Georgia O’Keeffe https://youtu.be/GuzopQg8veE

Cursos y Conferencias (1)
La exposición es un recorrido completo por la trayectoria artística de O’Keeffe, desde las obras de la década de 1910 con las que se convirtió en una pionera de la abstracción, pasando por sus famosas flores o sus vistas de Nueva York, gracias a las que fue encumbrada como una de las principales figuras de la modernidad de su país, hasta las pinturas de Nuevo México, fruto de su fascinación con el paisaje y la mezcla de culturas.

Georgia O’Keeffe ha sido organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Centre Pompidou y la Fondation Beyeler con la colaboración del Georgia O’Keeffe Museum de Santa Fe, Nuevo México.
Después de Madrid, la muestra viaja a París y Basilea.

Georgia O´Keeffe (2)

Ansel Adams, Georgia O´Keeffe en Osemite, 1938

La exposición Georgia O´Keeffe reúne 90 obras que muestran la larga y prolífica carrera de una de las máximas representantes de las corrientes de vanguardia del siglo XX en Estados Unidos.
Treinta y cinco obras provienen del Museo de Georgia O’Keeffe de Santa Fe (Nuevo México), el Estado donde la artista vivió la mayor parte de su vida; cinco del mismo museo Thyssen, fechadas entre 1921 y 1957, y el resto de otros museos y colecciones privadas.
Georgia O´Keeffe (1187 – 1986), fue una artista viajera que, cuando llegaba a su destino lo exploraba con el ritmo pausado del caminante.
Su infinita curiosidad e interés por lo desconocido hicieron que, a lo largo de su extensa vida nunca dejara de viajar, por Estados Unidos primero y por todos los continentes en el último tercio de su vida.
Sus cambios de escenario, y las caminatas por la naturaleza, son el origen de toda su creación.

El recorrido por las salas, combina el orden cronológico con la agrupación temática, nos permite descubrir la profunda conexión con los lugares que visitó y su empatía con la naturaleza.
Sus obras muestran el mundo encerrado en los pequeños objetos que recogía durante sus paseos: flores, conchas o huesos que amplía y depura en sucesivos estudios y series. Su lenguaje preciso remite a veces con exactitud a la realidad visible, mientras que en otras ocasiones parece alejarse del objeto de inspiración para convertirse en una armoniosa combinación abstracta de formas y colores.

Foto de Todd Webb. El estudio de Georgia O´Keeffe en Ghost Ranch, Nuevo México, 1962
Foto de Todd Webb. El estudio de Georgia O´Keeffe en Ghost Ranch, Nuevo México, 1963

En 1915 mientras trabajaba como profesora de arte en Carolina del Sur y Texas, inició su propio camino con unas obras abstractas en las que evocaba el ritmo de la naturaleza. Estudió en el Art Institute of Chicago y en el Art Students League de Nueva York, pero fueron las enseñanzas de Arthur Wesley Dow (1857 – 1922 ) fuertemente marcadas por los principios compositivos del arte japonés, las que la alentaron a realizar un arte que, basado en la naturaleza, tendiera a la abstracción.

Líneas negras, 1916 Acuarela sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Burnett Foundation

Tan solo un año después, cuando se expusieron en 1916, deslumbró a la élite cultural de Nueva York y a partir de entonces se convirtió en una de las principales representantes de la modernidad de su país.

Abstracción temprana, 1915. Carboncillo sobre papel. Milwaukee Art Museum, Milwaukee. Donación de la Jane Bradley Pettit Foundation y The Georgia O´Keeffe Foundation

Aunque es reconocida por su dominio del color, comenzó su carrera artística con unas obras en las que renunció a él premeditadamente. Una decisión que ayuda a comprender la importancia que el dibujo tuvo en su proceso creativo.

Serie I. N1 4, 1918. Óleo sobre cartón. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Durante su etapa en Carolina del Sur pero especialmente en Texas, sintió una fuerte conexión con el entorno que se reflejó en sus acuarelas. De intenso colorido, estas obras muestran su predilección por los horizontes infinitos. También de esa época es una serie de desnudos femeninos cuyos tonos parecen dialogar con sus paisajes.

Serie Desnudos, IX, 1917. Acuarela sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación The Georgia O´Keeffe Foundation

Nueva York / Abstracciones

En 1918, se instaló en Nueva York para dedicarse por completo a la pintura. Las composiciones orgánicas de esta época la convirtieron en una pionera de la abstracción pictórica. En ocasiones se interesó por crear un equivalente visual a la música mientras que en otras reflexionó sobre su intensa experiencia en el paisaje texano. También pintó sus primeras abstracciones florales.
Cuando se expusieron en Manhattan a comienzos de la década de 1920, provocaron lecturas psicoanalíticas por parte de ciertos críticos y despertaron debates sobre la importancia del género de la artista en relación a su trabajo.

Montaña rosa y azul. . Acuarela sobre papel. Donación de The Burnett Foundation. Y de The Georgia O´Keeffe Foundation

“Nadie mira una flor, de verdad, son tan pequeñas… No tenemos tiempo, y para mirarlas se necesita tiempo, al igual que para tener un amigo necesitamos tiempo.
Si pudiese pintar la flor exactamente como la veo, nadie vería lo que yo veo, ya que la pintaría pequeña, porque la flor es pequeña. Así que me dije a mi misma: pintaré lo que veo, lo que la flor es para mí, pero la pintaré grande y la gente se sorprenderá cuando destine tiempo a mirarla.
Haré que hasta los neoyorquinos más ocupados se tomen un tiempo para mirar lo que yo veo en las flores. He conseguido que te tomes un tiempo para ver lo que yo he visto pero, cuando te tomas ese tiempo para observar realmente mi flor, le adjudicas tus propias asociaciones sobre las flores, y escribes sobre mi flor como si yo pensase y viese lo que tú piensas y ves en la flor, pero yo no lo veo”.

Serie I. Formas de flores blancas y azules, 1919. Óleo sobre tabla. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation
Serie I. Nº 8, 1919. Óleo sobre lienzo. Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Burnett Foundation
Abstracción oscura, 1924. Óleo sobre lienzo. Saint Louis Art Museum, San Luis. Donación de Charles E. y Mary Merrill

“Pinté desde las llanuras I y Raya roja y naranja en Nueva York unos meses después de dejar aquel amplio mundo (texano), años más tarde volví a pintarlo en dos ocasiones. El mugido de las reses en los establos llamando a sus terneros noche y día es un sonido que siempre me ha perseguido.
Tenía un ritmo regular como las viejas canciones de los penitentes repitiendo los mismos ritmos una y otra vez todo el día y toda la noche. Sonaba fuerte y descarnado bajo las estrellas en ese campo amplio y desierto”. 1976

Serie I. Desde las llanuras, 1919. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe
Desde las llanuras II, 1954. Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Nueva York / Lake George
Desde finales de la década de 1910, O´Keeffe dividió su tiempo entre la ciudad y el campo. Su pintura reflejó este contraste entre inviernos y primaveras en Manhattan y los veranos y otoños en Lake George, un enclave natural al norte del estado de Nueva York.
Instalada en un moderno rascacielos, la artista quiso pintar la gran ciudad, que se erigía en la década de 1920 como el tema moderno por antonomasia.
Las vistas que realizó de Manhattan son obras excepcionales dentro de su trayectoria, ya que generalmente estuvo volcada en representar la naturaleza. En paralelo, también retrató esa otra América rural que descubría durante sus retiros en el campo. Entre sus motivos favoritos aparecieron los graneros, que le recordaban a su infancia en una granja de Wisconsin.

Los graneros, Lake George, 1926. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe
Establos, 1932. Óleo sobre lienzo. Detroit Institute of Arts, Detroit, donación de Robert H. Tannahill
El castaño. Gris, 1924. Óleo sobre lienzo, Myron Kunín Collection of american Art. Mineápolis

«No se puede pintar Nueva York tal como es, sino tal como uno lo siente»

Sin título (Noche en la ciudad), década de 1970. Óleo sobre lienzo. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

En 1925 se mudó a Shelton, a un rascacielos recién construido. Parece que fue por esas fechas cuando decidió comenzar a retratar Manhattan. Sin embargo, cando pintó «Calle de Nueva York con luna», primera obra de la serie, la artista descendió de su atalaya moderna para, siguiendo su imperturbable rutina diaria, caminar por las calles de la Gran Manzana en busca de motivos pictóricos.
Durante sus paseos, O´Keeffe tomaba apuntes, como lo atestigua el boceto del edificio Chrysler en su cuaderno Pelican. En ocasiones, sus bocetos reflejan al detalle la composición final e indican incluso los colores que posteriormente pensaba aplicar sobre el lienzo.

Sin título (edificio Chrysler), cuaderno Pelican I, 1932. Grafito sobre papel. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation
Sin título (calle de Nueva York con luna), 1925. Georgia O´Keeffe Museum, Santa Fe. Donación de The Georgia O´Keeffe Foundation

Colección  “duetos” de la editorial HK En el

Portada de la coedición de Harper Collins design Internacional basada en un libro de nuestra editorial H Kliczkowski, 1a edición de marzo 2005, inglés, 99 páginas. ISBN 006054202

En el año 2003, decidimos en la editorial H Kliczkowski, hacer una colección que llamamos “duetos”, que unirían las obras de un artista y un arquitecto(a), para mostrar afinidades de formas, ideas y sensibilidades, con una estructura en tres partes: uno, el otro y el “diálogo” entre ambos, asi la idea era “partir el libro en 3”, al comienzo, en 33 paginas describir las obras del arquitecto(a) y al final en otras 33 páginas del artista. Y en el medio del libro, en otras 33 páginas, la relación, directa o indirecta entre ambos.
En la colección “Duetos” de la editorial H Kliczkowski aparecieron, entre otros:

  • Frank Lloyd Wright / Georgia O’Keeffe
  • Josep Lluís Sert / Joan Miró
  • Antoni Gaudí / Salvador Dalí
  • Otto Wagner / Gustav Klimt
    Tuvo mucho éxito y vendimos los derechos de edición a la editorial americana Harper Collins.

La Coordinación editorial la hicieron Llorenç Bonet y mi hija María sol Kliczkowski.

Frank Lloyd Wright / Georgia O´Keeffe

Alfred Stieglitz. Georgia O´Keeffe, 1920-1922

En la presentación del libro ponía: Georgia O´Keeffe y Frank Lloyd Wright son dos pioneros norteamericanos del arte y la cultura. Ambos fueron reconocidos aún en vida como genios y precursores del arte norteamericano, referentes ineludibles para las generaciones futuras.
Los dos fueron conscientes de que su obra pese a que formaba parte de la cultura occidental, representaba a su vez una escisión respecto a la tradición europea y la consolidación de un arte norteamericano estrechamente relacionado con su territorio y sus paisajes.
Fascinados por las culturas orientales, nunca quisieron inscribirse dentro de una corriente o movimiento de vanguardia que implicase abandonar su individualidad, un rasgo siempre presente en la cultura de Estados Unidos.

Otra característica que les une, a pesar de la diferencia de edad, es que ambos emprendieron un viaje vital de norte a sur y de este a oeste, dentro de su propio país, un periplo que formó parte intrínseca de los mitos modernos norteamericanos.
El cine, el gran medio artístico del siglo XX, ha relatado estas migraciones hasta la saciedad, desde los “westerns” hasta las “roads movies” y se ha considerado  la llamada conquista del Oeste como parte de la mitología contemporánea.
El traslado de la costa atlántica a la costa pacífica significó una decisión crucial para los dos artistas, que cambiaría incluso su manera de vivir y de relacionarse con el entorno.
En el caso de Wright, el clima de Wisconsin empezó a ser demasiado duro para su delicada salud, y por ese motivo a mediados de la década de los treinta se trasladó a Taliesin West, lugar de su última residencia.

Sobre los viajes de Frank Lloyd Wright al desierto, sus autos, los campamentos como Otavilla ver https://onlybook.es/blog/frank-lloyd-wright-algunas-etapas-relevantes-de-su-vida-7a-parte-color-y-fbi-mb/

También en esa misma década, O´Keeffe empezó a pasar cada vez más tiempo en Nueva México –en el mismo desierto en que trabajaba Wright– donde se trasladaría a vivir definitivamente en 1946.

Casa en Nuevo México de Georgia O´Keeffe

Este recorrido desde el Wisconsin natal de los dos artistas hasta el desierto de Nuevo México y Arizona respectivamente, está lleno de innumerables viajes, sobre todo dentro del territorio nacional, pero también –especialmente Wright– por otros paises del mundo.

Frank Lloyd Wright, etapas de su vida. y las caravanas junto a sus aprendices ver https://onlybook.es/blog/frank-lloyd-wright-algunas-etapas-relevantes-de-su-vida-5ta-parte-mb/

Estados Unidos ha sido durante el siglo XX una potencia militar decisiva en la evolución política de todo el mundo. Pero aparte de la importancia económica y militar, se ha erigido en un rico referente cultural, especialmente a partir de la segunda mitad de siglo.
Frank Lloyd Wright y Georgia O´Keeffe son dos precursores dentro del mundo artístico norteamericano, los primeros en crear un lenguaje cada vez más personal e independiente de otros paises. La literatura norteamericana era una realidad consolidada ya a mediados del siglo XIX, sin embargo, la arquitectura y la pintura aún dependían de Europa.
Wright/O´Keeffe encarnan a los primeros artistas que crearon y emprendieron una carrera en solitario al margen de Europa, y siguieron sus intereses y motivaciones personales, sin necesidad de copiar las corrientes artísticas que triunfaban en aquellas épocas en el viejo continente.

Cajas de pinceles. Georgia O´Keeffe Museum of Art, Santa Fe

O´Keeffe no realizaba cambios significativos durante el proceso de elaboración de sus obras. Para lograr mayor precisión de los trazos en sus pinturas, solía utilizar pinceles planos.

Formas orgánicas
Naturaleza y abstracción
Ambos afirmaron a lo largo de su carrera que su obra debía mucho al estudio de los objetos naturales, y que una de las mejores fuentes de inspiración era la observación directa de la naturaleza.
Esta línea de trabajo no les llevó a crear una copia del mundo, sino que, al haber interiorizado la realidad, pudieron crear un mundo totalmente personal, que derivo muchas veces hacia formas abstractas.

Frank Lloyd Wright, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, 1959

El Guggenheim de NY expresa una continuidad espacial, que puede verse en las formas espirales y orgánicas de O´Keefee. Ambas evocan estructuras naturales.

Georgia O’Keeffe, “Series I – From the Plains”, ca. 1919

El Mito del Oeste, Vivir en el desierto

El East River visto desde el Hotel Shelton. Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. Nueva York. Alfred Stieglitz Collection, legado de Georgia O´Keeffe

“La mayoría de la gente en la ciudad corre de un lado a otro y no tiene tiempo para mirar una flor. Quiero que la vean, quieran o no” . 1993

“He recogido flores allí donde las he encontrado. He recogido conchas y rocas y trozos de madera. Cuando en el desierto encontré los hermosos  huesos blancos, los recogí y me los llevé a casa también”. 1976

La flor de calicó blanca, 1931. Óleo sobre lienzo. Whitney Museum of American Art, Nueva York
Hojas de otoño, Lake George N.Y. 1924. Óleo sobre lienzo. Columbus Museum of Art, Columbus
Hojas oscuras y lavanda, 1931. Óleo sobre lienzo. Colección del New México Museum of Art, Santa Fé

La obra de O´Keeffe osciló siempre entre figuración y abstracción y un buen ejemplo de ello es “Abstracción Negra”. A pesar de su apariencia no figurativa la artista explicó posteriormente que este lienzo representa sus últimas impresiones visuales antes de dormirse por el efecto de la anestesia para una intervención quirúrgica, plasma lo que sintió al ser operada de un tumor benigno en el seno, en el verano de 1927 en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York.

«Estaba en una camilla en una habitación grande, dos enfermeras se cernían sobre mí, una claraboya muy grande sobre mí. Había decidido estar consciente el mayor tiempo posible.
Escuché al doctor lavarse las manos. La claraboya comenzó a girar y lentamente se hizo más y más pequeño en un espacio negro. Levanté mi brazo derecho por encima y lo dejé caer. Cuando la claraboya se convirtió en un pequeño punto blanco en una habitación negra, levanté mi brazo izquierdo sobre mi cabeza.
Cuando comenzó a caer y el punto blanco se hizo muy pequeño, me fui «.

Semanas más tarde su experiencia se convirtió en esta obra, en la que ha utilizado tonalidades negras y grises. El negro utilizado es suave y aterciopelado.

Abstracción Negra, 1927 (y la sombra de Hugo). Óleo sobre lienzo. The Metropolitan Museum of Art. Nueva York. Alfred Stieglitz Collection
Narcisos amarillos Nº 3, 1936. Óleo sobre lienzo. Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City.
Bebe and Crosby Kemper Collection
Extramonio. Flor blanca Nº 1, 1932. Óleo sobre lienzo. Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville

«Todo el mundo establece muchas asociaciones con una flor… Pero rara vez se toma el tiempo necesario para ver realmente una flor.
He pintado lo que cada flor significa para mi y las he pintado suficientemente grandes para que otros vean lo que yo veo…»

Abedul blanco, 1925. Óleo sobre lienzo. Amon Carter Museum of American art, Fort Worth. Donación de Ruth Carter Stevenson

Ver la segunda parte en https://onlybook.es/blog/georgia-okeeffe-2nda-parte-y-final/

Notas
1
Coincidiendo con la exposición dedicada a Georgia O’Keeffe, el museo ha organizado seis conferencias.
Tres de las sesiones corren a cargo de los especialistas estadounidenses Cody Hartley (director del Museo Georgia O’Keeffe de Santa Fe), Roxana Robinson (biógrafa de la artista) y Wanda Corn (historiadora de arte y cultura estadounidense).
En las otras tres, Marta Ruiz del Árbol (comisaria de la exposición), Clara Marcellán (comisaria técnica) y Susana Pérez y Marta Palao (restauradoras), todas ellas del equipo del Museo Thyssen, exponen sus investigaciones sobre O’Keeffe.
26 de mayo
El vasto y asombroso mundo de Georgia O’Keeffe. Cody Hartley, director del Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nuevo México.
2 de junio
Georgia O’Keeffe: Una vida de artista. Roxana Robinson, escritora y autora de la principal biografía sobre la artista.
9 de junio
Georgia O’Keeffe a través de las obras de las colecciones Thyssen-Bornemisza. Susana Pérez y Marta Palao, responsable de Restauración.
16 de junio
Una mujer sobre papel (fotográfico). Clara Marcellán, comisaria técnica de la exposición y conservadora de Pintura Moderna.
23 de junio
Wanderlust y creatividad en O’Keeffe. Marta Ruiz del Árbol, comisaria de la exposición y conservadora de Pintura Moderna.
30 de junio
Arte, ropa y decoración en Georgia O’Keeffe. Wanda Corn, profesora emérita de Stanford y comisaria de la exposición Georgia O’Keeffe: Living Modern.
2
Los textos de este artículo están tomados de los textos que acompañan la exposición:
-Del catálogo de Georgia O’keeffe. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
-Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: https://www.museothyssen.org/
– Museo de Georgia O’keeffe en Santa Fe: https://www.okeeffemuseum.org/about-georgia-okeeffe/.
– Video de la Inauguración de la exposición: https://www.youtube.com/watch?v=TI3jDOq6kUQ
-Vídeo de la comisaria de la exposición Marta Ruíz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo: https://www.youtube.com/watch?v=Oc6wzrRrHf4
-La edición Wright/O´Keeffe de la editorial H Kliczkowski, Colección “Duetos”.

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Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz

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