Johann Sebastian Bach, los cambios, la arquitectura. (MB)
Texto de Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
Johann Sebastian Bach, los cambios, la arquitectura
Viaje esperado
A mediados de Octubre de 2015, finalizada la feria del Libro de Frankfurt, tome un tren y luego de un viaje de 4 horas llegué a la estación central de Leipzig, en donde 540 años antes -en 1475- se habían iniciaron en Alemania las ferias del libro. En esa ciudad desde principios del siglo XVI la feria del libro se instalaba cerca de la Iglesia de Santo Tomas, una época en la que la demanda de libros había crecido muchísimo.
El año anterior había visitado Eisenach, la casa-museo y los espacios donde nació Johann Sebastian Bach. Este año quería conocer cómo era la ciudad donde trabajó durante 27 años y entender por qué se quedó allí tanto tiempo. Intenté saber más sobre el medio en el que se movió Bach; algo más pude conocer, o al menos intuir.
Muere en Leipzig. Su tumba se encuentra finalmente en la Iglesia de Santo Tomás, rodeada de muros que durante años escucharon, semana tras semana, la música sacra para la que fue contratado, además de sus tareas pedagógicas y de dirección.
Lo primero que hice fue ir a la iglesia de San Nicolás, cercana a mi hotel, y luego, con gran expectación, a la Iglesia de Santo Tomás. Entre ambas hay unos 700 metros.
La Iglesia de Santo Tomás (Thomaskirche), 1482/96, es una obra diseñada en forma colectiva del gótico tardío alemán, Hubo iglesias anteriores en el mismo sitio (desde el siglo XIII), pero ésta es la que conoció Bach y trabajó como Kantor desde 1723, con 38 años y durante los siguientes 27 años hasta su muerte en 1750, vive y trabaja en Leipzig.
Johann Sebastian Bach
(21 de marzo de 1685 – 1750 28 de Julio )
Debido a su importancia, Leipzig era un centro comercial, cultural y universitario y, por muchos motivos —entre ellos los políticos—, era considerada de primer orden.
En medio de varias rutas comerciales, donde confluyen tres ríos —Pleisse, Elster Blanco y Parthe—, Leipzig era una ciudad mercantil que recibía privilegios especiales del Imperio y del Papado para la celebración regular de ferias.
En la época en que llega Bach, Leipzig, además de las ferias, era un importante centro de comercio y mercados, que atraía entre 6.000 y 10.000 expositores y visitantes, casi un tercio de su población estable, que no superaba los 35.000 habitantes. Fue una época de enorme creatividad musical y, al mismo tiempo, de tensión constante entre el músico y las autoridades de la ciudad-estado, que controlaban la Tomasschule, la escuela de la iglesia de Santo Tomás.
La otra fracción era la de los monárquicos, representados por el joven abogado Gottlieb Lange , alcalde de la ciudad. Su tarea musical estuvo inmersa en y entre el enfrentamiento de ambos bandos.
Centro cultural, comercial, financiero
El fin de una época y el comienzo de otra
….la arquitectura, es música congelada. Johann Wolfang von Goethe
En 1409, unos 300 años antes de la llegada de Bach, se fundó la Universidad y, en 1519, unos 200 años antes, Martín Lutero participó en las famosas disputas teológicas.
Denis Diderot y Jean le Rond d’Alembert
Pero culturalmente ocurren muchas cosas de manera simultánea. Cuando llega Bach, se publica la Cyclopaedia (Diccionario Universal de las Ciencias y las Artes), y faltan solo 18 años para la edición de la Encyclopédie francesa de Denis Diderot y Jean le Rond d’Alembert, síntesis, por un lado, del conocimiento de la época y, por otro, un arma política y motivo de numerosos enfrentamientos entre editores, redactores y los poderes secular y eclesiástico.
Es la época de los arquitectos utópicos, revolucionarios o visionarios que, sin renunciar a la herencia de la arquitectura clásica, se vuelcan a sus formas geométricas elementales y a proyectos de fuerte carga simbólica, como Étienne-Louis Boullée (1728–1799) y Claude-Nicolas Ledoux (1736–1806).
Aunque sus obras pertenecen a una generación posterior a Bach, expresan el mismo clima intelectual: la voluntad de orden, racionalidad y sistema, aplicada tanto a la arquitectura como a la música, la ciencia y la organización social. Una modernidad que busca fundamentos universales, ya sea en el contrapunto, en la geometría o en la razón ilustrada.
Es en los años en que Bach llega a Leipzig cuando nace el famoso aventurero, escritor, diplomático, bibliotecario y agente secreto —además de célebre amante— Giacomo Girolamo Casanova. Es una época de grandes cambios, como nunca antes se habían dado: se está gestando la Revolución Industrial.
El fin de una época, y el comienzo de otra.
La arquitectura
«…La arquitectura es cuestión de armonías, una pura creación del espíritu». Le Corbusier
…La música es arquitectura congelada, (parafraseando a Goethe). Arnold Scöenberg
…La arquitectura y la música son dos artes que caminan de la mano, las dos construyen y crean espacios, estructuras, geometría, texturas o colores.
A lo largo de la historia esta relación ha ido evolucionando, avanzando y retrocediendo, mezclándose la una con la otra hasta llegar al punto en que una obra musical puede ser el inicio de la inspiración arquitectónica o un espacio la inspiración de la música. Uxua Echeverría
Bach es la culminación del barroco musical, mientras comienza a gestarse el neoclasicismo. Este surge a mediados del siglo XVIII como reacción contra el barroco y su tendencia a la ornamentación. Se valora la sencillez, la claridad de líneas y el orden racional.
Se valora el funcionamiento, lo que implica un cambio en ciertos esquemas de organización espacial y en la relación entre espacios abiertos y cerrados, entre vanos y macizos.
Sabemos que Bach, a pesar de haber deseado viajar a Italia para conocer a Antonio Vivaldi y escuchar la ópera de primera mano, nunca lo logró. Por ello, nunca subió ni bajó la escalinata de 135 peldaños que conduce a la Plaza de España, financiada por la casa de los Borbones franceses entre 1721 y 1725 y diseñada por Alessandro Specchi (1668 – 1729) y Francesco De Sanctis (1679 – 1731).
La escalinata resuelve de manera magistral el desnivel del Monte Pincio mediante una sucesión de tramos y terrazas ajardinadas. Sus autores fueron figuras claves del Barroco romano tardío, actuaron en la Roma posterior a Gian Lorenzo Bernini (1598 – 1680) y Francesco Borromini (nacido como Francesco Castelli, 1599 – 1667).
¿Qué nos dice el neoclasicismo acerca de la arquitectura?. Debe ser un arte fundado en principios racionales, despojado de ornamentos superfluos, que no dependa de la subjetividad del arquitecto, sino de leyes generales de proporción, claridad y orden.
En ese sentido, la música de Johann Sebastian Bach puede leerse como un equivalente: una construcción rigurosa, basada en reglas compartidas, donde la expresión surge del sistema mismo y no del gesto individual. Aquí, como en la arquitectura neoclásica, la forma es consecuencia directa de la estructura.
Se buscó otorgar a las artes un carácter más científico, por lo que los artistas debían ser más técnicos que inventores, imitadores más que creadores. Este espíritu llevó a considerar al arte clásico como un arte progresista, al estar desprovisto de adornos superfluos y orientado a la perfección de leyes consideradas inmutables, sin depender de las impresiones subjetivas —e imperfectas— del artista, imperfecto por definición.
Ludwig van Beethoven y Frank Lloyd Wright
«…Mi padre me enseñó que componer una sinfonía es como construir un edificio. Comprendí entonces que compositores y arquitectos utilizan un mismo modo de pensar para componer una obra musical o proyectar un edificio. Para inspirarme, solía escuchar a Beethoven. Él fue también un gran arquitecto. Ambos tipos de mente son parecidos: componen y construyen, dibujan y proyectan». Frank Lloyd Wright
«…. La arquitectura puede entenderse como una música de piedras y la música como una arquitectura de sonidos…». Atribuida a Ludwig van Beethoven
Bach, la ornamentación y el neoclasicismo
Bach representa la cumbre de la ornamentación barroca en un momento en que la crítica comienza a abogar por la funcionalidad y la supresión del ornamento en la arquitectura. Francesco Milizia (1725–1798), en Principi di Architettura Civile (1781), difundió desde Italia concepciones rigoristas que se extendieron por toda Europa. Mientras tanto, en Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713–1769) propuso en Essai sur l’Architecture (1752) y Observations sur l’Architecture (1765) la necesidad de concebir edificios en los que todas sus partes cumplieran una función esencial y práctica, y en los que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no meramente decorativos. Para hacer una arquitectura verdadera, enfatizan realizar una arquitectura con lógica.
Es a partir de la obra de Denis Diderot y Jean le Rond d’Alembert cuando se incide de manera decisiva en el pensamiento y las costumbres. Los temas arquitectónicos pasan a ser aquellos que favorecen un mejor vivir: hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques. Se trata de obras pensadas para perdurar, conservando un carácter monumental.
¿Cuál es el lenguaje arquitectónico que mejor puede expresarlo? No el barroco – como lo es la música de Bach -. El cambio exige volver la mirada al pasado y buscar un lenguaje arquitectónico de validez universal: Grecia, Roma, Oriente, Asia Menor, Egipto.
Cada cambio necesita un lenguaje, una forma de expresión que incluya y señale sin ambigüedades las transformaciones de su tiempo, y es justamente el neoclasicismo el que mejor las representa y el que despierta entusiasmo en aquellos años.
La arquitectura
Para Le Corbusier, la música se desarrolla en el tiempo, mientras que la arquitectura lo hace en el tiempo y en el espacio.
La publicación de L’Encyclopédie deja claro que la arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes sociales, ya que influye no solo en el pensamiento, sino también en las costumbres de una sociedad, en su organización cotidiana y en las formas en que esta se representa a sí misma.
En esos mismos años, en Inglaterra, la Chiswick House (1725), diseñada por Lord Burlington a partir de Andrea Palladio, expresa en su arquitectura un orden riguroso, basado en reglas, donde la forma es consecuencia directa de su estructura, -como lo hace Bach en su música-.
En 1738, Fernando de Casas Novoa diseña la fachada barroca de la Catedral de Santiago de Compostela, iniciada en 1077. Mientras en buena parte de Europa se consolidaba el pensamiento neoclásico, esta obra muestra cómo el barroco seguía vigente en otros contextos, prolongando un lenguaje expresivo basado en la exuberancia y el efecto simbólico, hay una coexistencia de lenguajes, mientras Bach lleva el barroco musical a su máxima madurez, la arquitectura barroca produce algunas de sus grandes obras.
La arquitectura y la música comparten un lenguaje común
Establecen relaciones entre significante y significado en sus títulos, nombres y características: relación, ritmo, estructura, tema, uso, orden, proporción, segmento, sección, técnica, desarrollo, trama, geometría y matemáticas; intervalos sonoros o métricos en el tiempo y en el espacio; y la noción de sonido entendida como altura, duración, intensidad y timbre.
A. Ramírez escribe al respecto que, además, las relaciones entre la música y la arquitectura han existido siempre, ya que ambas comparten nexos profundos basados en el concepto de geometría. «La geometría no se aplica solo a las matemáticas, sino también a otros campos como el arte». En este sentido, como afirma Blaise Pascal, «…una obra moral, política o retórica será tanto más bella si ha sido concebida con espíritu geométrico…».
Nos señala que la geometría y el orden se reflejan en la arquitectura de un modo peculiar: a través de reglas prácticas y de la técnica de aplicación de las proporciones. De este orden y de estas proporciones habla también la música «…la geometría fue, en este sentido, una formulación de la antigua “teoría de la armonía”, entendida como «el orden que rige el cosmos: un orden dinámico. El universo está en movimiento, y es el desplazamiento de sus astros y de las fuerzas que los gobiernan lo que se ajusta en un todo armónico y, por lo tanto, ordenado».
Le Corbusier, el modulor e Iannis Xenakis
La arquitectura como partitura
Iannis Xenakis fue un arquitecto y compositor de ascendencia griega, nacido el 29 de mayo de 1922 en Brăila, Rumania, nacionalizado francés, pasó gran parte de su vida en París, donde murió el 4 de febrero de 2001.
Le Corbusier lleva al siglo XX esta antigua relación entre geometría, música y arquitectura mediante el Modulor, un sistema de proporciones basado en el cuerpo humano, la sección áurea y las series matemáticas, pensado para introducir orden, medida y armonía en el proyecto arquitectónico.
Sobre El Modulor ver https://onlybook.es/blog/el-modulor-de-le-corbusier/
En ese mismo cruce disciplinar se sitúa Iannis Xenakis, arquitecto y compositor, fue colaborador directo de Le Corbusier desde 1947.
Xenakis no se limita a establecer analogías: traslada estructuras musicales al espacio arquitectónico y formas arquitectónicas a la música. Partituras convertidas en superficies regladas, ritmos transformados en geometría, el sonido pensado como forma construida. El Pabellón Philips (Bruselas, 1958) constituye el ejemplo más radical de esta convergencia: una arquitectura generada mediante principios matemáticos y musicales, donde las superficies hiperbólicas responden tanto a cálculos estructurales como a lógicas compositivas, buscando fusionar ambas disciplinas.
Ambos prolongan, desde la modernidad, una idea antigua: arquitectura y música como artes regidas por proporción, orden y estructura, donde la geometría no es una metáfora sino un lenguaje común.
Es reconocido como uno de los compositores fundamentales de la música contemporánea. En 1954, con la obra Metastaseis, Iannis Xenakis inició sus investigaciones en el campo de la música estocástica: un sistema compositivo no determinista, basado en modelos matemáticos que combinan procesos aleatorios con estructuras controladas.
Diseñó dos obras fundamentales de la arquitectura del siglo XX: el Convento de Sainte-Marie de La Tourette (1953–1960), y, el Pabellón Philips, este último basado en los mismos principios formales y estructurales que su obra orquestal Metastaseis (1953–1954), donde superficies hiperbólicas, cálculos matemáticos y organización sonora convergen en su concepción espacial.
Establecido en París, en 1948 ingresó al estudio de Le Corbusier, en la rue de Sèvres 35, como ingeniero calculista. Durante doce años, hasta 1960, fue uno de sus principales colaboradores.
En ese período, Iannis Xenakis enriqueció decisivamente su pensamiento musical a partir de las teorías del Modulor, que Le Corbusier había comenzado a desarrollar en 1945, incorporando a la composición musical nociones de proporción, escala y estructura matemática.
Sobre el estudio de Le Corbusier ver https://onlybook.es/blog/35-rue-de-sevres-el-taller-de-le-corbusier-junto-a-pierre-jeaneret-y-charlotte-perriand-mb/
Participó en los proyectos de las Unidades Habitacionales de Nantes (1949), Briey-en-Forêt y Berlin-Charlottenburg (1954); en los distintos edificios que conformaron el plan urbano de Chandigarh en la India (desde 1951); y en el Centro Deportivo y Cultural de Bagdad (1957).
En todas estas obras, Iannis Xenakis aplicó los mismos procesos compositivos y estéticos que desarrollaba simultáneamente en su música, trasladando al espacio arquitectónico principios de ritmo, densidad, variación y estructura formal.
Conversaciones con Bruce Duffie (5)
BD: You have to do something different or you do not exist?
IX: That is right.
BD: ¿Hay que hacer algo diferente o no se existe?
IX: Exactamente.
BD: Was this the same when you were designing buildings?
IX: Yes. When I was with Le Corbusier I designed buildings that were not too complicated, but he accepted them. For instance, the Monastery of La Tourette. I did all the plans including windows with vertical separations. But he accepted my ideas.
BD: ¿Era lo mismo cuando diseñaba edificios?
IX: Sí. Cuando trabajaba con Le Corbusier, diseñé edificios que no eran demasiado complicados, pero él los aceptaba. Por ejemplo, el monasterio de La Tourette. Yo hice todos los planos, incluidos los de las ventanas con separaciones verticales. Y aceptó mis ideas.
BD: It was his building but you did part of the work?
IX: Oh yes.
BD: ¿Era su edificio, pero usted hizo parte del trabajo?
IX: Oh, sí.
Frases como conceptos
- Para Le Corbusier, la geometría de base es la del cubo; a partir de ella, cada elemento adquiere su propio ritmo: el de las columnas, el de las ventanas, el de los muros. El edificio se concibe así como una sinfonía, donde cada instrumento desarrolla su propia línea, pero todas convergen en una estructura común, produciendo una unidad armónica.
- Para Mawlana Rumi, la música no se escucha: se cruza, como el sonido de las puertas del paraíso al abrirse.
- David Byrne…(charla que dio en el 2010 en TED, expone el ejemplo de los pájaros) «…un pájaro no canta igual cuando está en un árbol que cuando está en el suelo, ni canta igual en un lugar del mundo que en otro; su canto – su mensaje – se adapta al medio que lo contiene».
- Alexander Jackson Davis...»no soy más que un compositor de arquitectura». Una definición sorprendentemente moderna: la arquitectura entendida no como objeto, sino como arte del ritmo, la estructura y la composición.
- Atribuido a Pitágoras «…hay geometría en la vibración de las cuerdas, hay música en los espacios entre las esferas…». Una frase que es una sintesis del número, la proporción y la armonía, habla del cosmos, la música y la arquitectura.
- Adolf Loos… La arquitectura despierta sentimientos en el hombre. Su tarea es, por tanto, hacer esos sentimientos más precisos…». Loos plantea una arquitectura lejos del ornamento o el estilo, un instrumento de afinación emocional.
- Michael Graves «…en cualquier arquitectura existe una igualdad entre la función pragmática y la función simbólica..». Una afirmación clave del pensamiento posmoderno, construir es resolver usos, pero también producir significado.
- Oscar Niemeyer «…busco la sorpresa en mi arquitectura, Una obra de arte debería provocar la emoción de lo novedoso…». La arquitectura como gesto libre, con curvas y emociónes.
- Yoshio Taniguchi «…la arquitectura es, básicamente, un contenedor de algo. Espero que disfruten no tanto la taza de té, sino el té…». Una forma poética donde la forma está al servicio de la experiencia.
- Quincy Jones «…Si la arquitectura es música congelada, entonces la música debe ser arquitectura líquida..». La materia y el sonido.
- Shirley Clarke «…el sueño de una música de colores para el ojo, o de una música tonal para el oído, ha sido quizá la utopía estética más persistente de la historia del arte, compartida por numerosas prácticas experimentales de la literatura, la pintura y la música…». «Esta forma de música visual puede entenderse como un arte dinámico que combina materiales musicales y visuales: la extensión visual de las notas. Cuando sonido e imagen trabajan juntos, los medios se transforman en un tercer medio nuevo (Body y Weibel, 1987).
En una carta a su hermano Daniel, fechada el 4 de agosto de 1802, Philipp Otto Runge explica que la imagen debía ser «…como una fuga musical: una composición concebida como un todo, en la que las variaciones brillan a través de la estructura, entrando y reapareciendo una y otra vez…» (Runge, en Maur).
- Eugenio Trías «… la música tiene el efecto de crear los ambientes organizados en formas por la arquitectura, y esto hermana para siempre a la música con la arquitectura. Ambas intentan dar forma a la materia de ese cerco. Ambas preparan un hábitat para la figuración icónica o para la significación poética o conceptual…». (Lógica del límite, Ediciones Destino, Barcelona, 1991).
Bibliografía, referencia y búsquedas
http://arquitectura-mundo.blogspot.com.es/2012/09/la-arquitectura-y-la-musica.html
http://www.faena.com/aleph/es/articles/david-byrne-sobre-la-relacion-entre-arquitectura-y-musica/
El canon del cangrejo o, por analogía, el anillo de Möbius
Propone una forma simétrica y reversible, capaz de transformarse, rotar y mantener su identidad.
En estos cánones, Johann Sebastian Bach hace avanzar una línea melódica hacia delante mientras la hace sonar, de manera armónica, en sentido inverso: una música que se pliega sobre sí misma, como el andar del cangrejo.
Douglas Hofstadter, en su libro Gödel, Escher, Bach, (gracias Roly por regalarmelo) define este principio como un palíndromo: una estructura que se lee igual de izquierda a derecha que de derecha a izquierda.
Hofstadter muestra cómo este bucle autorreferente aparece en el ADN, en las escaleras imposibles de M. C. Escher, en las estructuras lógicas de Kurt Gödel, en la música de Johann Sebastian Bach, y, en la naturaleza misma.
Muchas veces he pensado que la música de Johann Sebastian Bach (1685–1750) es la música de Dios, -sea cual sea ese Dios-, una música que Bach transcribe. Y que quien la traduce para nuestro tiempo es el pianista canadiense Glenn Gould (1932–1982).
Escribo esto a finales de Octubre de 2022, he descubierto estas opiniones sobre Gould, que comparto:
Notas
1
Es el retrato más famoso de Johann Sebastian Bach, lo realizó Elias Gottlob Haussmann en 1746, existe una segunda versión muy similar de 1748, prácticamente idéntica; se cree que fue hecha para otro destinatario, quizas institucional o familiar.
Fue pintado en Leipzig, cuando Bach tenía 61 años. Es el retrato “canónico”, peluca blanca, gesto severo y la partitura en la mano (el Canon triplex BWV 1076, una obra estrictamente contrapuntística. El original de 1746 se conserva en el Bach-Archiv Leipzig, en Leipzig.
2
Este grabado realizado en cobre de época barroca de la primera mitad del siglo XVIII representa una interpretación musical sacra en la Iglesia de Santo Tomás. El conjunto corresponde a una cantata o servicio litúrgico musical, no a un concierto profano. Se ve a músicos y cantores dispuestos en torno al órgano, los instrumentos son cuerdas, vientos y continuo, típicos de la práctica luterana, la dirección musical se realiza desde el órgano o clave, habitual en tiempos de Bach.
3
Encyclopédie, ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers, bajo la dirección de Denis Diderot y Jean le Rond d’Alembert, editado por Briasson, David l’aîné, Le Breton y Durand (París), entre los años 1751 y 1772.
4
Es un dibujo–partitura de luz de Iannis Xenakis, un estudio gráfico (light score) para los Polytopes de Montreal de 1967, donde líneas y colores indican trayectorias, intensidades y ritmos de luz en el espacio, análogos a procesos musicales. Estos esquemas no son ilustraciones: son instrumentos de control temporal y espacial, en los que Xenakis traduce cálculo, música y arquitectura a un único lenguaje visual.
5
Bruce Duffie es un entrevistador, divulgador y productor estadounidense especializado en música clásica y contemporánea, las Conversaciones con Bruce Duffie son una serie de entrevistas, originalmente realizadas para radio pública en Chicago desde los años 80, en la que Duffie conversa en profundidad con compositores, intérpretes y directores del siglo XX y XXI.
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por HaKj (autorizada su publicación citando la fuente)
Arq. Hugo Alberto Kliczkowski Juritz
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Hugoklico7.blogspot.com
Salvemos al Parador Ariston de su ruina
Firma y difúndelo. GRACIAS. https://chng.it/PsfMJ6xtK6
Diario Clarín https://onlybook.es/blog/el-parador-ariston-
Magnífico Artículo.
Gracias por un trabajo tan detallado
Felicidades por el Blog
Gracias Mateo por tu comentario. Descubri que estudio piano para conocer mas a Bach, pues me ha permitido entrar en un mundo muy especial, y hace tiempo que creo que no es casual, mi interés por el y mi condición de arquitecto (aunque no ejerzo actualmente).
Siempre me intereso saber porque al mismo tiempo que lo consideraban caduco y/o antiguo, tenia un puesto muy importante en una ciudad muy importante de Alemania. Antiguo y venerado a la vez. un cordial saludo
fascinante, atrapante y exquisito video el del canon
muchas gracias Dr. Aromas, habia olido mucho acerca de usteds. Gracias Roly, ademas de feliz cumple.
el video es maravilloso.