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https://hugoklico.blogspot.com/2020/05/la-serpentine-gallery-historia-de-sus_20.htmlLA SERPENTINE Gallery. Londres
Historia
La Galeria de Arte Serpentine Gallery, está situada en los Kensington Gardens, en Hyde Park, Londres.
Se inauguró en 1970, en el edificio de una antigua casa de té de 1934 situada junto al lago Serpentine, del que recibe su nombre.
En 1991, Julia Peyton-Jones fue nombrada directora.
En 2006, Hans Ulrich Obrist fue nombrado codirector de Exposiciones y Programas y Director Internacional de Proyectos.
Cada año, desde el 2000 en verano la Serpentine Gallery selecciona a un equipo de arquitectos de renombre internacional para diseñar un pabellón en los jardines, que se utiliza para desarrollar programas culturales, proyecciones de películas y charlas.
2005 – Álvaro Siza y Eduardo Souto de Moura VI
“Un pabellón suele ser un edificio aislado, pero con este sitio nos pareció que debíamos mantener una relación con la galería y los árboles, y estas cosas eran el comienzo de la idea"- Álvaro Siza.
“'El pabellón temporal se ha vuelto imperdible, una rara oportunidad de ver de primera mano el trabajo de los mejores arquitectos internacionales. Así es como se debe exhibir y recordar la arquitectura. Véalo y el exquisito espacio de Siza se quedará con usted” The Financial Times.
Fueron son? el maestro y su alumno, Álvaro Siza, ganador del premio Pritzker 1992 y su distinguido arquitecto alumno, Eduardo Souto de Moura, ganador del premio Pritzker 2011, junto al ingeniero Cecil Balmond, ex vicepresidente de Arup (consultora de ingeniería, diseño, planificación, gestión de proyectos) realizaron un pabellón de 400 metros cuadrados, más grande que en años anteriores.
La idea del pabellón surgió de dos arbustos frente al edificio original inglés en los famosos jardines Kensington, que formaban una media elipse. Por ello decidieron hacer una superficie curva para completar la forma dinámica, realizando cuatro caras convexas. El resultado de la forma es la recopilación de tres ideas, un diseño que lleva los rasgos inconfundibles de cada uno de los diseñadores. El pabellón 2005 es el más contextual (Siza), el más abierto (Souto de Moura) y el más expresivo de toda su estructura (Balmond).
La estructura de los arquitectos portugueses presentaba un dosel de madera grande, sin columnas, basado en una cuadrícula rectangular simple, que se distorsionaba para crear una forma ondulada.
El dosel se construyó a partir de una serie de vigas de madera entrelazadas; fue la primera vez que se usó madera para construir un pabellón Serpentine Gallery. Los espacios en la cuadrícula se rellenaron con paneles de policarbonato, cada uno de los cuales albergaba una lámpara cilíndrica, dando a la estructura un aspecto puntiagudo en el exterior. En su interior una cafetería y una zona de estar.
En esta oportunidad la galería organizó las primeras noches en el parque con una serie de shows de música, cine, danza y literatura, un antecedente para el diseño de futuros pabellones.
Acerca de Álvaro Siza
Nació en 1933 en Portugal, estudió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Oporto (1949 a 1955), completando sus primeras obras construidas (cuatro casas en Matosinhos) incluso antes de terminar sus estudios.
Ese mismo año abrió su estudio en Oporto.
Ha recibido la Medalla de Oro de la Fundación Alvar Aalto en 1988, el Premio de la Fundación Mies van der Rohe al Banco Borges & Irmao en Vila do Conde, Portugal (1982-86).
En 1988 la Escuela de Graduados de Diseño de la Universidad de Harvard reconoció a Siza por su Proyecto de Vivienda del Barrio de Malagueira en Evora, Portugal, que comenzó en 1977, entregándole el primer Premio Verde Veronica Rudge.
Entre sus proyectos recientes se incluye una nueva Facultad de Educación en Setubal, una nueva Escuela de Arquitectura para la Universidad de Oporto, un Museo de Arte Moderno para Oporto, la reconstrucción del Chiado, área de Lisboa, dañada por el fuego en 1988, y una nueva Biblioteca para la Universidad de Aveiro.
Ha participado y ganado numerosas otras competiciones, incluida la renovación de Campo di Marte (1985) en Venecia, la renovación del Casino y Café Winkler (1986) en Salzburgo y el centro cultural del Ministerio de Defensa (1988-89) en Madrid.
El trabajo de Siza abarca desde piscinas hasta desarrollos de viviendas masivas, residencias, bancos, edificios de oficinas, restaurantes, galerías de arte, tiendas, entre otros.
Acerca de Cecil Balmond
Es un diseñador de renombre internacional, ingeniero estructural, autor y vicepresidente de la firma internacional de ingeniería multidisciplinaria Arup.
Ha sido invitado por las principales universidades de los Estados Unidos y Gran Bretaña, la Universidad de Yale, la Escuela de Diseño de Harvard, la London School of Economics y, más recientemente en la Universidad de Pennsylvania.
Recibió el Premio Gengo Matsui en 2002, que es el reconocimiento más alto para la ingeniería estructural otorgado en Japón, y el Premio Charles Jencks de Teoría en la Práctica del Royal Institute of British Architects (RIBA) en 2003.
Dictó conferencias en la catedra Félix Candela en el Museo de Arte Moderno y realizó una exposición de su obra en el centro de arquitectura en Burdeos, Francia.
Es autor de varias obras para la editorial Prestel como Informal (2002), Number Nine (1998) y realizó la exposición “Despliegue” con Daniel Liebeskind (NAI, 1997).
Acerca de Eduardo Souto de Moura
Nació en Oporto, Portugal, en 1952.
Después de sus primeros años en la Escuela italiana, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Oporto, donde comenzó como estudiante de arte, estudiando escultura, hasta que finalmente obtuvo su título en arquitectura. Este cambio se debió a una conversación con Donald Judd en Zurich.
Durante sus estudios colaboró en el estudio de su profesor de urbanismo, el arquitecto Fernandes de Sá (1874 – 1959). Es en esa época que recibió su primer encargo, un proyecto para un mercado en Braga, ya demolido.
Trabajó en el estudio del arquitecto Noé Dinis y luego cinco años con Álvaro Siza.
Luego de ganar el concurso para el Centro Cultural en Oporto, abrió su propio estudio.
Es profesor invitado en Lausana y Zúrich (Suiza), en Harvard en los EEUU, Ginebra, París-Belleville, Harvard, y Dublín.
Es catedrático en la Universidad de Oporto.
La segunda vida de los pabellones de arquitectura después de Serpentine Gallery
La premisa para participar es simple: un arquitecto que no ha construido en el Reino Unido está invitado a diseñar un pabellón, con la intención de compartir su talento entre un público nuevo e influyente.
Los diseñadores elegidos tienen solo seis meses para diseñar y construir su pabellón; una línea de tiempo comprimida que fomenta la experimentación y el pensamiento rápido.
Es una arquitectura efímera, temporales, y luego tienen un segundo destino, con vocación de permanencia.
2009: SANAA
El diseño de Kazuyo Sejima (1956) y Ryue Nishizawa (1966) fue quizás el más sencillo y estructuralmente más simple: una pieza plana de aluminio altamente reflectante sostenida por delicadas columnas.
Pero en su simplicidad, su estructura parece "elevarse como el humo, derretirse como una lámina de metal, desplazarse como una nube o fluir como el agua". Visto en planta, ellos también incorporaron una forma recurrente en su trabajo: un conglomerado de formas curvilíneas en forma de gotas. No hay información sobre el paradero actual del pabellón.
2010: Jean Nouvel
El diseño del arquitecto francés era implacablemente rojo y sin complejos, combinando formas de construcción típicas con un toque deconstructivista.
Un dosel inclinado y retráctil es una referencia astuta a los toldos parisinos, difuminando las líneas entre el interior y el exterior. Si bien no hay información pública confirmada sobre el paradero actual del pabellón, el impacto del vibrante pabellón, y su famoso interior lleno de mesas de ping pong, ha sido influyente en los diseños del espacio público.
2011: Peter Zumthor y Piet Oudolf
Zumthor (1943) presenta un proyecto donde juega con sólidos y vacíos.
Al igual que su trabajo anterior, como en los Therme Vals, la interacción se convirtió en un medio para crear varios efectos y establecer momentos contemplativos o viscerales dentro de sus edificios. Zumthor finalmente se propuso realizar un hortus conclusus: un jardín cerrado destinado a actuar como un espacio íntimo diseñado por el diseñador de jardines holandés, Piet Oudolf (1944). No hay información de donde está el pabellón.
2012: Herzog & de Meuron y Ai Weiwei
Los arquitectos suizos Herzog & de Meuron se unieron nuevamente (luego de su éxito con la colaboración de Bird's Nest en 2008) con el famoso artista chino Ai Weiwei (1957) para la edición 2012 del pabellón. El pabellón adoptó un enfoque inusual, cavando en el suelo para crear un pabellón que parecía flotar ligeramente sobre el suelo. El techo del pabellón se asienta sobre 12 columnas de diferentes diseños, haciendo referencia a los doce años del programa del pabellón. El pabellón se lee como un sitio para reflexionar sobre el pasado del Serpentine. El pabellón fue comprado por el magnate del acero indio Lakshmi Mittal y su esposa, Usha, y ha sido instalado en su propiedad en Surrey.
2013: Sou Fujimoto
Apodado "The Cloud", el pabellón del arquitecto japonés Sou Fujimoto (1971) fue un ejercicio de ligereza y modularidad. El pabellón estaba compuesto por módulos de barras blancas brillantes apiladas juntas para crear una estructura amorfa y abierta. El pabellón se vendió después de la exposición, y ahora se exhibe en Tirana.
2006 – Rem Koolhaas, en colaboración con Cecil Balmond de la consultoría ARUP
Rem Koolhaas (1944); Clement Blanchet, Adam Furman, Karel Wuytack, Karen Crequer. VII
Pudo visitarse desde el 13 de Julio al 15 de octubre de 2006, se construyó en 56 días.
Superficie total 650 m2, huella 346 m2, altura máxima 24 metros.
Con una gran ductilidad, permitía albergar múltiples funciones, desde cafetería hasta auditorio, con tal fin, el mobiliario se diseñó para moverlo y cambiar de posición.
Utilizaron acero galvanizado para la estructura y PVC para la cubierta.
En el número 19 de la revista Metalocus se escribió:
“Fue una de las mejores intervenciones realizadas de entre todas las propuestas realizadas para la Serpentine Gallery, un verdadero pabellón o folie de verano en los jardines del Hyde Park, brillante, inteligente, y el reflejo de una ensoñación…
Cubría una superficie de 346 m2 y se componía de tres elementos estructurales básicos:
1
Una plataforma horizontal al lado este de la Galería a través del césped. Daba a un área de encuentro sobre-elevada un metro…una escalera devolvía a los visitantes al nivel del terreno.
Construido con barras de acero estructural ligero y galvanizado creaba una estructura de apoyo para la superficie del piso, que estaba realizado con placas metálicas perforadas.
El área central contenía módulos de asientos/mesas móviles que podían utilizarse durante el día para comer, beber o ver pantallas con grabaciones de coloquios anteriores u otras actividades, o en forma más formal para coloquios o ver películas.
2
La plataforma central, circular estaba acotada perimetralmente por unos paneles de policarbonato translúcido de cinco metros de altura.
La pared, doble dejaba un espacio de 1,6 metros entre el exterior y el interior, estos estaban sostenidos con una serie de cables de acero tensados.
3
La cubierta inflable de forma ovoide, llena de helio y aire podía alzarse hasta una altura máxima de 24 metros, o bajarse hasta los 20 metros, en función de las actividades que se desarrollaran en su interior.
A su vez protegía del clima, del sol en verano y de la lluvia y viento en otoño.
La cubierta era de un PVC protegido semitransparente, estaba fijada mediante cables conectados a cuatro tornos eléctricos anclados al suelo.
El pabellón se construyó tras quedar en suspenso la propuesta inicial de MVRDV (que recibió una fuerte crítica, donde en la prensa se habló de “divismo”, esto, creo es injusto, dado el programa, hablar de divismo e invitar a estrellas del rock y de la arquitectura, simultáneamente, no parece coherente…al menos no es menos divismo el proyecto de MVRDV que la misma critica…).
Estos textos, los he extraído de la revista “Metalocus”, que desde 1999 dirige José Juan Barba (1964), arquitecto por la ETSA Madrid (1991) y doctor arquitecto en 2004, ha recibido premios nacionales por su terminación de estudio.
Funda su estudio en 1992, (www.josejuanbarba.com).
Profesor de proyectos, teoría y crítica de la arquitectura y Urbanismo, invitado en universidades de Roma, Milán, Madrid, Barcelona, México, Montevideo, Washington, Medellín, entre otras.
Ha publicado varios libros: Positions; Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, Piranesi”; participado en “Spaces of exception; La manzana de la discordia; Arquitectura Contempòránea de Japón: Nuevos territorios”.
Funcionamiento
El recinto podía ser cafetería o auditorio para programas de TV o proyección de películas en el Time Out Park Nights del programa de la Galeria Serpentine, incluía maratones de 24 horas de entrevistas convocadas por Koolhaas y Hans Ulricj Obrist con líderes políticos, arquitectos, filósofos, escritores, artistas, productores cinematográficos y economistas.
Exposición de trabajos del artista alemán Thomas Demand.
Dijo Koolhaas: “El pabellón de la Serpentine de 2006 estará definido por los eventos y actividades, por eso proponemos un espacio que facilite la inclusión de los individuos en los diálogos comunitarios y compartan experiencias”.
Ya he mencionado su CV, solo quisiera recordar sus reflexiones sobre la sociedad contemporánea, como su segundo libro S,M,L,XL (1995), un volumen de 1.376 páginas escritas, como si se tratara de una "novela de la arquitectura". Publicado en colaboración con el diseñador gráfico canadiense Bruce Mau, el libro contiene ensayos, manifiestos, dibujos animados y diarios de viaje.
Cecil Balmond
Cecil Balmond OBE es un diseñador, artista, arquitecto y escritor británico nacido en Sri Lanka. En 1968 fundó Balmond Ove Arup & Partners, del que se convirtió en vicepresidente. En 2000 fundó el grupo de diseño e investigación AGU (Unidad Geométrica Avanzada de sus siglas en inglés).
Actualmente ocupa la Cátedra Paul Philippe Cret en PennDesign como profesor de arquitectura en la que también es el director fundador de la Organización No Linear Systems, una unidad de investigación de materiales y estructurales.
También ha sido profesor con Kenzo Tange en Harvard Graduate School of Architecture, profesor con Saarinen en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale y profesor visitante en la London School of Economics.
En 2010 Balmond creó su propio estudio de arquitectura, Balmond Studio, con oficinas en Londres y Colombo. La práctica totalidad de su investigación esta involucrada en el arte, la arquitectura, el diseño y la consultoría. Un proyecto actual es el famoso Gretna Landmark, Estrella de Caledonia para el que Cecil es el artista. Es una escultura iluminada que marca el cruce de la frontera escocesa e inglesa, y se completó en 2015.
Fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 2015 por sus servicios a la arquitectura.
La segunda vida de los pabellones de arquitectura después de Serpentine Gallery
La premisa para participar es simple: un arquitecto que no ha construido en el Reino Unido está invitado a diseñar un pabellón, con la intención de compartir su talento entre un público nuevo e influyente. Los diseñadores elegidos tienen solo seis meses para diseñar y construir su pabellón; una línea de tiempo comprimida que fomenta la experimentación y el pensamiento rápido.
Es una arquitectura efímera, temporales, y luego tienen un segundo destino, con vocación de permanencia.
2014: Smiljan Radic
El pabellón del arquitecto chileno Smiljan Radic fue quizás uno de los más enigmáticos hasta la fecha; un caparazón translúcido encaramado sobre una variedad de piedras. El diseño fue inspirado por un modelo de papel maché que Radic había diseñado previamente como respuesta a la historia de Oscar Wilde "El gigante egoísta".
El pabellón fue comprado por los comerciantes de arte de Londres, Hauser + Wirth, y se instaló en sus terrenos en Somerset Park.
2015: Selgas Cano
El pabellón de los arquitectos españoles Selgas Cano trajo un alegre toque de color a la notoria monotonía de Londres. La instalación presentaba una estructura poligonal de doble piel envuelta en un colorido polímero flúor, creando un efecto similar a caminar en una crisálida multicolor.
El pabellón fue comprado por la empresa de co-working londinense, Second Home, quien también contrató a los arquitectos para diseñar su sede en Holland Park y Spitalfields. Second Home ha anunciado planes para instalar el pabellón en una de sus próximas ubicaciones en Los Ángeles, que se abrirá en 2020.
2016: Bjarke Ingels
BIG anunció recientemente dos hitos importantes en Canadá: la culminación de su proyecto de la Casa de Vancouver y la reubicación de su Serpentine Pavilion 2016 en Toronto. El pabellón, que fue comprado por los desarrolladores canadienses Westbank, formará parte de una exposición titulada "Descomprimido" y será el anfitrión de una serie de eventos y conferencias locales.
Pero Toronto ni siquiera es el hogar final de esta sinuosa estructura: el pabellón se trasladará más tarde a Vancouver, y se habla de instalaciones en Nueva York y Shanghai en el futuro.
2017: Diébédo Francis Kéré
El pabellón de Kere, que buscaba interactuar con el clima local y el entorno natural, fue comprado por la Galería Ilham, con sede en Malasia. Lamentablemente, el pabellón resultó demasiado grande para la galería en sí; el director de la galería, Rahel Joseph, anunció planes en 2017 para instalar el pabellón en un lugar de acceso público. Desde entonces ha habido pocas noticias, su ubicación final del pabellón no está clara.
2018: Frida Escobedo
El operador de spa Therme Group compró el pabellón diseñado por la arquitecta mexicana Frida Escobedo (la segunda mujer en diseñar un pabellón en los 19 años de historia del evento). Dijeron, en una declaración conjunta con el director artístico de Serpentine Gallery, Hans Ulrich Obrist, "el diseño de Frida Escobedo es una sutil interacción de luz, agua y geometría. Su estructura atmosférica basada en el patio está inspirada en la arquitectura doméstica de México, así como en los materiales e historia británicos".
Si bien no se han anunciado planes específicos para la estructura, es seguro asumir que el futuro del pabellón está asegurado. Pronto lo sabremos.
Sigo presentando los pabellones...con ustedes:
2007: Olafur Eliasson, Kjetil Thorsen and Cecil Balmond
Serpentine Gallery. VIII
Peonza de día, platillo volante de noche.
https://youtu.be/f6zRbLBIBIo
Era la apariencia de esta obra revestida de madera que brilló en el 2007, del artista Olafur Eliasson (1967) y el arquitecto Kjetil Trædal Thorsen (1958).
El pabellón de 2007, fue una colaboración entre el artista Eliasson y el arquitecto Thorsen (de Snøhetta). Una estructura de varios pisos revestida de madera, y fue en su momento, el pabellón más ambicioso que se haya realizado. Con reminiscencias de un trompo, el pabellón fue el anfitrión no solo del típico programa de conferencias, sino también de "experimentos" semanales de artistas, científicos y arquitectos de todo el mundo. Luego fue adquirido por un comprador anónimo con una "adicción" confesada por los pabellones: posee no menos de cuatro. El comprador también posee el pabellón 2006 de Rem Koolhaas, el pabellón 2005 de Alvaro Siza y Eduardo Souto de Moura y el pabellón del año 2003 de Oscar Niemeyer.
Kjetil Trædal Thorsen (1958) nació en la isla costera noruega de Karmøy.
Estudió arquitectura en Graz, Austria. Entre 1982/3 colaboró en el estudio de Espen Tharaldsen (Arbeidsgruppen Hus) en Bergen, y con el arquitecto Ralph Erskine (1914 – 2005) en Estocolmo, entre los años 1983 y 1984. Luego con el arquitecto David Sandved (1912 – 2001) en Haugesund.
En 1987, cofundó junto a Craig Edward Dykersson (1961) el estudio de arquitectura Snøhetta .
Snøhetta es una oficina internacional de arquitectura , paisajismo , diseño de interiores y de marcas con sede en Oslo y Nueva York, con estudios en San Francisco, California , Innsbruck, París, y Estocolmo.
Su staff se compone de aproximadamente 150 diseñadores y más de 240 empleados trabajando en proyectos en todo el mundo.
Premios
Por la Biblioteca de Alejandria (inaugurada en el 2002) ha recibido el Premio Mundial de Arquitectura y el Premio Aga Khan de Arquitectura
Por la Öpera de Oslo, finalizada en el 2008, recibió además del Premio Mundial de Arquitectura, el Premio Mies van der Rohe
Otros premios recibidos fueron el Premio Great Places de la EDRA (Asociación de Investigación de Diseño Ambiental), el Premio Europeo del Espacio Público Urbano, el International Architecture Award y el Global Award for Sustainable Architecture en 2010.
Snøhetta ha diseñado el museo para los Juegos Olímpicos de Invierno en Lillehammer, Noruega, el proyecto que estamos viendo del Pabellón temporal 2007 de la Serpentine Gallery en Londres diseñado con Olafur Eliasson, la nueva biblioteca de Alejandría en Egipto y el nuevo Teatro de la ópera de Oslo, Noruega.
En 1986, funda la galería de arquitectura más importante de Noruega, la Galleri Rom, una sala para el arte y la arquitectura.
Sus temas son la arquitectura visionaria, una arquitectura que integra enfoques sociopolíticos e investigación en la vida urbana, inspirada en el teatro, la literatura, el escenario y otros medios artísticos.
Un centro independiente que cuenta con el apoyo del Real Ministerio de Cultura de Noruega, se encuentra en la calle Maridalsveien 3, Oslo.
Thorsen es miembro de la Asociación de Arquitectura de Noruega (NAL) y ha formado parte de su comité de competencia de diseño. Se ha desempeñado como jurado en varios concursos de diseño en Europa.
2004 es profesor en el Instituto de Estudios Experimentales en Arquitectura de la Universidad de Innsbruck .
2008 comandante de la Real Orden Noruega de San Olav.
2011 profesor honorario de la Universidad Noruega de Ciencia y Tecnología (NTNU).
2013 ha obtenido la Medalla del Príncipe Eugen para la arquitectura.
Haré una reseña del texto que el Arq. Pedro Molina Siles hiciera en la Tesis de su master “La Arquitectura efímera”, “Los pabellones temporales de la Serpentine Gallery como paradigma del proceso creativo”.
La presentó en la Universitat Politécnica de Valencia. Facultat de Belles Arts de Sant Carles, en Julio de 2012.
Si desean leerlo completo les dejo el Link
https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/27546/TFM_PEDRO%20MOLINA%20SILES.pdf
El hecho de que la comisión de la Serpentine Gallery otorgara al artista danés/islandés Olafur Eliason y al arquitecto noruego Kjetil Thorsen del equipo de arquitectos Snohetta la oportunidad de construir el pabellón del año 2007 representó toda una singularidad en la historia de este experimento en el que se embarcó la galería de arte hacía 8 años. Era la primera vez que se solicitaba a un artista el diseño del pabellón, pero no lo hizo solo, sino con un joven arquitecto, prácticamente novel, el cual no pertenecía al gremio de los arquitectos estrella que habían construido con anterioridad los otros pabellones. Eliasson y Thorsen diseñaron el pabellón siguiendo la estela dejada por el arquitecto Rem Koolhaas en cuanto a no atribuir funciones distintas al artista y al arquitecto.
El pabellón se relaciona con el edificio de la Serpentine Gallery, el cual se relaciona con los jardines de Kensington y con el vecindario de Hyde Park, que se relaciona a su vez con la ciudad de Londres, y así sucesivamente…el edificio de la galería se refiere al antiguo edificio destinado a casa de té ubicado en un lugar con resonancias históricas, ya que se emplaza sobre el mismo lugar en el que se levantó la Gran Exposición de 1851, madre de todas las exposiciones, y el Crystal Palace, un edificio que revolucionó el mundo de la arquitectura.
Un edificio siempre permanece en un lugar específico, del cual no puede escapar, a diferencia de las obras de arte que se ubican en los museos, considerados estos como espacios.
Dice Thorsen: “Un edificio, diseñado por un artista en un contexto artístico, siempre es contextualizado en un contexto arquitectónico. Es inevitable. Siempre estará referenciado a la historia de la arquitectura con edificios, tipologías y todo tipo de paradigmas arquitectónicos”.
La rampa en espiral, el más claro protagonista del pabellón, a lo largo de la historia, la rampa se ha usado como una metáfora sobre la evolución y el tiempo, y en el Modernismo era considerada como progreso. Esto se puede apreciar tanto en la Torre de Babel como en la Torre del pintor y escultor Vladimir Tatlin (1885-1953) en su Monumento a la Tercera Internacional, así como en el Museo Salomon R. Guggenheim de Frank Lloyd Wright (1867-1959).
Ambos estudiaron el impacto que supuso la rampa en la historia de la arquitectura a través de una de las viviendas más influenciables del siglo XX, la Villa Savoye de 1929. Una “promenade architecturale”…que hace referencia al paseo arquitectónico a través del cual se controla la circulación interior y exterior del edificio.
Su teoría sobre el espacio flexible y la utilización general de éste, sin duda influenciaron a arquitectos como Renzo Piano y Richard Rogers para proyectar el Centro Georges Pompidou.
Construyeron un pabellón combinando dos conceptos muy importantes: solidez y ligereza. Fue un edificio sólido, pesado, con esa estructura de acero revestida con paneles de madera contrachapada, y también ligero, con una rampa, con forma básicamente circular, fue el elemento más importante del pabellón, ella giraba en torno al edificio y todo giraba en torno a ella.
Eliasson y Thorsen lo describieron: “Por medio de esta rampa curva, el pabellón explora la idea de la circulación vertical dentro de un único espacio. El objetivo es reconsiderar la tradicional estructura del pabellón de un único nivel añadiendo una tercera dimensión: la altura. Este movimiento vertical de los visitantes se complementa con la circulación horizontal por los espacios de exposición de la galería adyacente. La razón de ser de la forma espiral no es tanto la forma en sí como el modo en el que la gente se desplaza dentro del espacio”.
Destaca la presencia de un pequeño óculo superior y un amplio ventanal que aportan luz natural, y anuncian las actividades nocturnas al brillar el edificio desde el interior, permitiendo a los visitantes percatarse de que algo sucede.
Cuanto más cerca estamos del borde del edificio, más aumenta la sensación de movimiento. En cambio, a medida que nos aproximamos al centro, más quietud nos transmite.
Foto de la actual ubicación del pabellón de Toyo Ito de 2007.
“Un pabellón suele ser un edificio aislado, pero con este sitio nos pareció que debíamos mantener una relación con la galería y los árboles, y estas cosas eran el comienzo de la idea"- Álvaro Siza.
“'El pabellón temporal se ha vuelto imperdible, una rara oportunidad de ver de primera mano el trabajo de los mejores arquitectos internacionales. Así es como se debe exhibir y recordar la arquitectura. Véalo y el exquisito espacio de Siza se quedará con usted” The Financial Times.
Fueron son? el maestro y su alumno, Álvaro Siza, ganador del premio Pritzker 1992 y su distinguido arquitecto alumno, Eduardo Souto de Moura, ganador del premio Pritzker 2011, junto al ingeniero Cecil Balmond, ex vicepresidente de Arup (consultora de ingeniería, diseño, planificación, gestión de proyectos) realizaron un pabellón de 400 metros cuadrados, más grande que en años anteriores.
La idea del pabellón surgió de dos arbustos frente al edificio original inglés en los famosos jardines Kensington, que formaban una media elipse. Por ello decidieron hacer una superficie curva para completar la forma dinámica, realizando cuatro caras convexas. El resultado de la forma es la recopilación de tres ideas, un diseño que lleva los rasgos inconfundibles de cada uno de los diseñadores. El pabellón 2005 es el más contextual (Siza), el más abierto (Souto de Moura) y el más expresivo de toda su estructura (Balmond).
La estructura de los arquitectos portugueses presentaba un dosel de madera grande, sin columnas, basado en una cuadrícula rectangular simple, que se distorsionaba para crear una forma ondulada.
El dosel se construyó a partir de una serie de vigas de madera entrelazadas; fue la primera vez que se usó madera para construir un pabellón Serpentine Gallery. Los espacios en la cuadrícula se rellenaron con paneles de policarbonato, cada uno de los cuales albergaba una lámpara cilíndrica, dando a la estructura un aspecto puntiagudo en el exterior. En su interior una cafetería y una zona de estar.
En esta oportunidad la galería organizó las primeras noches en el parque con una serie de shows de música, cine, danza y literatura, un antecedente para el diseño de futuros pabellones.
Acerca de Álvaro Siza
Nació en 1933 en Portugal, estudió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Oporto (1949 a 1955), completando sus primeras obras construidas (cuatro casas en Matosinhos) incluso antes de terminar sus estudios.
Ese mismo año abrió su estudio en Oporto.
Ha recibido la Medalla de Oro de la Fundación Alvar Aalto en 1988, el Premio de la Fundación Mies van der Rohe al Banco Borges & Irmao en Vila do Conde, Portugal (1982-86).
En 1988 la Escuela de Graduados de Diseño de la Universidad de Harvard reconoció a Siza por su Proyecto de Vivienda del Barrio de Malagueira en Evora, Portugal, que comenzó en 1977, entregándole el primer Premio Verde Veronica Rudge.
Entre sus proyectos recientes se incluye una nueva Facultad de Educación en Setubal, una nueva Escuela de Arquitectura para la Universidad de Oporto, un Museo de Arte Moderno para Oporto, la reconstrucción del Chiado, área de Lisboa, dañada por el fuego en 1988, y una nueva Biblioteca para la Universidad de Aveiro.
Ha participado y ganado numerosas otras competiciones, incluida la renovación de Campo di Marte (1985) en Venecia, la renovación del Casino y Café Winkler (1986) en Salzburgo y el centro cultural del Ministerio de Defensa (1988-89) en Madrid.
El trabajo de Siza abarca desde piscinas hasta desarrollos de viviendas masivas, residencias, bancos, edificios de oficinas, restaurantes, galerías de arte, tiendas, entre otros.
Acerca de Cecil Balmond
Es un diseñador de renombre internacional, ingeniero estructural, autor y vicepresidente de la firma internacional de ingeniería multidisciplinaria Arup.
Ha sido invitado por las principales universidades de los Estados Unidos y Gran Bretaña, la Universidad de Yale, la Escuela de Diseño de Harvard, la London School of Economics y, más recientemente en la Universidad de Pennsylvania.
Recibió el Premio Gengo Matsui en 2002, que es el reconocimiento más alto para la ingeniería estructural otorgado en Japón, y el Premio Charles Jencks de Teoría en la Práctica del Royal Institute of British Architects (RIBA) en 2003.
Dictó conferencias en la catedra Félix Candela en el Museo de Arte Moderno y realizó una exposición de su obra en el centro de arquitectura en Burdeos, Francia.
Es autor de varias obras para la editorial Prestel como Informal (2002), Number Nine (1998) y realizó la exposición “Despliegue” con Daniel Liebeskind (NAI, 1997).
Acerca de Eduardo Souto de Moura
Nació en Oporto, Portugal, en 1952.
Después de sus primeros años en la Escuela italiana, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Oporto, donde comenzó como estudiante de arte, estudiando escultura, hasta que finalmente obtuvo su título en arquitectura. Este cambio se debió a una conversación con Donald Judd en Zurich.
Durante sus estudios colaboró en el estudio de su profesor de urbanismo, el arquitecto Fernandes de Sá (1874 – 1959). Es en esa época que recibió su primer encargo, un proyecto para un mercado en Braga, ya demolido.
Trabajó en el estudio del arquitecto Noé Dinis y luego cinco años con Álvaro Siza.
Luego de ganar el concurso para el Centro Cultural en Oporto, abrió su propio estudio.
Es profesor invitado en Lausana y Zúrich (Suiza), en Harvard en los EEUU, Ginebra, París-Belleville, Harvard, y Dublín.
Es catedrático en la Universidad de Oporto.
La segunda vida de los pabellones de arquitectura después de Serpentine Gallery
La premisa para participar es simple: un arquitecto que no ha construido en el Reino Unido está invitado a diseñar un pabellón, con la intención de compartir su talento entre un público nuevo e influyente.
Los diseñadores elegidos tienen solo seis meses para diseñar y construir su pabellón; una línea de tiempo comprimida que fomenta la experimentación y el pensamiento rápido.
Es una arquitectura efímera, temporales, y luego tienen un segundo destino, con vocación de permanencia.
2009: SANAA
El diseño de Kazuyo Sejima (1956) y Ryue Nishizawa (1966) fue quizás el más sencillo y estructuralmente más simple: una pieza plana de aluminio altamente reflectante sostenida por delicadas columnas.
Pero en su simplicidad, su estructura parece "elevarse como el humo, derretirse como una lámina de metal, desplazarse como una nube o fluir como el agua". Visto en planta, ellos también incorporaron una forma recurrente en su trabajo: un conglomerado de formas curvilíneas en forma de gotas. No hay información sobre el paradero actual del pabellón.
2010: Jean Nouvel
El diseño del arquitecto francés era implacablemente rojo y sin complejos, combinando formas de construcción típicas con un toque deconstructivista.
Un dosel inclinado y retráctil es una referencia astuta a los toldos parisinos, difuminando las líneas entre el interior y el exterior. Si bien no hay información pública confirmada sobre el paradero actual del pabellón, el impacto del vibrante pabellón, y su famoso interior lleno de mesas de ping pong, ha sido influyente en los diseños del espacio público.
2011: Peter Zumthor y Piet Oudolf
Zumthor (1943) presenta un proyecto donde juega con sólidos y vacíos.
Al igual que su trabajo anterior, como en los Therme Vals, la interacción se convirtió en un medio para crear varios efectos y establecer momentos contemplativos o viscerales dentro de sus edificios. Zumthor finalmente se propuso realizar un hortus conclusus: un jardín cerrado destinado a actuar como un espacio íntimo diseñado por el diseñador de jardines holandés, Piet Oudolf (1944). No hay información de donde está el pabellón.
2012: Herzog & de Meuron y Ai Weiwei
Los arquitectos suizos Herzog & de Meuron se unieron nuevamente (luego de su éxito con la colaboración de Bird's Nest en 2008) con el famoso artista chino Ai Weiwei (1957) para la edición 2012 del pabellón. El pabellón adoptó un enfoque inusual, cavando en el suelo para crear un pabellón que parecía flotar ligeramente sobre el suelo. El techo del pabellón se asienta sobre 12 columnas de diferentes diseños, haciendo referencia a los doce años del programa del pabellón. El pabellón se lee como un sitio para reflexionar sobre el pasado del Serpentine. El pabellón fue comprado por el magnate del acero indio Lakshmi Mittal y su esposa, Usha, y ha sido instalado en su propiedad en Surrey.
2013: Sou Fujimoto
Apodado "The Cloud", el pabellón del arquitecto japonés Sou Fujimoto (1971) fue un ejercicio de ligereza y modularidad. El pabellón estaba compuesto por módulos de barras blancas brillantes apiladas juntas para crear una estructura amorfa y abierta. El pabellón se vendió después de la exposición, y ahora se exhibe en Tirana.
2006 – Rem Koolhaas, en colaboración con Cecil Balmond de la consultoría ARUP
Rem Koolhaas (1944); Clement Blanchet, Adam Furman, Karel Wuytack, Karen Crequer. VII
Pudo visitarse desde el 13 de Julio al 15 de octubre de 2006, se construyó en 56 días.
Superficie total 650 m2, huella 346 m2, altura máxima 24 metros.
Con una gran ductilidad, permitía albergar múltiples funciones, desde cafetería hasta auditorio, con tal fin, el mobiliario se diseñó para moverlo y cambiar de posición.
Utilizaron acero galvanizado para la estructura y PVC para la cubierta.
En el número 19 de la revista Metalocus se escribió:
“Fue una de las mejores intervenciones realizadas de entre todas las propuestas realizadas para la Serpentine Gallery, un verdadero pabellón o folie de verano en los jardines del Hyde Park, brillante, inteligente, y el reflejo de una ensoñación…
Cubría una superficie de 346 m2 y se componía de tres elementos estructurales básicos:
1
Una plataforma horizontal al lado este de la Galería a través del césped. Daba a un área de encuentro sobre-elevada un metro…una escalera devolvía a los visitantes al nivel del terreno.
Construido con barras de acero estructural ligero y galvanizado creaba una estructura de apoyo para la superficie del piso, que estaba realizado con placas metálicas perforadas.
El área central contenía módulos de asientos/mesas móviles que podían utilizarse durante el día para comer, beber o ver pantallas con grabaciones de coloquios anteriores u otras actividades, o en forma más formal para coloquios o ver películas.
2
La plataforma central, circular estaba acotada perimetralmente por unos paneles de policarbonato translúcido de cinco metros de altura.
La pared, doble dejaba un espacio de 1,6 metros entre el exterior y el interior, estos estaban sostenidos con una serie de cables de acero tensados.
3
La cubierta inflable de forma ovoide, llena de helio y aire podía alzarse hasta una altura máxima de 24 metros, o bajarse hasta los 20 metros, en función de las actividades que se desarrollaran en su interior.
A su vez protegía del clima, del sol en verano y de la lluvia y viento en otoño.
La cubierta era de un PVC protegido semitransparente, estaba fijada mediante cables conectados a cuatro tornos eléctricos anclados al suelo.
El pabellón se construyó tras quedar en suspenso la propuesta inicial de MVRDV (que recibió una fuerte crítica, donde en la prensa se habló de “divismo”, esto, creo es injusto, dado el programa, hablar de divismo e invitar a estrellas del rock y de la arquitectura, simultáneamente, no parece coherente…al menos no es menos divismo el proyecto de MVRDV que la misma critica…).
Estos textos, los he extraído de la revista “Metalocus”, que desde 1999 dirige José Juan Barba (1964), arquitecto por la ETSA Madrid (1991) y doctor arquitecto en 2004, ha recibido premios nacionales por su terminación de estudio.
Funda su estudio en 1992, (www.josejuanbarba.com).
Profesor de proyectos, teoría y crítica de la arquitectura y Urbanismo, invitado en universidades de Roma, Milán, Madrid, Barcelona, México, Montevideo, Washington, Medellín, entre otras.
Ha publicado varios libros: Positions; Invenciones: Nueva York vs. Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, Piranesi”; participado en “Spaces of exception; La manzana de la discordia; Arquitectura Contempòránea de Japón: Nuevos territorios”.
Funcionamiento
El recinto podía ser cafetería o auditorio para programas de TV o proyección de películas en el Time Out Park Nights del programa de la Galeria Serpentine, incluía maratones de 24 horas de entrevistas convocadas por Koolhaas y Hans Ulricj Obrist con líderes políticos, arquitectos, filósofos, escritores, artistas, productores cinematográficos y economistas.
Exposición de trabajos del artista alemán Thomas Demand.
Dijo Koolhaas: “El pabellón de la Serpentine de 2006 estará definido por los eventos y actividades, por eso proponemos un espacio que facilite la inclusión de los individuos en los diálogos comunitarios y compartan experiencias”.
Ya he mencionado su CV, solo quisiera recordar sus reflexiones sobre la sociedad contemporánea, como su segundo libro S,M,L,XL (1995), un volumen de 1.376 páginas escritas, como si se tratara de una "novela de la arquitectura". Publicado en colaboración con el diseñador gráfico canadiense Bruce Mau, el libro contiene ensayos, manifiestos, dibujos animados y diarios de viaje.
Cecil Balmond
Cecil Balmond OBE es un diseñador, artista, arquitecto y escritor británico nacido en Sri Lanka. En 1968 fundó Balmond Ove Arup & Partners, del que se convirtió en vicepresidente. En 2000 fundó el grupo de diseño e investigación AGU (Unidad Geométrica Avanzada de sus siglas en inglés).
Actualmente ocupa la Cátedra Paul Philippe Cret en PennDesign como profesor de arquitectura en la que también es el director fundador de la Organización No Linear Systems, una unidad de investigación de materiales y estructurales.
También ha sido profesor con Kenzo Tange en Harvard Graduate School of Architecture, profesor con Saarinen en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale y profesor visitante en la London School of Economics.
En 2010 Balmond creó su propio estudio de arquitectura, Balmond Studio, con oficinas en Londres y Colombo. La práctica totalidad de su investigación esta involucrada en el arte, la arquitectura, el diseño y la consultoría. Un proyecto actual es el famoso Gretna Landmark, Estrella de Caledonia para el que Cecil es el artista. Es una escultura iluminada que marca el cruce de la frontera escocesa e inglesa, y se completó en 2015.
Fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 2015 por sus servicios a la arquitectura.
La segunda vida de los pabellones de arquitectura después de Serpentine Gallery
La premisa para participar es simple: un arquitecto que no ha construido en el Reino Unido está invitado a diseñar un pabellón, con la intención de compartir su talento entre un público nuevo e influyente. Los diseñadores elegidos tienen solo seis meses para diseñar y construir su pabellón; una línea de tiempo comprimida que fomenta la experimentación y el pensamiento rápido.
Es una arquitectura efímera, temporales, y luego tienen un segundo destino, con vocación de permanencia.
2014: Smiljan Radic
El pabellón del arquitecto chileno Smiljan Radic fue quizás uno de los más enigmáticos hasta la fecha; un caparazón translúcido encaramado sobre una variedad de piedras. El diseño fue inspirado por un modelo de papel maché que Radic había diseñado previamente como respuesta a la historia de Oscar Wilde "El gigante egoísta".
El pabellón fue comprado por los comerciantes de arte de Londres, Hauser + Wirth, y se instaló en sus terrenos en Somerset Park.
2015: Selgas Cano
El pabellón de los arquitectos españoles Selgas Cano trajo un alegre toque de color a la notoria monotonía de Londres. La instalación presentaba una estructura poligonal de doble piel envuelta en un colorido polímero flúor, creando un efecto similar a caminar en una crisálida multicolor.
El pabellón fue comprado por la empresa de co-working londinense, Second Home, quien también contrató a los arquitectos para diseñar su sede en Holland Park y Spitalfields. Second Home ha anunciado planes para instalar el pabellón en una de sus próximas ubicaciones en Los Ángeles, que se abrirá en 2020.
2016: Bjarke Ingels
BIG anunció recientemente dos hitos importantes en Canadá: la culminación de su proyecto de la Casa de Vancouver y la reubicación de su Serpentine Pavilion 2016 en Toronto. El pabellón, que fue comprado por los desarrolladores canadienses Westbank, formará parte de una exposición titulada "Descomprimido" y será el anfitrión de una serie de eventos y conferencias locales.
Pero Toronto ni siquiera es el hogar final de esta sinuosa estructura: el pabellón se trasladará más tarde a Vancouver, y se habla de instalaciones en Nueva York y Shanghai en el futuro.
2017: Diébédo Francis Kéré
El pabellón de Kere, que buscaba interactuar con el clima local y el entorno natural, fue comprado por la Galería Ilham, con sede en Malasia. Lamentablemente, el pabellón resultó demasiado grande para la galería en sí; el director de la galería, Rahel Joseph, anunció planes en 2017 para instalar el pabellón en un lugar de acceso público. Desde entonces ha habido pocas noticias, su ubicación final del pabellón no está clara.
2018: Frida Escobedo
El operador de spa Therme Group compró el pabellón diseñado por la arquitecta mexicana Frida Escobedo (la segunda mujer en diseñar un pabellón en los 19 años de historia del evento). Dijeron, en una declaración conjunta con el director artístico de Serpentine Gallery, Hans Ulrich Obrist, "el diseño de Frida Escobedo es una sutil interacción de luz, agua y geometría. Su estructura atmosférica basada en el patio está inspirada en la arquitectura doméstica de México, así como en los materiales e historia británicos".
Si bien no se han anunciado planes específicos para la estructura, es seguro asumir que el futuro del pabellón está asegurado. Pronto lo sabremos.
Sigo presentando los pabellones...con ustedes:
2007: Olafur Eliasson, Kjetil Thorsen and Cecil Balmond
Serpentine Gallery. VIII
Peonza de día, platillo volante de noche.
https://youtu.be/f6zRbLBIBIo
Era la apariencia de esta obra revestida de madera que brilló en el 2007, del artista Olafur Eliasson (1967) y el arquitecto Kjetil Trædal Thorsen (1958).
El pabellón de 2007, fue una colaboración entre el artista Eliasson y el arquitecto Thorsen (de Snøhetta). Una estructura de varios pisos revestida de madera, y fue en su momento, el pabellón más ambicioso que se haya realizado. Con reminiscencias de un trompo, el pabellón fue el anfitrión no solo del típico programa de conferencias, sino también de "experimentos" semanales de artistas, científicos y arquitectos de todo el mundo. Luego fue adquirido por un comprador anónimo con una "adicción" confesada por los pabellones: posee no menos de cuatro. El comprador también posee el pabellón 2006 de Rem Koolhaas, el pabellón 2005 de Alvaro Siza y Eduardo Souto de Moura y el pabellón del año 2003 de Oscar Niemeyer.
Kjetil Trædal Thorsen (1958) nació en la isla costera noruega de Karmøy.
Estudió arquitectura en Graz, Austria. Entre 1982/3 colaboró en el estudio de Espen Tharaldsen (Arbeidsgruppen Hus) en Bergen, y con el arquitecto Ralph Erskine (1914 – 2005) en Estocolmo, entre los años 1983 y 1984. Luego con el arquitecto David Sandved (1912 – 2001) en Haugesund.
En 1987, cofundó junto a Craig Edward Dykersson (1961) el estudio de arquitectura Snøhetta .
Snøhetta es una oficina internacional de arquitectura , paisajismo , diseño de interiores y de marcas con sede en Oslo y Nueva York, con estudios en San Francisco, California , Innsbruck, París, y Estocolmo.
Su staff se compone de aproximadamente 150 diseñadores y más de 240 empleados trabajando en proyectos en todo el mundo.
Premios
Por la Biblioteca de Alejandria (inaugurada en el 2002) ha recibido el Premio Mundial de Arquitectura y el Premio Aga Khan de Arquitectura
Por la Öpera de Oslo, finalizada en el 2008, recibió además del Premio Mundial de Arquitectura, el Premio Mies van der Rohe
Otros premios recibidos fueron el Premio Great Places de la EDRA (Asociación de Investigación de Diseño Ambiental), el Premio Europeo del Espacio Público Urbano, el International Architecture Award y el Global Award for Sustainable Architecture en 2010.
Snøhetta ha diseñado el museo para los Juegos Olímpicos de Invierno en Lillehammer, Noruega, el proyecto que estamos viendo del Pabellón temporal 2007 de la Serpentine Gallery en Londres diseñado con Olafur Eliasson, la nueva biblioteca de Alejandría en Egipto y el nuevo Teatro de la ópera de Oslo, Noruega.
En 1986, funda la galería de arquitectura más importante de Noruega, la Galleri Rom, una sala para el arte y la arquitectura.
Sus temas son la arquitectura visionaria, una arquitectura que integra enfoques sociopolíticos e investigación en la vida urbana, inspirada en el teatro, la literatura, el escenario y otros medios artísticos.
Un centro independiente que cuenta con el apoyo del Real Ministerio de Cultura de Noruega, se encuentra en la calle Maridalsveien 3, Oslo.
Thorsen es miembro de la Asociación de Arquitectura de Noruega (NAL) y ha formado parte de su comité de competencia de diseño. Se ha desempeñado como jurado en varios concursos de diseño en Europa.
2004 es profesor en el Instituto de Estudios Experimentales en Arquitectura de la Universidad de Innsbruck .
2008 comandante de la Real Orden Noruega de San Olav.
2011 profesor honorario de la Universidad Noruega de Ciencia y Tecnología (NTNU).
2013 ha obtenido la Medalla del Príncipe Eugen para la arquitectura.
Haré una reseña del texto que el Arq. Pedro Molina Siles hiciera en la Tesis de su master “La Arquitectura efímera”, “Los pabellones temporales de la Serpentine Gallery como paradigma del proceso creativo”.
La presentó en la Universitat Politécnica de Valencia. Facultat de Belles Arts de Sant Carles, en Julio de 2012.
Si desean leerlo completo les dejo el Link
https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/27546/TFM_PEDRO%20MOLINA%20SILES.pdf
El hecho de que la comisión de la Serpentine Gallery otorgara al artista danés/islandés Olafur Eliason y al arquitecto noruego Kjetil Thorsen del equipo de arquitectos Snohetta la oportunidad de construir el pabellón del año 2007 representó toda una singularidad en la historia de este experimento en el que se embarcó la galería de arte hacía 8 años. Era la primera vez que se solicitaba a un artista el diseño del pabellón, pero no lo hizo solo, sino con un joven arquitecto, prácticamente novel, el cual no pertenecía al gremio de los arquitectos estrella que habían construido con anterioridad los otros pabellones. Eliasson y Thorsen diseñaron el pabellón siguiendo la estela dejada por el arquitecto Rem Koolhaas en cuanto a no atribuir funciones distintas al artista y al arquitecto.
El pabellón se relaciona con el edificio de la Serpentine Gallery, el cual se relaciona con los jardines de Kensington y con el vecindario de Hyde Park, que se relaciona a su vez con la ciudad de Londres, y así sucesivamente…el edificio de la galería se refiere al antiguo edificio destinado a casa de té ubicado en un lugar con resonancias históricas, ya que se emplaza sobre el mismo lugar en el que se levantó la Gran Exposición de 1851, madre de todas las exposiciones, y el Crystal Palace, un edificio que revolucionó el mundo de la arquitectura.
Un edificio siempre permanece en un lugar específico, del cual no puede escapar, a diferencia de las obras de arte que se ubican en los museos, considerados estos como espacios.
Dice Thorsen: “Un edificio, diseñado por un artista en un contexto artístico, siempre es contextualizado en un contexto arquitectónico. Es inevitable. Siempre estará referenciado a la historia de la arquitectura con edificios, tipologías y todo tipo de paradigmas arquitectónicos”.
La rampa en espiral, el más claro protagonista del pabellón, a lo largo de la historia, la rampa se ha usado como una metáfora sobre la evolución y el tiempo, y en el Modernismo era considerada como progreso. Esto se puede apreciar tanto en la Torre de Babel como en la Torre del pintor y escultor Vladimir Tatlin (1885-1953) en su Monumento a la Tercera Internacional, así como en el Museo Salomon R. Guggenheim de Frank Lloyd Wright (1867-1959).
Ambos estudiaron el impacto que supuso la rampa en la historia de la arquitectura a través de una de las viviendas más influenciables del siglo XX, la Villa Savoye de 1929. Una “promenade architecturale”…que hace referencia al paseo arquitectónico a través del cual se controla la circulación interior y exterior del edificio.
Su teoría sobre el espacio flexible y la utilización general de éste, sin duda influenciaron a arquitectos como Renzo Piano y Richard Rogers para proyectar el Centro Georges Pompidou.
Construyeron un pabellón combinando dos conceptos muy importantes: solidez y ligereza. Fue un edificio sólido, pesado, con esa estructura de acero revestida con paneles de madera contrachapada, y también ligero, con una rampa, con forma básicamente circular, fue el elemento más importante del pabellón, ella giraba en torno al edificio y todo giraba en torno a ella.
Eliasson y Thorsen lo describieron: “Por medio de esta rampa curva, el pabellón explora la idea de la circulación vertical dentro de un único espacio. El objetivo es reconsiderar la tradicional estructura del pabellón de un único nivel añadiendo una tercera dimensión: la altura. Este movimiento vertical de los visitantes se complementa con la circulación horizontal por los espacios de exposición de la galería adyacente. La razón de ser de la forma espiral no es tanto la forma en sí como el modo en el que la gente se desplaza dentro del espacio”.
Destaca la presencia de un pequeño óculo superior y un amplio ventanal que aportan luz natural, y anuncian las actividades nocturnas al brillar el edificio desde el interior, permitiendo a los visitantes percatarse de que algo sucede.
Cuanto más cerca estamos del borde del edificio, más aumenta la sensación de movimiento. En cambio, a medida que nos aproximamos al centro, más quietud nos transmite.
Foto de la actual ubicación del pabellón de Toyo Ito de 2007.
Arq.
Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
permitido reproducir parcial o totalmente citando la fuente
gracias
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onlybook.es/blog
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