Puedes
leer la 1er parte en el link:
Puedes leer la 2nda parte en el link:
Puedes
leer la 3era parte en el link:
https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus_20.html
2008: Frank Ghery
Serpentine Gallery
Es realmente
el pabellón del 2008, realizado por el arquitecto Frank Ghery una
deconstrucción (como es como nos habituamos a llamar a sus edificios
construidos),
O por el
contrario, el mismo programa, de una arquitectura efímera, trasladable y
atractiva como obra de arte, es el menos deconstructivista de todos los que ha
construido?
Video
con el proceso de construcción del pabellón de Ghery
“La vida es temporal. Hay demasiado acicalamiento y
quisquillosería sobre detalles extravagantes, acerca de una idea de la
perfección. Todo eso es falso. Nosotros somos temporales así como lo son
nuestras estructuras.”
Frank Gehry
“Queríamos ser un poco primitivos. Así que pensamos
que podríamos hacer una interesante estructura con un poco de energía bajo la
sombra de los árboles en Kensington Gardens. Y, ya que el pabellón es temporal,
¿por qué no volver a algunos conceptos básicos?
Comenzamos con esta idea de la
catapulta (se refiere a los bocetos
de catapultas de Leonardo da Vinci) y luego nos enganchamos con la noción de
un techo hecho de alas de mariposa estilizadas”.
Frank Gehry
La
invitación del año 2008, fue realizada al arquitecto canadiense Frank Gehry, ganador del premio
Pritzker, y al decir de “Moleskine”, “dueño
de un vocabulario arquitectónico escultórico sugerente e irreverente”.
No ha sido
un proyecto al uso, como el Millenium
Park en Chicago o su sello característico de brillantes placas
de titanio (en general retorcidas).
Por el
contrario, presentó una estructura con cuatro columnas de acero revestidas en
madera, soportando una cubierta de paneles translúcidos, dispuestos en un juego
formal ligero y donde si algo es evidente, es la idea de lo efímero.
Las
graderías se enfrentan paralelamente, dando claridad y facilidad a su uso.
Es también,
una nueva calle, un tendido de sombra o protección de la lluvia, todo es
posible en un juego de luces y sombras, que arma un escenario y una atmósfera muy atractiva.
La estructura,
diseñada en colaboración con Arup, son las ya comentadas de cuatro enormes
columnas de acero, con un pabellón compuesto por grandes tablones de madera y
una compleja red de planos de vidrio superpuestos que crearon un espacio
dramático, multidimensional y deconstructivo.
Además de
conciertos entre otras actividades, se expuso también la obra del artista
alemán Gerhard Richter (1932), un
reconocido artista moderno que ha venido experimentando con el color desde hace
décadas.
La obra aquí
expuesta es 4900 Colours: Version II, una serie de grillas cromáticas basadas
en la cuadrícula de vidrio que reemplazó al vitral medieval de la Catedral de
Colonia, destruido durante la guerra mundial
“Para mí, cada día es una cosa nueva. Me acerco a cada proyecto con una nueva inseguridad, casi como el primer proyecto que he hecho. Y comienzo a sudar. Voy y empiezo a trabajar, no estoy seguro de a dónde voy. Si supiera dónde iba no sé si lo haría.” Frank Ghery
Ha circulado la versión que Frank
Ghery y su equipo, (en el que por primera vez estuvo su hijo Samuel Gehry),
se inspiró entre otras fuentes, en las elaboradas catapultas de madera
diseñadas por Leonardo da Vinci,
también en otro tipo de construcciones de madera, como las cabañas de maderas
horizontales, en parte anfiteatro, en parte paseo, entre elementos disimiles
ideales para la reflexión, la relajación, el divertimiento y la discusión.
Quizás, como en
ninguna otra obra de Ghery,
esto sea tan fomentado desde su arquitectura.
Lo explica con
claridad: “El pabellón fue diseñado como
una estructura de madera a modo de calle urbana que une el parque con la
galería".
Dentro del pabellón, los paneles de vidrio que cuelgan de la
estructura de madera sirven para proteger el interior del viento y la lluvia,
otorgando además sombra durante los días soleados.
El pabellón es, ante todo,
un anfiteatro diseñado para servir como lugar de eventos de diversa índole,
fomentando la música, performances, discusión y debates. Al mismo tiempo que
los visitantes acceden al pabellón por sus extremos, pueden utilizar las gradas
laterales a modo de terraza, para ubicarse a ambos lados de la calle urbana”.
Además de los
asientos en terrazas, dos asientos elevados a los que se accedía alrededor del
perímetro del pabellón se podían usar como escenarios, plataformas de
observación y comedores.
Un personaje clave
en todos los aspectos de los pabellones de la Serpentine Gallery, desde 2001,
el ingeniero Peter Rogers, director
de Stanhope, cuya especialidad es la eficiencia en el proceso de diseño y
construcción.
Acerca del
arquitecto Frank Ghery
Estaba por hacer
una reseña de Frank Ghery, pero voy
a copiarme a mí mismo, a raíz del artículo que escribí sobre el campus Vitra:
Dice el galardonado
con el Premio Pritzker en 1989“Me encanta
la configuración de lo que puedo hacer cuando estoy dibujando. Y nunca se me
ocurrió que lo haría en un edificio. Lo primero que construí de algo que se
parezca a lo que digo es el Vitra en Alemania”.
He tenido la experiencia de ver muchas de sus obras, entre ellas las
de su ciudad natal, Santa Mónica, como su casa que es una ex casa colonial
holandesa que Frank cambio mucho
exteriormente entre los años 1977 y 78, es conocida la ventana de planos
inclinados en el techo de su cocina (desde ya agradezco al jardinero que ni se
inmuto ante nuestra persistente presencia y las decenas de fotos que sacamos
que no tengo ni idea donde pueden estar).
El museo aeronáutico, la agencia de publicidad Chiat/Day, (construida
entre los años 1991 y 2001 que actualmente lo ocupa el departamento de
Relaciones Públicas Ketchum), gracias a Manuel
Novodelsky – amigo y arquitecto, además de fundador de la revista Arquine-,
por aquel paseo que incluyó obras de Wright.
La visita a la casa de Ghery
en la playa, que nos costó una multa de tránsito.
En Europa vi también la “Casa danzante de Praga, o Ginger and Fred”, obra
realizada entre 1992 y 1995 junto al arquitecto Checo-croata Valdo Milunc, ubicada sobre la calle Rašínovo Nábřeží, cruzando el Puente Jiráskuv sobre el río Moldava, y que impresiona por
ser un auténtico plato volador recién aterrizado y que invade impunemente las
aceras.
El Walt Disney Concert Hall en el
centro de los Ángeles -1988-2003-
Pero la obra que más me ha impresionado
el maravilloso e insuperable Guggenheim, que repito lo que siempre le digo a Pablo S. cuando me da su interpretación
de lo que debe ser una respuesta arquitectónica adecuada, le digo: “Pablo, cambió Bilbao, solo eso, ya es una
carga de generatrices invalorables”.
Me ha encantado el maravilloso Pez
Dorado sobre el paseo marítimo en Barcelona de 1992, realizado para los juegos
Olímpicos.
También visité la Fundación Louis Vuitton, en Paris ubicada en el Jardín
de la Aclimatación en el Bois de Boulogne, obra del 2014, aquí les dejo mi
interpretación del mismo
http://onlybook.es/blog/frank-gehry-y-la-fundacion-louis-vuitton-paris/
También la Torre Beekman en New York, una
torre de 76 pisos, de fachada tan movediza como caprichosa.
Uffff, bueno después de haber visto todas
esas obras, parece insignificante la del campus Vitra. Una casa normalita con
un rulero encima, pero…pienso…, que al ser de sus primeras obras, tiene una
carga proyectual de búsqueda, que debiera considerarse como un atenuante.
En una
exposición en Londres, Frank Gehry decía ser un creador “inacabado”, siempre en proceso de
“experimentación”. “Simplemente hay
quienes diseñan edificios que no son buenos técnica ni financieramente y los
que están en el caso contrario”. (Se refería a él mismo, claro).
Nació en
Toronto un 28 de febrero de 1929, cursó la Universidad del sur de California y obtuvo su master en arquitectura en la Escuela de
Diseño de la Universidad de Harvard.
Trabajo un año en Paris, antes de
abrir su estudio en 1962 en Santa Mónica.
Dota a sus edificios de una
particularidad, y los trata como objetos escultóricos, creando espacios llenos
de luz y aire,
Listado parcial de sus obras:
·
1975-1991
Sede de la Agencia Chiat/Day/Mojo, Venice, EE. UU.
·
1986-1989
Sirmai-Peterson Residence, Thousand Oaks, EE. UU.
·
1987
Winton Guest House, Wayzata, EE. UU.
·
1987-1992
Edificio de Laboratorios en la Universidad de Iowa, Iowa City, EE. UU.
·
1987-2003
Auditorio Walt Disney, Los Ángeles, EE.UU.
·
1988
Edgemar Retail Complex, Santa Mónica, EE.UU.
·
1988
360 Newbury Street, Boston, EE.UU.
·
1988-1992
Centro Recreativo de Eurodisneyland, Marne-la-Vallée, Francia.
·
1988-1994
Sede Central de Vitra, Basilea, Suiza.
·
1988-1994
Centro Americano en París, París, Francia.
·
1989
Instituto Psiquiátrico de Yale, New Haven, EE.UU.
·
1989
Vitra Museum, Weil Am Rheim, Alemania.
·
1989
Herman Miller, Rocklin, EE.UU.
·
1989
Schnabel Residence, Brentwood, EE.UU.
·
1989
Main Street Building, Venice, EE.UU.
·
1989
Turtle Creek Development, Dallas, EE.UU.
·
1989-1995
Residencia Lewis, Cleveland, EE.UU.
·
1990-1993
Museo Frederick R. Weisman, Minneapolis, EE.UU.
·
1991
Museo de los Niños en Boston, Boston, EE.UU.
·
1991-1997
Museo Guggenheim Bilbao, Bilbao, España.
·
1992-1995
Centro Comunicación y Tecnología EMR, Bad Oeynhausen, Alemania.
·
1992-1996
Edificio Nationale-Nederlanden, Praga, República Checa.
·
1993
Centro de Estudios Moleculares, Cincinnati, EE.UU.
·
1993-1995
Pista de patinaje Anaheim ICE ("Disney ICE"), Anaheim, EE.UU.
·
1994-1999
El Nuevo Zollhof, Düsseldorf, Alemania.
·
1995
Team Disney, Anaheim, EE.UU.
·
1995-2000
Proyecto Experience Music, Seattle, EE.UU.
·
1995-2001
Edificio del DZ Bank. 1er premio, Berlín, Alemania.
·
1996-2000
Cafetería Condé Nast, Nueva York, EE.UU.
·
1997-2002
Edificio Peter B. Lewis (Weatherhead School of Management), University Case
Western Reserve, Cleveland, EE.UU.
·
1997-2003
Centro Richard B. Fisher, Annandale-On-Hudson, EE.UU.
·
1998
Hotel en las Bodegas Marqués de Riscal, Elciego, España.
·
1998
Museo Guggenheim Nueva York, Nueva York, EE.UU.
·
1998-2003
Centro Ray y Maria Stata, Massachusetts Institute of Technology, Cambridge,
EE.UU.
·
1999
Galería de Arte Corcoran. 1er premio, Washington D.C., EE.UU.
·
1999
Pabellón de Música y Gran Pradera del Parque del Milenio, Chicago, EE.UU.
·
1999
Sede Central de The New York Times, Nueva York, EE.UU.
·
2000
Museo de la Tolerancia en Jerusalén, Jerusalén, Israel.
·
2001
Puerta de Venecia, Venecia, Italia.
·
2002
Bodegas Le Clos Jordan, Lincoln, Canadá.
·
2003
Museo Puente de Vida, Ciudad de Panamá, Panamá.
Sus premios
·
1977
Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture, American Academy of Arts and
Letters.
·
1989
Pritzker Architecture Prize.
·
1992
Premio Wolf en Arte (Arquitectura), Wolf Foundation.
·
1992
Praemium Imperiale.
·
1994
Premio Dorothy and Lillian Gish.
·
1998
National Medal of Arts.
·
1998
Premio Friedrich Kiesler.
·
1999
Medalla de Oro American Institute of Architects (AIA).
·
2000
Medalla de Oro Royal Institute of British Architects (RIBA).
·
2002
Medalla de Oro Arquitectura, American Academy of Arts and Letters.
·
2002
Companion of the Order of Canadá.
·
2014
Premio Príncipe de Asturias de las Artes
Zaha Hadid, pre pabellón 2007:
2009: SANAA (Kazuyo Sejima (1956) y Ryūe Nishizawa (1966)
“Los conceptos invariantes no tienen validez en una sociedad que
cambia de manera tan rápida. Aquello a lo que aspiro es a prescindir de
estereotipos pasados de moda que definen lo que es una vivienda precisamente
para poder empezar de nuevo. Sejima
Serpentine Gallery
En Abril de 2018, visite Japón, y en la isla de
Kanazawa visité el Museo de Arte
Contemporáneo del siglo XXI, un concurso ganado por Sanaa, donde redefinen
la institución museo, se inauguró en 2004.
Me impactó mucho el planteo, de un
mundo de arte, planteado como una ciudad, con calles, que dejan a izquierda y
derecha islas donde se exhiben piezas de arte.
Con un piso común, por donde
caminábamos y un techo común, salvo dentro de cada isla (o sala, que tiene la
altura que cada una necesita, -algunas de más altura otras de menos altura-.
Escribí este
artículo sobre Kanazawa y Naoshima, sobre Sanaa
y Tadao Ando:
https://hugoklico.blogspot.com/search?q=sanaa
Ya había visitado anteriormente, en distintas oportunidades y no quedé muy
entusiasmado, una obra que aparentaba tener más precariedad y falta de cuidado
en sus terminaciones de construcción que la que merece un museo y salas de
exposiciones como del New Museum (2007) en el Lower East Side de Manhattan.
Quienes son estos arquitectos que han obtenido en el año 2010 el Premio
Pritzker de Arquitectura, el jurado les ha concedido el galardón por
"su franqueza constructiva y por el contraste que ofrecen frente a la
apabullante retórica arquitectónica".
Acerca de Kazuyo Sejima
Nació en
Ibaraki, Japón en 1956. Japón tiene cuarenta y siete jefaturas, Ibakari es una
de ellas y está ubicada en la región de Kantö, de la isla de Honshü.
Se gradúa en Universidad
de Mujeres de Japón en 1981, y comienza a colaborar en el estudio de Toko Ito.
Seis años más tarde, en 1987 funda su propio estudio, llamado Kazuyo Sejima and Associates.
El estudio de arquitectura SANAA (Sejima + Nishizawa
and Associates), queda constituido en 1995 cuando se asocia con Ryue Nishizawa, con base en la
ciudad de Tokio.
Kazuyo
ha enseñado en varias escuelas de arquitectura:
Profesora en la Universidad de Keiō, Tokio, Japón 2001.
Profesora visitante en la
Escuela Politécnica Federal de Lausana, Suiza. 2006.
Profesora visitante en la Universidad de Princeton, EE.UU. 2006.
Es importante señalar su uso de los diagramas,
como una promesa de liberar a la arquitectura de sus limitaciones para ir más allá
de lo virtual, de lo real.
Un camino ya recorrido en los ´90 por Rem Koolhaas
(1944), Kazuyo Sejima, MVRDV (iniciales
formadas por Winy Maas, Jacob van
Rijs (1965) y Nathalie de Vries) y Ben van Berkel
(1957).
Ya en 1991 Toyo Ito se
refiere a la arquitectura de Kazuyo Sejima como una arquitectura diagramática,
dando comienzo a un nuevo concepto en la teoría de la arquitectura.
Desvinculación de Toyo Ito
El punto de inflexión fue el proyecto de 1985 “Las
viviendas de Pao”.
Kazuyo Sejima dijo en una entrevista: “Trabajé durante varios años en el estudio
de Toyo Ito. Como miembro de su
equipo estaba convencida de que la mayoría de sus diseños eran de buena
calidad. Sin embargo, empecé a sentirme incómoda cuando presentó su proyecto
para Pao, una especie de espacio provisional hecho en tela. Recuerdo que me
preguntaba por qué estaría intentando envolver y atar su diseño en tela. Me
pareció el reflejo de viejos conceptos arquitectónicos que de algún modo Ito estaba intentando perpetuar”.
Sejima escribe:
“Los conceptos
invariantes no tienen validez en una sociedad que cambia de manera tan rápida.
Aquello a lo que aspiro es a prescindir de estereotipos pasados de moda que
definen lo que es una vivienda precisamente para poder empezar de nuevo.
Encuentro que ese tipo de supuestos son bastante arbitrarios, y no están
basados en la realidad.”
“El hecho de ser tan joven hace pensar a cierta gente que me he liberado del pasado. Sin embargo también tengo en cuenta la historia y la tradición. La diferencia está en que yo no las acepto en bloque sino que trato de replantearme los supuestos que con frecuencia se han dado por sentados”.
“La historia, la tradición y la sociedad no deberían ser entendidas como algo definitivo y no deberían ser aceptadas ciegamente”.
Como Kazuyo Sejima aplica estas ideas claves en su arquitectura:
“…hace falta producir una corriente de aire entre el
espacio real y el ficticio, para crear esta arquitectura, haría falta describir
algún otro sistema que supere el orden y racionalidad arquitectónicos del
clasicismo…” Toyo Ito
Esta arquitectura,
"Blurring Architecture“, cuyos límites son oscilantes y sinuosos intenta
difuminar o hacer desaparecer el límite entre interior y exterior. Este
interior-exterior ya no es solo físico, sino también metafísico.
Interiormente, es flexible y
cambiante según las necesidades de los usuarios. Aparece en los dos autores una
arquitectura en constante metamorfosis, que defiende el edificio polifuncional
como reflejo de la sociedad moderna donde la información fluye con rapidez, y
para conseguir hacer un espacio donde no haya un límite exacto diseñado para
una función concreta, sino que sea la sociedad la que le de forma.
Proceso
proyectual de Kazuyo Sejima
“Un edificio es en el fondo el equivalente al diagrama
del espacio que se usa para describir de forma abstracta las actividades
cotidianas que se presuponen en el edificio”.
“Diseñar es un
proceso continuo de descubrimientos. Escojo una serie de elementos diversos y
los organizó según los deseos del cliente, las condiciones del terreno y las ideas
que yo misma pueda tener.
Junto estos elementos en un sistema e intento avanzar
hasta la fase de diseño.”
“Tengo en consideración el modo en el que la gente pueda usar el edificio una vez haya sido terminado. Obviamente la gente puede moverse de forma diferente dentro de un espacio arquitectónico dado. Yo procuro tener en cuenta toda la variedad de formas que generarán estos movimientos.”
Proyectos
·
Edificio-U, Ushiku, Japón (1996-1998)
·
Casa Pequeña, Tokio, Japón (1999-2000)
·
HHStyle.com, Tokio, Japón (1999-2000)
·
Clínica Dental, Tsuyama, Japón (2005-2006)
·
Viviendas Seijo, Tokio, Japón (2005-2007)
·
Toledo Museum of Art, Toledo, EE. UU. (2001-2006)
·
Apartamentos Okurayama, Yokohama, Japón(2006-2008)
Acerca
del Pabellón en la Serpentine Gallery
Inaugurado el 12 de Julio de 2009 (hasta el 18 de Octubre), es su
primer proyecto en el Reino Unido, auspiciado por NETJET, la operadora de jets
privados más grande de Europa.
El diseño de Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, fue quizás
el más sencillo y estructuralmente más simple de los pabellones hasta ese
momento: una pieza plana de aluminio altamente reflectante sostenida por
delicadas columnas.
Pero en su
simplicidad, su estructura parece "elevarse como el humo, derretirse como
una lámina de metal, desplazarse como una nube o fluir como el agua".
Visto en planta, ellos también incorporaron una forma recurrente en su trabajo:
un conglomerado de formas curvilíneas en forma de gotas.
Rigor
en la ejecución y simpleza en los detalles.
El
encuentro de paramentos verticales y cubierta casi no existe, por un lado los
tabiques de acrílico no llegan al cielo, y por otro los pilares de acero
pierden definición al reflejarse en la superficie horizontal similar a un
fuselaje de avión.
Los suelos y la cubierta, está
definido por una serie de curvas y contra curvas, conformado por una losa de
hormigón afinado.
Una curiosidad: en casi todas
las fotos se ve personal de limpieza, que sacan con sus escobas el exceso de piedras, una gravilla fina, suelta, que
queda sobre la losa de hormigón debido al paso de los visitantes, un pequeño
detalle de construcción que parece desordenar al mismo tiempo que imprime “gracia
e informalidad al pulcro trabajo de SANAA”.
No hay
información públicamente confirmada sobre el paradero actual del pabellón.
Acerca de Ryūe
Nishizawa (Tokio, 1966)
Se graduó en Arquitectura por la Universidad Nacional
de Yokohama y
obtuvo un título de máster en 1990.
Al finalizar sus estudios, colaboró en el
estudio de "Kazuyo Sejima & Associates", convirtiéndose en 1995
en uno de los fundadores de una nueva agencia (SANAA "Sejima
and Nishizawa associated architectes") junto con la que había sido su
jefa hasta el momento, Kazuyo
Sejima.
Sin embargo, no totalmente
satisfecho con las realizaciones llevadas a cabo por "SANAA", Ryüe
decide complementar su trabajo abriendo su propio estudio de arquitectura en
1997, la "Office of Ryūe Nishizawa".
En 2000 es
designado como profesor visitante en la Escuela de Diseño de
Harvard, EE.UU, por un año de duración, y en el 2001 es designado como
profesor adjunto en la Universidad Nacional de Yokohama,
en el área de arquitectura y diseño.
Proyectos
·
Casa de Fin
de Semana, Usui-gun, 1997-1998, (Japón)
·
Casa en
Kamakura, Kamakura, 1999-2001, (Japón)
·
Proyecto
Apartamentos Ichikawa, 2001, (Chiba, Japón)
·
Proyecto
Apartamentos Eda, 2002, (Yokohama, Japón)
·
Proyecto
Casa Moriyama, 2002, (Tokio, Japón)
·
Proyecto
Pabellón de Vídeo, 2002, (Naoshima, Japón)
·
Proyecto
Museo Tomihiro, 2002, (Gunma, Japón)
·
Apartamentos
en Funabashi, 2002-2004, (Funabashi, Japón)
·
Proyecto
Casa en China, 2003, (Tianjin, China)
·
Exposiciones
·
Some Ideas on
Living in London and Tokyo by Stephen Taylor and Ryue Nishizawa, Centro canadiense de Arquitectura, Montreal (2008)
·
Kazuyo Sejima
+ Ryue Nishizawa / SANAA, Henry Art Gallery, Seattle (2008)
·
Kazuyo Sejima
+ Ryue Nishizawa SANAA, Towada Art Center, Towada Aomori (2014)
·
Conceptions
of Space: Recent Acquisitions in Contemporary Architecture, MoMA, Nueva York (2014)
·
Japan
Architects 1945-2010, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (2014-2015)
·
A Japanese Constellation: Toyo Ito,
SANAA, and Beyond, MoMA, Nueva York (2016)
Entrevista en El Pais, por
Anatxu Zabalbescoa el 29 de marzo de 2010 con motivo del Pritzker obtenido “Los
arquitectos del cambio”
https://elpais.com/diario/2010/03/29/cultura/1269813601_850215.html
2010 – Jean Nouvel,
con la colaboración de Cecil Balmond de la consultoría de ingeniería Arup
Los pabellones son el más ambicioso programa arquitectónico de su tipo
en el mundo y sigue una larga tradición de pabellones de algunos de los mejores
arquitectos del mundo.
Por derecho propio se ha convertido en un sitio internacional para la
experimentación arquitectónica. La inmediatez de la comisión, un máximo de
seis meses desde la invitación hasta la finalización, proporciona un modelo
único de gestión de la arquitectura efímera.
Acerca del pabellón
Al tiempo que la Serpentine Gallery cumple su 40 aniversario, encarga
el diseño de su décimo pabellón al arquitecto francés Jean Nouvel.
Comenzaron a trabajar en diciembre de 2009 y fue cerrado en octubre
de 2010
Su programa, un pabellón temporal de verano (cafetería, conciertos,
conferencias, etc.)
Superficie útil 500 m²
Ubicación Serpentine Road, Londres, Gran Londres W2 2UH, Reino Unido
Equipo Jean Nouvel
Gerente de proyecto Ute Rinnebach
Arquitecta Sophie Laromiguiére
Diseño gráfico Natalie Saccu De Franchi y Vatsana Takham
Ingeniería ARUP
La propuesta de Nouvel se basó en volúmenes puros de geometría
simple, de un fuerte color rojo.
Así, los reflejos del acero, vidrio, tela y
policarbonato contrastarán con el verde del parque, recordando a los iconos
ingleses como las cabinas telefónicas y los buses londinenses (así lo explica
en su poema “el pabellón del sol rojo”,
que copio más adelante).
En Londres, el color rojo refleja las icónicas imágenes británicas de
cabinas telefónicas tradicionales, buzones de correos y autobuses. El edificio consistía en formas geométricas audaces, grandes
toldos retráctiles y un muro inclinado independiente que se alzaba a 12 metros
sobre el césped, de un modo provocativo.
Las llamativas estructuras de vidrio, policarbonato y tela crearon un
sistema versátil de espacios interiores y exteriores, mientras que el auditorio
flexible acomodaba el clima cambiante del verano y Park Nights.
El Pabellón Serpentine Gallery de Nouvel, el primer edificio
terminado del arquitecto en el Reino Unido, funcionaba como una estructura de
acceso público dentro de los Jardines de Kensington con una cafetería.
El
diseño del pabellón resaltó la idea de jugar con su incorporación de las
tradicionales mesas francesas de tenis de mesa al aire libre.
En su edición de Abril de 2010, la revista Arquitectura Viva lo
describe: “Un sistema de estructuras
textiles y de policarbonato crea un juego versátil de espacios interiores y
exteriores para adaptarse a las variables condiciones atmosféricas de Londres
en verano.
El programa incluye un espacio púbico, una cafetería y un
auditorio flexible para las Park
Nights, eventos y debates organizados por la galería que atraen
alrededor de 250.000 visitas durante el verano.
El pabellón albergará también
eventos como el 'Maratón de Mapas del siglo XXI' o la nueva instalación 'Heartbeat' del artista
francés Christian Boltanski”.
Mis recuerdos de las obras que visite de Nouvel
|
He visto varios sus proyectos, como la ampliación del museo Reina Sofía
(2001/2005) que creo es de lo mejor, la forma como une su edificio al de Sabatini (José de Hermosilla (1715 - 1776) y Francesco Sabatini (1721 - 1797) es exquisita, solo basta mirar el alero, siguiendo a la misma altura y continuándolo
sin rozarlo, el resto del museo es bastante más que correcto, me gusta ir allí.
La torre Gloriés 2001/5 (antes llamada torre AGBAR) en Barcelona, en plaza
de las Glorias, al que veo y fotografío habitualmente, ya que está cerca de
donde vive mi hija.
Este “Monumento al Pene” tiene 50.693 metros cuadrados,
repartidos en 54 plantas, que son 145 metros de altura.
Es mejor la torre “Pene” de Foster
en Londres, pero ésta, con su luces de distintos colores, está ubicado al
pie de los cambios ha experimentado la ciudad en ese punto donde se cruzan las
avenidas Meridiana, Diagonal y Paseo de Gracia, al haber demolido los pasos
elevados, que seccionaban los barrios, y que ahora se cruzaran por un túnel,
que aún está en ejecución. Es un mojón, un “Pene Mojón”.
Otros edificios que he visto de Nouvel
es en Nimes, los Nemausus I y II.
Fueron construidos entre 1985y 1987, en un barrio marginal, sobre la
avenida Général Leclerc,
Un experimento de viviendas sociales, plantas simples, dúplex y
triplex. Se elevan ambos edificios siete plantas con una imagen marítima, espacial
y formal.
Puertas con ojos de buey, expansiones a una pasarela continua que actúa
de entrada y circulación, me parecieron demasiado compleja su utilización múltiple,
donde se colgaba la ropa recién lavada, los niños jugaban, la gente caminaba y
otra estaba al “fresco”, ya que era verano. Cuando lo vi, me pareció excesivo.
Quizás lo que me ocurrió es que vi también el museo/biblioteca
realizada por Norman Foster,
enfrentando, bueno más bien complementando y honrando a la Maison Carré.
Un templo paradigmático romano, apoyado sobre un podio, hexástilo
(seis columnas en el pórtico donde da la única escalera).
Un paralelepípedo de
26 x 15 metros con una altura de 17 metros.
En un estado que emociona, fue dedicado a Cayo y Lucio César,
hijos de Marco Vipsanio Agripa (como no
pensar en el Panteón, el Panteón de Roma, reconstruido por el emperador Adriano, siguiendo el diseño de Agripa, como se escribe en mármol, en
su entrada –que fue en realidad la segunda, ya que originalmente se entraba de
otro lado
“M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT”, que significa Marco Agripa,
hijo de Lucio, construido durante su tercer consulado.
Es un museo de arte contemporáneo y biblioteca
municipal de la ciudad.
En 1984, doce arquitectos, incluidos Frank Gehry , Jean Nouvel y César Pelli ,
fueron invitados a presentar propuestas para el museo. Se seleccionó un
diseño del arquitecto británico Norman Foster , y
el edificio se inauguró en mayo de 1993.
Creo que me deje tentar por el recuerdo, así que ya no puedo parar,
lo siento.
Construido en vidrio, hormigón y acero, se enfrenta a la Maison Carrée,
20 siglos los separan, la espacialidad, teatralidad, la limpieza de conceptos
los unen, es sin lugar a dudas, una intervención, que no ha dejado nada al
azar… en ambos casos.
Construido en vidrio, hormigón y acero, el edificio es una estructura
de nueve pisos, la mitad de los cuales se hunde profundamente en el suelo,
manteniendo el perfil del edificio bajo en correspondencia con la escala de los
edificios circundantes.
Creo que también por eso, intervenciones distintas (en iguales años),
dejan un sentimiento frente a ellas. Foster
10, Nouvel 5.
En el caso de Foster, tenía
un desafío enorme, además de estar frente a una joya, debía conformar sin
confundir, un espacio que jerarquice el lugar, Nouvel, debería haber dejado
algo más que su impronta, permitir el cambio de paradigma de una zona sin
historia, y proponerla, creo, que eso no ocurre (siempre se dice, puedo
equivocarme, pero no lo voy a poner).
He conocido en el Instituto del Mundo Árabe, construido en París
en el año 1987, El concurso que llevó a la construcción de esta importante
obra de la revolución arquitectónica de Francia,
fue concebida durante los Grandes Proyectos, la mayor iniciativa
desarrollada por el gobierno francés.
En este caso fue crear un centro cívico
donde difundir la cultura árabe y entablar relación con la francesa ya que en
este país hay una gran cantidad de población árabe. Recuerdo, haber ido a ver
su fachada, diseñada como el diafragma de una cámara fotográfica, se abría
cuando faltaba luz, y se cerraba cuando era excesiva durante el día, una
auténtica trama lumínica.
La 1era, vez que lo visite, funcionaban, la 2nda creo la mitad, y las
siguientes, cada uno estaba como quedó. Un detalle, pero, lo comento.
Visite el Museo de Quai Branly en Paris, realizado entre el 2000 y el
2006, a pocos metros de la Torre Eiffel (por un buen consejo de Antonio L.,
cuando me sugirió ir a ver la exposición sobre le Corbusier en el Pompidou y de
paso…), la Filarmónica, estaba reparándose, por lo que no llegue a verla.
Nada especial que comentar de las Galeries Lafayette en Berlín.
Siempre me ha gustado visitar, sobre todo por su escala, y su armado
con su panel vidriado de la Fundación Cartier de Arte Contemporáneo en
París (1994), también interesante el parque del Centro del
Poblenou en barrio de Provençals del Poblenou, llamado distrito
22 @, donde estudia mi queridísima nieta Luna.
Volvemos a la Página oficial
de su atelier
Presenta a su estudio diciendo:
El Atelier Jean Nouvel (AJN) nace de la experiencia adquirida por Jean Nouvel en su actividad al frente de varios estudios de
arquitectura desde 1970.
Hoy, nuestros equipos multiculturales,
compuestos por 122 profesionales de 19 países, lideran más de cincuenta
proyectos en el mundo entero…en los campos de arquitectura, urbanismo, paisaje,
gráficos, diseño industrial, arquitectura de interiores, creación de imágenes y
modelos.
..proyectos como el Museo Nacional de Arte de China (NAMOC) en
Beijing, el Museo Nacional de Qatar en
Doha, el proyecto de la Torre de Cristal 53W53 en
Nueva York , el Jardín de Artistas en
Qingdao, la Oficina Europea de Patentes EPO en
Ryswick, las nuevas torres de
viviendas KLCC en Kuala Lumpur,
el proyecto Torre Rosewood - Cidade Matarazzo en
São Paulo, Anderson 18 y Nouvel Ardmore en Singapur, torres de
oficinas La Marsellesa en Marsella,Duo y HEKLA en
París, la sede de Tencent en Cantón (Guangzhou), el Museo de Arte Pudong en Shanghai, una torre
de viviendas en Bangkok y el hotel Lux en Chengdu
(China)
François
Fontès, quien asumió la presidencia en
Mayo en 2014, Frédérique Monjanel,
directora ejecutiva, y Diane Clerc,
subdirectora ejecutiva, aportan a la empresa su conocimiento...”.
El
pabellón del sol rojo
¿Qué pabellón de
verano para la Serpentine?
Por dónde empezar? ¿Cómo ponerse en movimiento?
Abriendo los ojos... ¿Dónde estoy?
En Inglaterra. En Londres. En Hyde Park: una alta especificidad del espacio urbano inglés. Parques ingleses. Los naturalistas, los céspedes famosos que dan la bienvenida a todos, de hecho, los prados, el césped, regularmente segado. Todo esto casi plano, con árboles, arbustos bastante dispersos al azar como si nadie lo hubiera pensado, como si siempre hubieran estado allí. Puedes sentir la ciudad alrededor como si siempre hubiera estado allí. Las hojas caídas. Las estaciones se revelan sin ambigüedad.
De vez en cuando, en esta inmensa calma urbana aparece una
construcción, un camino, quizás un pequeño estanque, un curso de agua.
Uno se pregunta
por qué parques urbanos tan simples, estos enormes vacíos son tan raros en
otros países. Es difícil pretender no hacer nada... dejar todo libre, abierto...
un área enorme de libertad para todos... ¡qué energía se necesitó para
protegerlo! Qué cuidado permanente para mantenerlo, para que el césped
esté a la altura correcta, para que los árboles estén en perfecto estado de
salud, para que todos puedan caminar en un lugar tranquilo con esta sensación
de estar en casa, en su ciudad, en su parque. De modo que, sea cual sea mi
estado mental, mi deseo de estar solo, en pareja, con la familia, con amigos,
sea cual sea mi edad, la idea de pasar unos minutos, unas pocas horas en Hyde
Park sigue siendo una tentación.
Sí, la libertad
de elegir disfrutar de la armonía heredada entre la casa protegida y la ciudad
protectora se expresa aquí. Aquí caminamos, corremos, nos sentamos en el
piso, en un banco, leemos, pensamos, hablamos, cantamos, jugamos, compartimos
pasatiempos con amigos... obviamente aquí tenemos nuestros hábitos ... ¿Todos
los días? ¿Semanal? Seguramente estacional ... Me gustaría que el
pabellón de verano Serpentine cumpla con los hábitos de los londinenses en Hyde
Park, no para molestarlos, simplemente para solicitarlos, para ofrecerse como
una experiencia complementaria, que no sea obligatorio.
Sería bueno si la
curiosidad se agudizara un poco y el deseo de descubrir sensaciones de verano
se extendiera naturalmente de las conversaciones cotidianas.
En verano. Los árboles son frondosos, densos, verdes. Algunos
arbustos han florecido.
Los jardines están habitados por cochecitos, paseantes,
deportistas, jugadores. La galería Serpentine y la gran exposición de
Wolfgang Tillmans son más visitadas que nunca. Su pabellón de verano se abrirá...
Todavía tengo problemas para percibirlo, supongo que completa la
imagen. Aquí también, los pastos y las hojas son verdes, las flores
invitan, los londinenses pasan el rato, toman una copa, en la sombra, se acuestan
en la hierba.
En verano, los colores se acomodan, se
intensifican. Los verdes, por supuesto, pero también las flores
estallan. El pabellón de verano es deslumbrante. Se celebra el
verano. Lleva contraste al extremo.
Es complementario. Complementario
al parque, el pabellón Serpentine de ladrillo. Es rojo. Es
estacional.
El rojo es el
calor del verano. Es el color complementario del verde.
El rojo es brillante, es decir vivo, penetrante.
El rojo es provocativo, prohibido, llamativo.
El rojo es inglés, como una rosa roja, como los objetos de Londres que uno tiene que ver: un autobús de dos pisos o una vieja cabina telefónica, como esos lugares transitorios a los que uno tiene que ir.
El rojo no dura, el calor desaparecerá con el verano, la vida se agota hacia lo inerte, la muerte, la rosa pierde sus pétalos y si el rojo es el sol, es el sol por horas, fugaz y ardiente desde el amanecer y el anochecer, cuando aparece y cuando desaparece. El rojo es el color de la pasión, este estado amoroso que nunca dura para siempre, frágil. Por eso lo cultivamos, lo agitamos como una llama, lo protegemos, lo prolongamos.
El pabellón de verano Serpentine, este año 2010, se está poniendo rojo para celebrar el verano y su estrella deslumbrante y ardiente: el sol.
La razón de ser del pabellón es dar la bienvenida al verano y al sol, para jugar mejor con él.
El rojo es brillante, es decir vivo, penetrante.
El rojo es provocativo, prohibido, llamativo.
El rojo es inglés, como una rosa roja, como los objetos de Londres que uno tiene que ver: un autobús de dos pisos o una vieja cabina telefónica, como esos lugares transitorios a los que uno tiene que ir.
El rojo no dura, el calor desaparecerá con el verano, la vida se agota hacia lo inerte, la muerte, la rosa pierde sus pétalos y si el rojo es el sol, es el sol por horas, fugaz y ardiente desde el amanecer y el anochecer, cuando aparece y cuando desaparece. El rojo es el color de la pasión, este estado amoroso que nunca dura para siempre, frágil. Por eso lo cultivamos, lo agitamos como una llama, lo protegemos, lo prolongamos.
El pabellón de verano Serpentine, este año 2010, se está poniendo rojo para celebrar el verano y su estrella deslumbrante y ardiente: el sol.
La razón de ser del pabellón es dar la bienvenida al verano y al sol, para jugar mejor con él.
Jean Nouvel
Publicaciones
La bibliografía que muestra en su página oficial
es de 41 publicaciones, entre ellas la nuestra "Jean Nouvel", Llorenç Bonet,
TeNeues, Alemania, 2002.
Fue una colección que hicimos que se llamó “archipocket”, que incluía
una docena de arquitectos modernos y otro tanto de arquitectos clásicos.
La
edición que se muestra es la que realizó la editorial Alemana TeNeus, en idioma
alemán, por un acuerdo de coedición que firmé con el titular Henrick TeNeues en Frankfurt en el año
2001.
El libro se realizó en el estudio Loft publications de Paco Asencio y su autor fue Llorenç Bonet (elegíamos distintos
autores dependiendo el arquitecto).
La tirada general de la colección fue de
400.000 ejemplares, en los EEUU la realizó la editorial HDI, Random House.etc
Títulos
de la colección Archipocket de la editorial HKliczkowski:
Alvaro
Siza, Legorreta+Legorreta, Foster and Partners, Rem Koolhaas, Jean Nouvell, Mies
van der Rohe, Mario Botta, Renzo Piano, Le Corbusier, Alvar Aalto,
Friedensreich Hundertwasser, etc
Michelangelo, Gustave Alexandre Eiffel, Antonio Saint
Elía, Charles Garnier, Andrea Palladio, Otto Wagner, Victor Horta, Charfles
Rennie Mackintosh, etc.
Exposiciones
- 2016"Jean
Nouvel / Claude Parent, Museos por venir",
Galerie Azzedine Alaïa, París, Francia - 2010"Claude
Parent, la obra construida, la obra gráfica",
Ciudad de arquitectura y patrimonio, París, Francia - 2006"Jean
Nouvel - 3 edificios", Galería GA, Tokio, Japón
- 2006"Elemental - Jean Nouvel", Maison &
Objets, París, Francia
- 2006"Jean Nouvel", Novena Bienal de La
Habana, La Habana, Cuba
- 2005"Jean
Nouvel", Museo de Luisiana, Copenhague, Dinamarca
- 2003"Kilometro
Rosso", Teatro Sociale, Bérgamo, Italia
- 2003"Jean Nouvel", Centro de Arquitectura e
Urbanismo, Río de Janeiro, Brasil
- 2003"Jean Nouvel", Tokyo Opera City Art
Gallery, Tokio, Japón
- 2002"Jean
Nouvel" (exposición organizada por el Centre Pompidou), Trienal de
Milán, Italia
- 2002"Jean Nouvel", centro de arte del Museo
Nacional Reina Sofía Madrid, España
- 2001"Jean
Nouvel - Proyección retrospectiva", iglesia Sainte-Marie de Sarlat,
Sarlat-la-Canéda, Francia
- 2001"El museo inesperado según Jean
Nouvel", Espacio Cultural François-Mitterrand Périgueux, Francia
- 2001"Jean Nouvel", Centre Georges-Pompidou,
París, Francia
- 2001"Jean Nouvel - Neues Kunstmuseum um
Lucerne", Suiza
- 1999"Jean
Nouvel, la representación exacta de un testamento",
Architekturgalerie Lucerne, Suiza
- 1998"Jean
Nouvel's Architecture Shop", Galerie Storefront for Art and
Architecture, Nueva York, EE.UU.
- 1997"Arquitecturas
Jean Nouvel", Fundação Armando Alvares Penteado, Sao Paulo, Brasil
- 1995"Jean
Nouvel - Lights", Galerie MA, Tokio, Japón
- 1995"Jean Nouvel", Architektur Zentrum,
Viena, Austria
- 1995"Jean Nouvel, París", Museo Neues
Weserburg, Bremen, Alemania
- 1993"Jean
Nouvel", centro de arquitectura Arc-en-rêve, Burdeos, Francia
- 1992"Nouvel",
Instituto de Arte Contemporáneo, Londres, Reino Unido
- 1992"La metrópoli según Jean Nouvel",
Tostem Spacelab, Tokio, Japón
- 1991"Jean
Nouvel y Emmanuel Cattani y asociados", ETH Zürich, Suiza
- 1990"Jean
Nouvel, Opere Recenti 1987-1990", Palazzo Lanfranchi, Pisa, Italia
- 1990"Jean Nouvel, Arquitecto", CCC, Tours,
Francia
- 1990"Jean Nouvel - Das Werk Eines Pariser
Architekten", Studio Dumont, Colonia, Alemania
- 1990"Jean Nouvel, La Obra Reciente", COAC,
Barcelona, España
- 1987"Jean
Nouvel - Arte y arquitecturas de prueba", Instituto Francés de
Arquitectura, París y Nimes, Francia
Reunión de
arquitectura en la Fundación Louis Vuitton, como parte de la exposición “Ser
moderno: el MoMA en Paris (11 de octubre de 2017 – 5 de marzo de 2018).
Glenn D.
Lowry, director de MoMA, habla con Jean Nouvel. Conducción de Jean-Louis Cohen,
historiador arquitecto, profesor visitante en el Collége de France.
23 de Marzo de
2016, Entrevista realizada en el aeropuerto internacional Jorge Chavez de Perú,
por el equipo de “Sesiones de arquitectura”, al arquitecto francés Jean Nouvel,
premio Pritzker 2008.
https://youtu.be/v_xNdylQ36c
2011. Serpentine Gallery Pavilion / Peter Zumthor
Inaugurado el 27
de Junio de 2011
Arquitecto Peter
Zumthor
Jardín central: Piet Oudolf (High Line,
Bienal de Venecia 2010, etc.)
El concepto para el
pabellón de este año es el “hortus
conclusus"
Serpentine Gallery
Pavilion 2011
Un espacio
diseñado para la contemplación y la reflexión, donde desde el acceso empieza la
paulatina transición hacia un patio interior que actúa como el espacio central
de desconexión alejado del sonido y del movimiento exterior. Un espacio donde contemplar
el jardín central y sus diferentes especies de flores.
Como en las
previas obras de Zumthor, aquí cumplen un importante rol los materiales y el
uso de la luz, la cual transmite esa ‘espiritualidad’ muy particular que se
logra apreciar en su arquitectura.
El tema del jardín es también visto como una
forma de intimidad, la más íntima en el paisaje según el suizo, ya que requiere
de cuidado y protección permanente.
La presencia de
los jardines interiores ha fascinado desde siempre a Zumthor, como un elemento
dotado de una presencia mágica donde la arquitectura crea ese espacio para la
permanencia.
Un poco de historia
Era el año 2009,
estaba en Colonia, Alemania, en la editorial Parragón, seleccionando los libros
que editaríamos con texto en español, ya que muchos de ellos estaban en alemán
y otros en inglés.
Me acompañaban
Encarna M. y Carlos P. estaban previstos 3 días de trabajo intenso, porque
seleccionábamos alrededor de 90 títulos, de entre 300, y armábamos las
colecciones, para España y Latinoamérica.
Mucho para hablar
con los diseñadores, para ver portadas, y algunos contenidos (que en general ya
estaban hechos). Sobre diseño, arquitectura, cocina, fotografía, infantil, y
con los comerciales y productores, para ver fechas entregas de los libros desde
algún país Báltico, China, Alemania, o España.
Absorto en el
trabajo, de pronto recibo un mensaje de Edgardo M. que me dice: le dieron el
premio Pritzker a Peter Zumthor.
Para mí, Edgardo
es mi Minonpedia, asi que le pregunté, donde hay un edificio de Zumthor en Colonia?.
Al rato me dice el
Museo Kolumba.
Arreglé con mis
colaboradores, no trabajar el último día y fui al centro de la ciudad,
Unos minutos
antes de abrir, habría unas 10 personas (tod@s arquitect@s), todos queríamos
conocer la obra del nuevo Pritzker.
Peter Zumthor, recompone en el Museo Kolumba, la ciudad y la memoria.
El arquitecto
suizo, arma con los fragmentos pétreos de las ruinas de la antigua iglesia de
Santa Columba un espacio expositivo donde los restos del pasado se integran en
la nueva arquitectura.
Integrando
restos, con nuevas actuaciones, me hizo acordar mucho al Museo Nacional de Arte
Romano de Mérida (MNAR) inaugurado en 1986, del
arquitecto Rafael Moneo.
El Museo Kolumba de
Peter Zumthor: ciudad y memoria
La ciudad de
Colonia sufrió una destrucción casi completa durante la Segunda Guerra Mundial;
una vez reconstruida, las ruinas de la iglesia gótica de Santa Columba se
conviertieron en un estremecedor símbolo de la desgracia.
En 1990, la
archidiócesis de Colonia, que contaba con una gran colección de obras de arte,
decidirá instaurar su nuevo museo en el solar de Santa Columba, de manera que
quedaran expuestas numerosas piezas que abarcaban desde el cristianismo
primitivo hasta el arte contemporáneo.
La diversidad de obras a exponer venía
acompañada de una fuerte heterogeneidad del área de actuación ya que en las
ruinas de la antigua iglesia ya habían existido otras intervenciones, como la
del arquitecto Gottfried Böhm (1920),
quien obtuviera el Pritzker en 1986, quien en 1949 creó la capilla de la
“Virgen de las Ruinas" como un refugio improvisado para una figura gótica
de María que había sobrevivido a la catástrofe.
El edificio debía
concebirse como un “espacio para la reflexión” en el que el visitante viviese
una experiencia íntima e introspectiva en contacto con el arte.
En cuanto a la
implantación del edificio en el entorno urbano, Peter Zumthor decide adherirse al perímetro del solar generando un
volumen en la escala del antiguo templo.
El museo
funcionará, integrando los valores de la arquitectura del pasado y devolviendo la
memoria de la ciudad, los fragmentos del santuario gótico quedan atrapados en
los muros de la nueva edificación, convirtiéndose ésta en un lienzo desnudo que
ya desde la calle expone la arquitectura del pasado como una obra de arte más.
La operación
urbana que realiza Zumthor toma como
referencia las intervenciones de los arquitectos de posguerra de la escuela de
Colonia, especialmente las llevadas a cabo por R. Schwarz, que lideraba la Sociedad para la Reconstrucción de
Colonia. Schwarz instauró
nuevos conceptos frente a las ruinas de la ciudad, les atribuía un significado
simbólico; los edificios prácticamente destruidos no se reconstruirían ni
eliminarían, se reutilizarían sus escombros como parte integral las nuevas
construcciones.
Acerca
de Peter Zumthor
Peter Zumthor (1943) nació en Basilea, Suiza.
Su padre era
ebanista, pudo desde pequeño, relacionarse con el diseño, en 1958 con 15 años
se convirtió en aprendiz de carpintero.
En 1963 estudia
en la Kunstgewerbeschule (escuela de artes y
oficios) en su ciudad natal.
En 1966, estudia
diseño industrial y arquitectura como estudiante de intercambio en el Instituto Pratt de
Nueva York.
En 1968, se
convirtió en arquitecto conservacionista y colabora en el departamento de
Conservación de Monumentos del cantón de los Grisones .
Zumthor trabaja
en su pequeño estudio con alrededor de 30 empleados, en Haldenstein ,
cerca de la ciudad de Chur ,
en Suiza.
En 1979, arma su
propio estudio y comienza a hacer proyectos internacionales.
Práctica docente:
1989 en
el Instituto de Arquitectura de la Universidad del Sur de California y
SCI-ARC en Los Ángeles,
1989 en la Universidad Técnica de Munich,
1992 en la Universidad de Tulane y la Escuela de Diseño de Graduados de
Harvard,
Desde 1996, es
profesor en la Accademia di Architettura di
Mendrisio.
Principales Obras
1983 Escuela
primaria Churwalden, Churwalden, Graubünden,
Suiza
1983 Casa
Räth, Haldenstein , Graubünden, Suiza
1986 Refugios
para el sitio arqueológico romano, Chur, Graubünden, Suiza
1986 Atelier
Zumthor, Haldenstein , Graubünden, Suiza
1989 Capilla de
San Benito, Sumvitg ,
Graubünden, Suiza
1990 Museo de
Arte Chur ,
Graubünden, Suiza
1993 Casa
residencial para ancianos, Masans, Chur, Grisones, Suiza
1993, ganó el
concurso para construir un museo y un centro de documentación sobre los
horrores del nazismo en el sitio de la sede de la Gestapo en Berlín. El
proyecto, llamado Topografía del Terror, fue parcialmente construido y luego
abandonado cuando el gobierno decidió no seguir adelante por razones
financieras. El edificio inacabado fue demolido en 2004.
1994 Casa
Gugalun, Versam ,
Graubünden, Suiza
1996 Vivienda
Spittelhof, Biel-Benken , Basilea,
Suiza
1996 Therme Vals ,
Vals, Graubünden, Suiza
1997 el Kunsthaus Bregenz,
un brillante cubo de vidrio y hormigón que domina el lago de Constanza
(Bodensee) en Austria,
1997 Kunsthaus Bregenz ,
Bregenz, Vorarlberg, Austria
1997 Topografía del terror , Centro
internacional de exposiciones y documentación, Berlín, Alemania, parcialmente
construido, abandonado, demolido en 2004
1997-2000 Swiss
Pavilion EXPO 2000 , Hannover, Alemania
1997 Villa en
Küsnacht am Zürichsee Küsnacht , Suiza
1997 Personal de
Lichtforum Zumtobel, Zürich ,
Suiza
En 1999, fue
seleccionado como el único arquitecto extranjero en participar en el Proyecto
de Rutas Turísticas Nacionales de Noruega, con dos proyectos, el Memorial en
Memoria de las Víctimas de las Brujas en Varanger, una colaboración que realiza
con Louise Bourgeois
(1911 – 2010), fue completado en 2011.
1999 los baños
termales tipo cueva en Vals, Suiza,
2000 el
pabellón suizo para la Expo 2000 en Hannover, una estructura totalmente de
madera destinada a ser reciclada después del evento;
2007 Bruder Klaus
Kapelle , Mechernich-Wachendorf, Alemania
2007 museo
diocesiano de Kolumba -
Erzbischöfliches Diözesanmuseum, Colonia, Alemania
2007 Capilla
de Campo Bruder Klaus, en una granja cerca de Wachendorf.
2009 trabaja en el
rediseño para el campus del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
2011 Steilneset
Memorial para las víctimas de los juicios de brujas, Vardø ,
Noruega
2011 Serpentine Gallery Pavilion 2011, Londres,
Inglaterra
2012 Werkraum
Bregenzerwald Hof 800, 6866 Andelsbuch, Austria
2016 Área de
descanso / museo Allmannajuvet, en antiguas minas de zinc
2018-23
(propuesto) LACMA , Los Ángeles,
CA
Premios
1987 Auszeichnung
guter Bauten im Kanton Graubünden, Suiza
1989 Medalla Heinrich Tessenow , Technische
Universität Hannover, Alemania
1991 Gulam,
premio europeo Wiid
1992
Internationaler Architekturpreis für Neues Bauen en den Alpen, Graubünden,
Suiza
1993 Premio al
mejor edificio 1993 del Swiss tc's 10vor10 ,
Graubünden, Suiza.
1994 Auszeichnung
guter Bauten im Kanton Graubünden, Suiza
1994 fue elegido
para la Academia de Artes de Berlín.
1995 Premio
Internacional de Arquitectura de Piedra, Fiera di Verona, Italia
1995
Internationaler Architekturpreis für Neues Bauen en den Alpen, Graubünden,
Suiza
1996 Erich-Schelling-Preis für Architektur, Erich-Schelling-Stiftung,
Alemania
1996 fue nombrado
miembro honorario del Bund Deutscher Architekten (BDA), la Asociación
de Arquitectos Alemanes, fundada en 1903, con más de 5000 miembros.
1998 Premio de la Unión
Europea de Arquitectura Contemporánea, “Premio Mies van der Rohe” por
el Museo de Arte Bregenz
1998 recibió
el Premio de Arquitectura Carlsberg, por
sus diseños del Kunsthaus Bregenz en Bregenz, Austria y los Baños
Termales en Vals, Suiza
Premio Spirit of
Nature Wood Architecture 2006
2006 Medalla de la Fundación Thomas
Jefferson en Arquitectura , Universidad de Virginia
2008 Praemium Imperiale , Asociación de Artes
de Japón
Premio Pritzker 2009
2013 RIBA Royal Gold Medal
Arquitectura pensante
El trabajo de
Zumthor es en gran parte inédito debido a su creencia filosófica de
que la arquitectura debe ser experimentada, vivida y no narrada.
En “Thinking Architecture”, Peter Zumthor expresa su motivación
para diseñar edificios que tengan una conexión emocional y posean una presencia
y personalidad poderosas e inconfundibles.
“Para mí, los
edificios pueden tener un hermoso silencio que asocio con atributos como
compostura, evidencia propia, durabilidad, presencia e integridad, y también
con calidez y sensualidad; un edificio que es ser en sí mismo, ser un
edificio, no representar nada, solo ser.
“La sensación que trato de inculcar en los materiales está
más allá de todas las reglas de composición, y su tangibilidad, olor y
cualidades acústicas son simplemente elementos del lenguaje que estamos
obligados a usar”.
“El sentido surge
cuando logro resaltar los significados específicos de ciertos materiales en mis
edificios, significados que solo se pueden percibir de esta manera en este
único edificio. Cuando me concentro en un sitio o lugar específico para el
que voy a diseñar un edificio, cuando intento sondear sus profundidades, su
forma, su historia y sus cualidades sensuales, las imágenes de otros
lugares comienzan a invadir este proceso de observación precisa: imágenes de
lugares que conozco y que una vez me impresionaron, imágenes de lugares
ordinarios o especiales que llevo conmigo como visiones internas de estados de
ánimo y cualidades específicas; imágenes de situaciones arquitectónicas,
que emanan del mundo del arte, o películas, teatro o literatura ".
Atmósferas
“Atmospheres” es
una poética de la arquitectura y una ventana a las fuentes personales de
inspiración de Zumthor. En nueve capítulos cortos e ilustrados enmarcados
como un proceso de autoobservación, describe lo que tiene en mente
mientras se propone crear la atmósfera de sus casas: las imágenes de espacios y
edificios que lo afectan son tan importantes como piezas particulares de música
o libros que lo inspiran.
Desde la
composición y "presencia" de los materiales hasta el manejo de las
proporciones y el efecto de la luz, esta poética de la arquitectura permite al
lector recapitular lo que realmente importa en el proceso de diseño de la
casa. En conclusión,
Ha descrito lo
que realmente constituye una atmósfera arquitectónica como "esta singular densidad y estado de ánimo, este sentimiento de
presencia, bienestar, armonía, belleza ... bajo cuyo hechizo experimento lo que
de otro modo no experimentaría precisamente en esto camino."
Viendo a Zumthor
"Ver a
Zumthor" representa una colaboración única entre Zumthor y el fotógrafo
suizo Hans Danuser, que contiene imágenes de edificios creados por
Zumthor. Hace más de veinte años, en un evento histórico de fotografía
arquitectónica del siglo XX.
Danuser
fotografió dos edificios: la estructura protectora construida para excavaciones
arqueológicas en Chur y la Capilla de San Benito en Sumvitg.
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
gracias
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
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más articulos en mis blogs :
hugoklico.blogspot.com
y
hugoklico.blogspot.com
y
onlybook.es/blog
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